Pero puede ser un desafío convencer a los inversores de que se deshagan del dinero que tanto les costó ganar. Ahí es donde los estudios de casos pueden resultar útiles.

Al compartir ejemplos de nuevas empresas que han recaudado dinero con éxito , puede mostrarles a los inversores potenciales que se puede lograr. Aquí hay tres estudios de casos de nuevas empresas que recaudaron dinero de inversores:. Appster: Appster es una empresa de desarrollo de aplicaciones móviles fundada en La empresa recaudó 1 millón de dólares en financiación inicial de varios inversores de alto perfil , incluidos Startups , BlueChilli y Right Click Capital.

Appster recaudó 15 millones de dólares adicionales en financiación Serie A en Canva: Canva es una plataforma de diseño en línea que facilita la creación de hermosos gráficos.

La compañía recaudó 3 millones de dólares en financiación inicial de Sequoia Capital y Blackbird Ventures en Luego, Canva recaudó 7 millones de dólares en una ronda Serie A liderada por Felicis Ventures en Airwallex: Airwallex es una empresa de tecnología financiera que ofrece servicios de cambio de divisas a empresas.

Estos estudios de caso muestran que es posible que las empresas de nueva creación recauden dinero de los inversores. Al compartir ejemplos de recaudaciones de fondos exitosas, puede brindarles a los inversores potenciales la confianza de que su dinero se gastará bien.

Estudios de casos Ejemplos de recaudación de fondos exitosa para empresas emergentes - La guia definitiva para la investigacion de inversores para empresas emergentes.

Establezca un presupuesto realista: uno de los aspectos clave de una gestión financiera exitosa en las nuevas empresas de comercio electrónico es establecer un presupuesto realista. Es fundamental tener una comprensión clara de sus flujos de ingresos, costos fijos y gastos variables.

Al crear un presupuesto integral, puede asegurarse de asignar los fondos de manera efectiva y evitar gastos excesivos. Por ejemplo, digamos que está iniciando una tienda de ropa en línea. Su presupuesto debe incluir costos de inventario, desarrollo de sitios web, marketing, embalaje y envío.

Al estimar estos gastos con precisión, podrá tomar decisiones informadas sobre precios, gestión del flujo de efectivo y oportunidades de inversión. Monitorear el flujo de caja : el flujo de caja es el alma de cualquier negocio y es particularmente importante para las nuevas empresas de comercio electrónico.

Monitorear su flujo de caja implica rastrear el dinero que entra y sale de su negocio. Al hacerlo, podrá identificar cualquier brecha en el flujo de efectivo y tomar medidas proactivas para abordarla.

Por ejemplo, puede notar que sus ventas son estacionales, con un aumento en la temporada navideña y una pausa durante el verano. Para gestionar esto, podría considerar implementar una campaña de marketing u ofrecer promociones especiales durante los meses más lentos para mantener un flujo de caja constante.

Implementar sistemas de gestión de inventario: las nuevas empresas de comercio electrónico a menudo enfrentan desafíos cuando se trata de gestión de inventario. El exceso de existencias puede inmovilizar capital valioso, mientras que la falta de existencias puede provocar la pérdida de oportunidades de ventas.

La implementación de sistemas de gestión de inventario puede ayudarle a lograr el equilibrio adecuado. Estos sistemas pueden ayudarle a realizar un seguimiento de los niveles de existencias, pronosticar la demanda y automatizar los procesos de reordenación.

Por ejemplo, puede utilizar software que se integre con su plataforma de comercio electrónico para actualizar automáticamente los niveles de inventario cuando se realiza una venta y generar órdenes de compra cuando el stock alcanza un umbral predeterminado.

aprovechar el análisis de datos : los datos son un recurso valioso para las nuevas empresas de comercio electrónico, y aprovechar el análisis de datos puede proporcionar información valiosa para la gestión financiera.

Al analizar datos sobre el comportamiento de los clientes , patrones de ventas y campañas de marketing, puede tomar decisiones basadas en datos que pueden optimizar su desempeño financiero.

Por ejemplo, puede descubrir que un canal de marketing en particular está generando un alto retorno de la inversión ROI , mientras que otro tiene un rendimiento deficiente.

Armado con este conocimiento, puede reasignar su presupuesto de marketing para centrarse en el canal que produzca los mejores resultados y, en última instancia, mejorar su posición financiera. Busque asesoramiento profesional: iniciar y gestionar una empresa de comercio electrónico La puesta en marcha puede resultar desalentadora, especialmente cuando se trata de gestión financiera.

Buscar asesoramiento profesional de contadores, asesores financieros o mentores empresariales puede proporcionarle información y orientación valiosas.

Estos profesionales pueden ayudarlo a navegar asuntos financieros complejos, como obligaciones tributarias, informes financieros y opciones de financiamiento.

También pueden brindarle asesoramiento estratégico sobre planificación financiera , gestión de riesgos y estrategias de crecimiento, ayudándolo a tomar decisiones informadas que se alineen con sus objetivos a largo plazo. En conclusión, una gestión financiera exitosa en las nuevas empresas de comercio electrónico requiere una cuidadosa planificación, seguimiento y aprovechamiento de los datos.

Al establecer un presupuesto realista, monitorear el flujo de caja, implementar sistemas de gestión de inventario, aprovechar el análisis de datos y buscar asesoramiento profesional, puede optimizar su desempeño financiero y encaminar su empresa de comercio electrónico hacia el éxito.

Consejos para una gestión financiera exitosa en empresas emergentes de comercio electrónico - La guia para principiantes para financiar una startup de comercio electronico.

Para las empresas emergentes , las campañas publicitarias dirigidas pueden ser una herramienta poderosa para aumentar la visibilidad, ampliar las bases de clientes e impulsar los ingresos.

Sin embargo, crear una campaña eficaz no es fácil. Para maximizar el éxito de una campaña publicitaria dirigida, hay cinco elementos esenciales que deben tenerse en cuenta. conozca a su público objetivo. El primer paso para crear una campaña publicitaria dirigida eficaz es conocer a su público objetivo.

Investigue sus datos demográficos e intereses para crear un perfil de su cliente ideal. Esto le ayudará a determinar qué plataformas y campañas tienen más probabilidades de atraer su atención. Utilice múltiples plataformas. No se debe confiar en ninguna plataforma única para llegar a todo el público objetivo.

Utilice múltiples plataformas, incluidas las redes sociales, el marketing en motores de búsqueda, los anuncios gráficos y el marketing por correo electrónico para garantizar la máxima visibilidad.

Desarrollar objetivos claros. Antes de lanzar una campaña, es importante determinar qué desea lograr. Tener objetivos claros en mente le ayudará a medir mejor el éxito de sus campañas y a realizar los ajustes necesarios. cree contenido atractivo. crear contenido atractivo es esencial para cualquier campaña publicitaria dirigida exitosa.

Esto significa crear anuncios que sean visualmente atractivos, que tengan un llamado a la acción claro y que hablen directamente de los intereses y necesidades del público objetivo. Mida los resultados y haga ajustes.

Es importante realizar un seguimiento de los resultados de sus campañas para asegurarse de que estén logrando sus objetivos. Supervise métricas como tasas de clics, conversiones y costo por clic para determinar si sus campañas tienen éxito o si es necesario realizar cambios.

Si se toma el tiempo para comprender estos cinco elementos esenciales de una campaña publicitaria dirigida exitosa para nuevas empresas , podrá crear campañas que generen resultados y ayuden a que su negocio crezca.

Trabaja desde el principio y estarás seguro de ver las recompensas en el futuro. Cuando estás iniciando un negocio, es importante tener un plan. Este documento le servirá como hoja de ruta y le ayudará a navegar las primeras etapas de su startup.

La planificación también le ayudará a conseguir financiación, atraer talento y tomar decisiones informadas sobre el futuro de su negocio. A continuación se ofrecen algunos consejos para una planificación exitosa :.

Su modelo de negocio debe describir cómo su empresa generará ingresos. También debe incluir su mercado objetivo , panorama competitivo y propuesta de valor. Esta información será fundamental para inversores y socios.

crear un modelo financiero. Su modelo financiero debe proyectar los costos, los ingresos y la rentabilidad de su startup. Esto le ayudará a realizar un seguimiento de su progreso y a tomar decisiones informadas sobre inversiones y gastos. Desarrollar una estrategia de comercialización.

Su estrategia de comercialización debe describir cómo planea llegar a su mercado objetivo y generar ventas. Esto le ayudará a asignar recursos de forma eficaz y realizar un seguimiento de su progreso a lo largo del tiempo.

Su plan organizacional debe describir la estructura de su Start-up y los roles de cada miembro del equipo. Esto le ayudará a atraer y retener talento y garantizará que todos estén alineados con los objetivos de su empresa. escribe un plan de negocios.

Su plan de negocios debe resumir su modelo de negocio , modelo financiero , estrategia de comercialización y plan organizacional. Este documento será fundamental para convencer a los inversores de que apoyen su startup.

Seguir estos consejos le ayudará a crear un plan integral y convincente para su startup. Recuerde que su plan de negocios debe actualizarse periódicamente a medida que su negocio crece y cambia. Si planifica con anticipación, puede preparar su startup para el éxito. Consejos para una planificación exitosa para empresas emergentes - La importancia de planificar tu startup.

El éxito de una Start-up depende en gran medida de su estrategia de marketing. Las estrategias de marketing tradicionales para startups pueden marcar la diferencia entre el éxito y el fracaso. El marketing tradicional se define como cualquier forma de promoción que no implique el uso de medios electrónicos.

Incluye actividades como correo directo, anuncios en vallas publicitarias , publicidad impresa , radio y televisión. Para que una estrategia de marketing tradicional tenga éxito , debe incluir varios componentes clave. En primer lugar, es esencial un mensaje claro.

Como startup, debes comunicar tu mensaje de manera efectiva y concisa, para que los clientes potenciales puedan entender fácilmente lo que ofreces. Su mensaje debe estar dirigido a la audiencia adecuada y debe ser coherente en todos los canales.

En segundo lugar, es necesario tener un plan. Antes de lanzar cualquier campaña de marketing tradicional , es importante determinar sus objetivos, presupuesto y cronograma. Esto ayudará a garantizar que sus esfuerzos estén enfocados y sean efectivos.

Además, le ayudará a realizar un seguimiento de su progreso y medir el éxito. En tercer lugar, es necesario identificar los canales adecuados para su mensaje. Diferentes canales funcionan mejor para diferentes empresas; por ejemplo, la radio puede funcionar mejor para un restaurante que para una empresa de tecnología.

Es importante comprender qué canales serán más eficaces para llegar a su público objetivo y transmitir su mensaje. Cuarto, necesitas crear contenido atractivo. El contenido debe estar bien elaborado y ser atractivo para captar la atención de los clientes potenciales.

El contenido también debe optimizarse para los canales que haya elegido; por ejemplo, si utiliza publicidad por radio, querrá crear contenido que se ajuste a las limitaciones de tiempo de un anuncio de radio. En quinto lugar, es necesario medir el éxito y ajustar su estrategia en consecuencia.

Esto se puede hacer mediante el seguimiento de métricas como visitas al sitio web, tasas de participación en publicaciones en redes sociales o oportunidades de ventas generadas a partir de una campaña de correo directo.

El seguimiento de estas métricas le ayudará a comprender qué funciona y qué no, para que pueda ajustar su estrategia en consecuencia. Por último, es importante recordar que el marketing tradicional todavía desempeña un papel importante en el éxito de una startup. Incluso en el mundo digital actual , las estrategias de marketing tradicionales pueden ser efectivas para llegar a clientes que tal vez no sean tan activos en línea o que prefieran formas de comunicación más tradicionales.

Cuando se hace correctamente, el marketing tradicional puede ser una herramienta invaluable para ayudar a las nuevas empresas a alcanzar sus objetivos y alcanzar el éxito.

Tenga una gran historia: sus donantes potenciales deben poder conectarse con su historia y sentirse parte de su viaje. Asegúrese de expresar por qué le apasiona su startup y qué impacto está tratando de generar en el mundo. Utilice las redes sociales: plataformas como Facebook, Twitter e Instagram son excelentes formas de llegar a donantes potenciales y mantenerlos informados sobre su progreso.

Utilice hashtags, publique fotos y vídeos y realice concursos o sorteos para generar conciencia y recaudar fondos para su startup. Cree un video de campaña: un video de campaña es una de las mejores formas de involucrar a donantes potenciales y entusiasmarlos con su proyecto.

Mantenlo en menos de dos minutos , concéntrate en tu historia y asegúrate de incluir un llamado a la acción al final.

Envíe correos electrónicos personales: además de las redes sociales, comuníquese con su red personal de familiares, amigos y colegas para solicitar su apoyo. Envíeles correos electrónicos personales o incluso cartas escritas a mano explicando su proyecto y cómo pueden ayudar.

Tenga un objetivo claro: cuando esté recaudando fondos, es importante tener un objetivo específico en mente para que los posibles donantes sepan exactamente a qué se destinará su dinero. Sea realista al establecer sus objetivos y asegúrese de comunicar su progreso a lo largo del camino.

Ofrezca recompensas: los donantes quieren saber que su dinero se destinará a algo que valga la pena, así que ofrézcales recompensas o beneficios por contribuir a su campaña. Esto podría ser cualquier cosa, desde una nota de agradecimiento hasta un acceso temprano a su producto o servicio.

Utilice plataformas de financiación colectiva: plata formas como Kickstarter e Indiegogo son excelentes formas de llegar a una audiencia más amplia y recaudar fondos para su startup.

Asegúrese de crear una página de campaña atractiva y ofrecer recompensas atractivas a los donantes potenciales. Organiza eventos: organizar eventos es una excelente manera de involucrar a donantes potenciales y entusiasmarlos con tu proyecto.

Desde reuniones para conocer y saludar hasta divertidas fiestas temáticas, los eventos son una excelente manera de generar conciencia y generar fondos para su startup.

Tener un sitio web: en el mundo digital actual , es importante tener presencia en línea para su startup. Además de las redes sociales, cree un sitio web donde los posibles donantes puedan aprender más sobre su historia y cómo contribuir. Sea persistente: la recaudación de fondos puede ser un desafío, pero es importante mantener una actitud positiva y ser persistente en sus esfuerzos.

Continúe comunicándose con donantes potenciales y manténgalos informados sobre su progreso. Con trabajo duro y dedicación, podrá alcanzar sus objetivos de recaudación de fondos.

Consejos para una recaudación de fondos en línea exitosa para empresas emergentes - Las mejores herramientas de recaudacion de fondos en linea para empresas emergentes.

Como empresa emergente , es posible que se pregunte cómo puede lograr que sus clientes comiencen a hablar sobre su marca. A continuación se ofrecen algunos consejos que le ayudarán a empezar:. Asegúrese de que su ficha de Google My business esté actualizada y de animar activamente a los clientes a dejar reseñas.

También puede crear un perfil en Yelp y ofrecer descuentos o obsequios para quienes escriban reseñas. utilice las redes sociales a su favor. Anime a los clientes a publicar sobre su experiencia con su marca en las redes sociales.

También puede realizar concursos o campañas en las redes sociales que motiven a los clientes a compartir su contenido. Asegúrese de que su producto sea digno del boca a boca. Esto puede parecer obvio, pero vale la pena repetirlo. Si desea que los clientes hablen sobre su producto, ¡debe valer la pena hablar de él!

Asegúrese de que sea de alta calidad, único y que resuelva un problema para su cliente objetivo. Una de las mejores formas de hacer que la gente hable sobre su marca es involucrarse en su comunidad local. Esto podría incluir patrocinar un evento local, donar a una organización benéfica u ofrecer su tiempo como voluntario.

Es más probable que la gente hable de una marca que ofrece algo único. Podría ser un producto único , una historia interesante o incluso simplemente un excelente servicio al cliente. Si tiene publicaciones de blog informativas u otro tipo de contenido que desea que la gente comparta, facilíteles hacerlo.

Incluya botones para compartir en su sitio web y publicaciones en las redes sociales , y asegúrese de que su contenido sea compatible con dispositivos móviles para que pueda compartirse fácilmente mientras viaja. Asegúrese de monitorear periódicamente las redes sociales y los sitios de reseñas en línea para ver qué dice la gente sobre su marca.

Esto le ayudará a identificar cualquier sentimiento negativo para poder abordarlo rápidamente. Siempre que alguien hable de tu marca, ¡asegúrate de darle las gracias! Ya sea una reseña positiva o simplemente una mención en las redes sociales , tómate el tiempo para mostrar tu agradecimiento.

Un poco de gratitud puede ser de gran ayuda para fidelizar a los clientes. Consejos para implementar una estrategia de marketing boca a boca exitosa para empresas emergentes - Las ventajas del marketing boca a boca para empresas emergentes.

Lane ascendió durante la década de y principios de la de , cuando apareció en más de 30 películas en alemán e inglés. Es extraño que nadie parezca recordarla ahora. El matrimonio de Eddie Fisher con Debbie Reynolds se vino abajo en , cuando su amigo cercano Mike Todd murió en un accidente aéreo.

Todd estaba casado con Elizabeth Taylor en ese momento. Fisher estuvo allí para ayudar a Taylor mientras ella estaba de duelo y finalmente comenzaron una aventura. El escándalo repercutió en Hollywood. En , Eddie Fisher dejó a su esposa y se casó con Taylor en Las Vegas, pocas horas después de su divorcio.

De hecho, la pareja se casó en la sinagoga de Las Vegas ¿Estaba Fisher siendo deliberadamente desafiante? Quizás fue su respuesta a todas las lenguas turbulentas. El divorcio fue devastador para Reynolds, ya que Taylor y ella habían sido buenas amigas durante años.

O eso creyó. Sammy Davis Jr. fue uno de los primeros artistas afroamericanos en Las Vegas en recibir el mismo trato. Antes de eso, estos establecimientos ni siquiera los acogían y les daban alojamiento fuera del hotel.

Davis Jr. pudo romper las divisiones de color en gran parte gracias a su amistad con Frank Sinatra y el Rat Pack. No era sólo un beneficio social, sino un punto de entrada a un mundo al que siempre había aspirado y que había eludido a tantos artistas negros.

Entrar fue la mitad de la batalla ganada. Su audiencia era enteramente blanca. Los clubes en los que actuaba todavía atendían a gente de color lejos del bar principal. Aquí aparece fotografiado con Clint Eastwood en en el Hotel Sands.

Elizabeth Taylor perdió a su anterior marido, Mile Todd, en un accidente aéreo. Acudió a su mejor amigo, Eddie Fisher, quien se convirtió en su hombro para llorar. Poco después estaban teniendo una aventura secreta. La pareja se casó, pero no sin antes provocar una tormenta en Hollywood y alienar a Debbie Reynolds, la esposa de Fisher y mejor amiga de Taylor.

Es seguro decir que muchos corazones fueron rotos en el camino. Incluso los suyos, ya que, lamentablemente, se divorciaron en Es sabido que la historia se repitió.

Se casó con Burton el mismo año en que se divorció de Fisher. Uno nunca sabía qué esperar en Las Vegas en la década de Esta es una imagen poco común de las chicas sin sus elaborados trajes e insignias. Joy Skylar izquierda y Florence Walters derecha parecen estar disfrutando de un tiempo de inactividad mientras practican un poco para un torneo especial de golf de coristas.

El torneo de contó con 14 coristas de siete hoteles turísticos diferentes en Las Vegas que compitieron en el Desert Inn Country Club. El Golden Nugget, en Freemont Street, era uno de los lugares más populares de la ciudad. Construida en por Guy MacAfee, ¡era la mejor y más grande casa de juego de la ciudad, sin excepción!

McAfee pronto se convirtió en el personaje más reconocido y temido de Las Vegas. Según trascendió, el hombre gastó más de 1 millón de dólares para abrir el casino Golden Nugget el 30 de agosto. Es más, McAfee un ex policía se ganó la reputación de hacer cualquier cosa con fines comerciales. El magnate inmobiliario Steve Wynn compró una participación en el Nugget.

Para era el principal accionista y el propietario de casinos más joven de la ciudad. Podríamos estar afirmando aquí lo obvio. Pero está claro que Las Vegas ha sido históricamente un lugar popular para fiestas de solteros.

Y esa tradición sigue vigente hasta el día de hoy. En esta foto podemos ver a un grupo de amigos en pleno fin de semana de solteros. Y el hotel en el que se alojaban. En concreto, estos chicos estaban celebrando la inminente boda de su amigo con una divertida partida de waterpolo en la piscina del hotel.

Sin embargo, decidieron darle un pequeño giro al juego, utilizando una pelota de playa gigante. Se alojaron en el famoso Hotel Flamingo. Estados Unidos en la posguerra era un lugar lleno de posibilidades y los viajes glamorosos ocupaban un lugar destacado en la lista de todos.

Los carteles y los anuncios impresos fueron populares desde finales del siglo XIX, pero realmente despegaron después de la guerra y hasta bien entrada la década de Las Vegas era un destino muy solicitado, donde el sol brillaba, los juegos de azar eran legales, el vino fluía libremente y las noches estaban destinadas a ser salvajes y libres.

Este póster de viaje vintage de los años 50 ofrece una ventana al atractivo de Las Vegas y al glamour que llegó a definir el turismo durante ese período.

Muchos de estos carteles, especialmente las obras del cartelista David Klein, ayudaron a crear el estilo de vida del jet set. El amor de Mickey Rooney por Las Vegas es bien conocido.

El artista dedicó la mayor parte de su vida al estilo de vida colorido y al exceso. Le encantaban las fiestas, los juegos de azar y el alcohol, todo lo cual eventualmente lo arruinaría.

También le encantaban las damas. Se casó con ocho personas a lo largo de su vida en capillas de Las Vegas , incluida Martha Vickers, que aparece aquí, muy disgustada por lo que está a punto de sucederle. Rooney nunca encontró un amor duradero y, para el final de su vida, su suerte se había acabado.

Quedó en quiebra. Pero cuando realizaba su acto característico bajo las brillantes luces de los escenarios de Las Vegas, era una leyenda.

Construido en , el Moulin Rouge fue el primer hotel y casino integrado en Las Vegas. Antes de eso, a los afroamericanos se les negaba la entrada a menos que fueran personal o artistas. El Moulin Rouge abrió sus puertas durante una lucha por los derechos civiles.

Los residentes negros de la ciudad buscaban igualdad de derechos para cenar y alojarse en hoteles del Strip, desafiando la segregación de la ciudad. Dirigido por el inversor Will Max Schwartz, el Moulin Rouge tenía al boxeador Joe Louis como portavoz y copropietario.

Rápidamente se convirtió en un centro para invitados blancos y negros, incluidas celebridades como Ella Fitzgerald y Frank Sinatra, ya que era el único lugar en Las Vegas, racialmente dividida, donde artistas de todas las razas podían socializar.

El Moulin Rouge allanó el camino para establecimientos más integrados en toda la ciudad e incluso en el país. Las Vegas saca a relucir la felicidad de todos, pero el actor Kim Novak lucía especialmente eufórico en el hotel Sands de Las Vegas.

La cámara capturó el momento exacto en que Novak gritó "¡Tú ganas! La apuesta ganadora fue el número cinco, que Craig hizo por teléfono. La columnista escuchó el grito emocionado de Novak por teléfono, mientras esperaba pacientemente mientras la rueda giraba. Sus ganancias sumaron la impresionante cantidad de dólares, los cuales fueron destinados en su totalidad a la Sociedad Nacional de Niños Lisiados.

Estados Unidos ha tenido una historia tumultuosa con el juego y los males sociales asociados con él. Hemos visto numerosos escándalos y fraudes de loterías a lo largo de los años. Pero las carreras de caballos y las apuestas en carreras se remontan a mucho tiempo atrás y en su mayoría siguen siendo legales en todo Estados Unidos.

Cada estado tiene sus propias regulaciones. Las apuestas en carreras de caballos siguieron siendo populares incluso cuando Nevada legalizó las apuestas deportivas en Era común encontrar gente acudiendo en masa a una de las casas de apuestas del Strip. Muchos disfrutaban de la antigua emoción de las apuestas en carreras de caballos, mientras que otros necesitaban un descanso de las pérdidas de las mesas de dados.

Noel Coward luce guapo y elegante con el desierto de Nevada de fondo. La imagen fue tomada en , cuando Coward llegó a Las Vegas para su primera aparición en un club nocturno estadounidense. Para entonces, la estrella británica se había hecho famosa. Era un verdadero caballero inglés: elocuente, bien vestido, generalmente visto con un cigarro en una mano y frases ingeniosas listas.

Coward era famoso por sus actos cómicos que incluían canciones y bromas encantadoras. También era conocido por obras como "Private Lives", "Blithe Spirit" y "Hay Fever".

No sorprende que el hombre tuviera legiones de admiradores y se ganara el apodo de "El Maestro". Aquí vemos jugadores en el casino The Mint en Probablemente lo hayas hecho. Este es el mismo casino que aparece en la novela de Hunter S.

Thompson de "Miedo y asco en Las Vegas". The Mint fue fundado por Milton Prell en Para entonces ya había trabajado en lugares como el Club Bingo, renovado más tarde como el Sahara. Prell no se quedó mucho tiempo.

Vendió todo a Del Webb y al año siguiente comenzaron a trabajar en un hotel de 22 pisos que debía costar cinco millones de dólares. Cuando fue terminado en , había crecido hasta los 25 pisos y era el segundo edificio más alto de Nevada, justo después de The Landmark. En la foto de arriba se ve a un montón de gente jugando a las máquinas tragamonedas en Mae West y Las Vegas eran una combinación natural.

Ella dijo: "Demasiado de algo bueno puede ser maravilloso", lo que fácilmente podría ser el lema tanto de su vida como del audaz patio de recreo en el desierto que es y siempre ha sido Las Vegas.

La actriz, dramaturga y cómica conocida por su estilo de humor obsceno hizo su debut en Las Vegas en el Hotel Sahara en Subió al escenario rodeada de las primeras versiones de los extravagantemente musculosos Chippendales.

Pero las razones de West para terminar en Las Vegas fueron mucho menos soñadas. Hollywood no pudo con ella. Se había hecho conocida en el cine durante la Gran Depresión, pero los censores de Hollywood intervinieron y básicamente acabaron con su carrera cinematográfica.

Si bien esta es un recuerdo lejano, logró forjar una carrera tremendamente exitosa en la escena de los clubes de Las Vegas. La historia de amor de Rita Hayworth y Dick Haymes fue un torbellino.

Se conocieron cuando él todavía estaba casado y su carrera como cantante se desvanecía. Cuando Hayworth entró en escena y asistió a sus actuaciones, su audiencia creció de repente. Los problemas económicos afectaron duramente a Haymes: sus numerosas ex esposas exigieron manutención de los hijos, lo que incluso dio lugar a órdenes de arresto.

Hayworth dio un paso al frente y pagó la mayoría de sus deudas. Pero Haymes no tenía ciudadanía estadounidense y los funcionarios habían estado observando su deportación a Argentina. Esperaba que Hayworth interviniera y así lo hizo.

En esta imagen, Hayworth firma su licencia de matrimonio horas después de que Haymes se divorciara de Nora Eddington Haymes. La pareja se casó el 24 de septiembre de en el Hotel Sands. Las celebraciones incluyeron una procesión por el casino. La mayor parte de lo que creemos saber sobre el Hotel Flamingo y Benjamin "Bugsy" Siegel proviene de la película "Bugsy" de La realidad fue bastante diferente, especialmente la noche de estreno del Flamingo en Olvídate de lo que pasó en la película, porque la noche del estreno fue importante.

Tuvieron una gran inauguración especial de tres noches. Primero, dos noches para los locales, luego una tercera noche para las celebridades. La noche del estreno fue salvaje: hubo un atasco en el estacionamiento y, cuando se abrieron las puertas, fue como una carrera por el Salvaje Oeste. La fiesta de apertura no se parecía a nada que Las Vegas hubiera visto.

Alfombras, cortinas y platos elegantes llenaban el lugar, así como camiones llenos de adornos florales: coronas, herraduras y cestas. Antes de su presidencia, John F. Kennedy visitaba con frecuencia el Hotel Sands, durante la década de Como amigo de Frank Sinatra, el eventual presidente número 35 aparecía a menudo en actuaciones en Las Vegas.

Ambos se conocieron cuando Sinatra cantó "The House I Live In" en un mitin demócrata. La canción ganó un Oscar especial en Sinatra y Kennedy comenzaron a verse con más frecuencia, a veces en la suite del hotel del joven senador o en la casa de Sinatra en Palm Springs.

Para entonces, el cantante ya era dueño de una parte del elegante casino Sands en Las Vegas. Aquí está Kennedy fotografiado con Peter Lawford, su cuñado, quien también era miembro del famoso Rat Pack. Tanto Sinatra como Kennedy tenían algo que el otro quería.

Cuando Kennedy aspiraba a la presidencia, el integrante del Rat Pack se convirtió en su animador. Annie Banks, conocida como "Tempest Storm", dominaba la escena del baile burlesco y actuaba habitualmente en los clubes de Las Vegas.

Incluso se ganó el título de "la reina de las bailarinas exóticas" durante su mejor momento. Nacida en Eastman, Georgia, en , se mudó a Hollywood y adoptó el nombre de Tempest Storm cuando cumplió 17 años. Pronto, consiguió algo impresionante: un contrato de 10 años con la cadena de burlesque Bryan-Engels, que le garantizaba Esto la convirtió en la estrella del burlesco mejor pagada de la historia.

En su vida personal, Storm estuvo vinculada sentimentalmente con nombres famosos como Elvis Presley, Mickey Rooney, Louis Armstrong, Sammy Davis Jr. e incluso el gángster Mickey Cohen. La carrera de Tempest Storm abarcó más de 60 años y también dejó su huella en la pantalla.

Recientemente, apareció en un documental que exploraba la fascinante historia de su vida. Los rodeos juveniles estaban de moda en aquel entonces. Todos querían ver a vaqueros diminutos mostrando sus talentos de rodeo con la misma energía que los profesionales.

Desde pequeños toros hasta veloces carreras de barriles, estos eventos eran una maravilla. Las familias y los lugareños se reunían para animar a estas jóvenes estrellas del rodeo, transmitiendo el espíritu vaquero. Esos rodeos juveniles de Las Vegas fueron el comienzo de un legado para los aspirantes a maestros del rodeo.

En , se estableció en Texas la American Junior Rodeo Association con un modelo similar al de la Pro Rodeo Cowboys Association. Cuando Wilbur Clark's Desert Inn abrió sus puertas por primera vez en , el letrero engañoso en el frente mostraba un árbol de Josué sin mucho más a su alrededor.

Pero por dentro era otra cosa. Artistas de renombre estuvieron allí para celebrar lo que se consideró "la inauguración más sorprendente que Las Vegas haya visto jamás". La noche de apertura contó con las actuaciones de Edgar Bergan, Charlie McCarthy, Mortimer Snerd, Vivian Blaine y la Ray Noble Orchestra.

El Desert Inn fue el quinto complejo construido en el Strip. Presentaba comodidades alucinantes como un campo de golf de 18 hoyos y una hermosa plataforma de observación con vistas a todas las piscinas. La sala de entretenimiento del hotel, el "Crystal Showroom", acogió a leyendas como Bobby Darin, Liberace y Howard Hughs.

No todos los hoteles de Las Vegas fueron un éxito automático. Algunos de ellos atravesaron épocas difíciles. Uno de ellos fue el Showboat Hotel, que abrió sus puertas en en el extremo norte de Boulder Strip. Fue construido por los incondicionales de Las Vegas William J.

Moore y J. Kell Houssels, los mismos chicos involucrados en la construcción del Last Frontier Hotel Casino y Las Vegas Club. Pero el Showboat pretendía ser diferente. Fue el primer lugar elegante justo en el corazón de la Ciudad del Pecado. El hotel pasó por algunos años difíciles hasta que se les ocurrió una oferta de desayuno súper barata que superó a los establecimientos de la competencia.

El desayuno atrajo a la multitud. Fue un éxito entre los residentes locales. Lamentablemente, fue demolido en A pesar de su éxito, comenzaron a surgir problemas en su amistad. Martin pensó que Lewis estaba siendo demasiado controlador con su trabajo. Consideró actuar solo.

Lewis realmente admiraba a Martin y se sentía herido por el hecho de que Martin quisiera irse. Terminaron sin hablarse más. Siguieron colaborando hasta El 25 de julio de , hicieron un último espectáculo juntos en Copacabana antes de separarse.

Arriba hay una imagen de cuando Martin y Lewis actuaron juntos para un programa de ABC. perdió su ojo izquierdo en un terrible accidente el 15 de noviembre de Había estado conduciendo toda la noche desde Las Vegas a Los Ángeles para una sesión de grabación. El accidente ocurrió alrededor de las 7 am cuando su auto chocó y su cara golpeó el volante de metal de su Cadillac verde lima.

En aquella época los coches no venían con cinturones de seguridad como los tenemos ahora. Terminó perdiendo el ojo debido al impacto y usó un ojo de vidrio por el resto de su vida. Después de la recuperación, volvió a los escenarios. Durante la apertura de su primera actuación, el artista se quitó el parche y reveló su ojo de cristal.

Luego continuó con normalidad con el espectáculo. Sugar Ray Robinson fue una leyenda del boxeo, campeón mundial de peso welter de a A pesar de ganar millones en el ring, el boxeador enfrentó problemas financieros a mediados de la década de Pero no dio marcha atrás y encontró una nueva vocación: el mundo del espectáculo.

Aquí vemos a Robinson con las futuras estrellas del boxeo Greg Genochio y Jimmy Gay. Aunque hizo un buen trabajo bailando, Robinson siempre será recordado por sus movimientos en el ring. Además de las fiestas en hoteles y casinos, Nevada también fue un lugar de pruebas para explosiones nucleares.

Por si lo olvidaste, ¡allí también había una base militar! La prueba que se muestra aquí se realizó el 5 de julio de y probó la explosión de un dispositivo de 75 kilotones desde un globo. De a , el gobierno de Estados Unidos llevó a cabo la friolera de 1.

El gobierno incluso instaló lugares especiales para probar cohetes nucleares y motores estatorreactores. Toda una historia de exploración científica junto a los placeres de Las Vegas. Cuando la carrera de Sinatra atravesaba un momento difícil y sólo los casinos administrados por la mafia estaban dispuestos a recibirlo, comenzó a actuar en Las Vegas.

La suerte de Sinatra cambió en , cuando consiguió un Oscar por su papel en "De aquí a la eternidad". Fue una victoria tanto para él como para Las Vegas. Cada vez que Sinatra subía al escenario de un hotel de Las Vegas, la multitud acudía en masa. Las Vegas se convertía en su patio de juegos.

Estuvo más involucrado de lo que se podría pensar, ya que poseía una participación del dos por ciento del hotel Sands. Era un propietario de un casino ideal, porque él mismo era un ávido jugador.

Aquí podemos verlo negociando baccarat en el Sands Casino en Después de múltiples desarrollos fallidos, el sitio propiedad de Charles Pop se vendió y Bugsy Siegel construyó el Flamingo Hotel and Casino en Siegel se sintió particularmente atraído por Las Vegas en gracias a su gran interés por los juegos de azar legalizados y las apuestas fuera de las pistas.

Compró el hotel El Cortez por Gracias a este dinero y a un poco de ayuda de sus amigos del crimen organizado, Siegel se hizo cargo del proyecto del Hotel Flamingo.

Fue el primer hotel de lujo de la zona y supuestamente recibió el nombre de la novia de Siegel, Virginia Hill, a quien apodaban "Flamingo".

Porque tenía el pelo llameante y unas piernas que supuestamente se extendían por kilómetros. Louis Prima, nativo de Luisiana, también conocido como "el rey del swing", era un artista popular en los salones de Las Vegas en los años El trompetista se mudó allí con su esposa, Keely Smith.

El éxito llegó a Prima durante la década de , cuando sacudió el escenario con un equipo de siete integrantes de Nueva Orleans. Ciertamente se adaptó a los tiempos. En la década de dirigió un combo de swing y para ya dirigía una big band en toda regla.

Pero aquí es donde la cosa se vuelve realmente interesante: en la década de , cambió su vibra de big band por una elegante banda lounge que iluminó las noches de Las Vegas.

El club en el que actuaba estaba constantemente lleno. Sinatra incluso invitó a Prima a actuar en la fiesta de inauguración de Kennedy. Las Vegas fue el hogar de muchas producciones cinematográficas icónicas, entre las que destaca la película de atracos "Ocean's Eleven".

El rodaje tuvo lugar en y estuvo protagonizada por Dean Martin, Frank Sinatra, Sammy Davis Jr. y Angie Dickinson. Y todavía más al oriente, al menos el a. existe un instrumento de siete cuerdas de la familia de la cítara llamado guqin. Los chinos lo llaman el «padre de la música china».

En el actual Irán, los primeros vestigios musicales echan raíces en la prehistoria. Los persas sostenían que su rey mitológico Jamshid, una suerte de versión iraní del Rey Arturo, había inventado la música. Las pruebas fehacientes que ofrece la arqueología, en todo caso, son de data bastante más reciente.

Estatuillas de terracota de principios del segundo milenio a. muestran a conjuntos de laudistas, y relieves en roca de periodos posteriores exhiben arpas de cuatro y nueve cuerdas, así como un tambor rectangular.

La canción más antigua conocida, de a. Se trata de un himno a Nikkal, la diosa semita de los huertos. La tablilla principal contiene, además, las instrucciones para el canto y el acompañamiento de una lira de nueve cuerdas. Otras traen incluso instrucciones para afinar las cuerdas, que permiten deducir que su escala era también diatónica.

Un equipo de Berkeley liderado por Anne Draffkorn Kilmer descifró el contenido del puñado de cuñas. Aunque no libre de controversias, el resultado se puede escuchar en Youtube y en Soundcloud. Si me preguntan, y que Nikkal me perdone, la describiría como «música de supermercado chino» a otra parroquiana la noté menos benevolente: «una tortuga tocando timbales».

En torno al a. A los griegos recae el mérito de acuñar la palabra «música», o «arte de las musas» como museo es a su vez «la casa de las musas», el Museo de la Música de Barcelona resulta en el cacofónico «casa de las musas del arte de las musas de Barcelona[21]».

Desarrollaron un sistema de notación completo desde al menos el siglo VI a. Varias canciones completas de la antigua Grecia, incluyendo las que acompañaban obras de Eurípides y de Sófocles, se preservan hasta hoy. La evidencia muestra que los griegos ya manejaban el concepto de armonía; es decir, el uso simultáneo de varios tonos.

Durante la segunda mitad del siglo VI a. Los instruía hablando detrás de una cortina a objeto de no ensuciar sus percepciones auditivas con las visuales o quizás sufría de acné, nunca lo sabremos a ciencia cierta.

Su radio de acción era mucho más amplio que teoremas sobre triángulos rectángulos. Entre otras peculiaridades, practicaban la abstinencia sexual y el vegetarianismo —hasta el www. Veían las matemáticas como la piedra angular del Universo. En palabras de Aristóteles, «les parecía que toda la naturaleza estaba por lo demás hecha a imagen de los números» en palabras del menos insigne Joaquín Barañao, unos obsesos monotemáticos.

De acuerdo a Pappus de Alejandría, el pobre Hipaso de Metaponto murió ahogado solo por revelar fuera del círculo pitagórico la existencia de los números irracionales[22].

Vaya uno a saber qué connotación política adjudicaron estos fanáticos a la raíz cuadrada de dos. Otros cronistas mencionan que su crimen fue destapar la fórmula para construir un dodecaedro dentro de una esfera, tampoco algo que suene demasiado sedicioso. La música, por supuesto, no escapó a sus pezuñas numerocéntricas.

De acuerdo al Harvard Dictionary of Music, «se dice que Pitágoras descubrió las leyes básicas de la música escuchando el sonido de cuatro martillos de herrero». Como sea, identificó tres tipos: instrumental, humana y celestial. La celestial, a la manera de las ideas posteriores de Platón, existe por ahí en algún rincón del firmamento y es la que tratamos de imitar, la fuente de las armonías divinas.

A su modo de ver, la única explicación posible para que los planetas no se vinieran abajo es que giraban en esferas concéntricas de cristal, y cada uno producía un tono único al pasar silbando por el éter cósmico.

Se le atribuyen varios logros a Pitágoras, algunos más verosímiles que otros. El historiador del siglo VI Boecio se preguntaba si acaso «¿hay alguien que no conozca la historia del joven de Taormina quien, borracho y excitado por el sonido del modo hipofrigio, fue calmado por Pitágoras quien lo trajo a sus sentidos cambiando la música a un espondeo?

De acuerdo a la tradición, Pitágoras descubrió que la frecuencia a la que vibra una cuerda de determinadas características es inversamente proporcional a su largo. Es el principio detrás de las posiciones de los dedos en una guitarra, que acortan la longitud original de vibración de las cuerdas y con ello obtienen la frecuencia de cada nota.

Si usted es de esas personas para quienes la música es pura pasión y sentimiento, y las ideas de la neurociencia del capítulo anterior le vinieron a estropear la fiesta, sírvase de omitir la oración que viene a continuación. O al menos, léala con un vaso de agua en la mano: para los pitagóricos, la relación de las frecuencias entre dos notas debía ser igual a una potencia de dos dividida por una potencia de tres, o viceversa.

Aunque para ellos los calificativos de «bajo» o «alto» era el inverso: las cuerdas más largas y graves de sus instrumentos de cuerda se posicionaban arriba, hacia Zeus, y eran los sonidos «altos».

Si lo agudo o grave de un sonido solo depende de la frecuencia de las ondas de presión del aire. La respuesta es sorprendentemente compleja. Y fascinante.

Los objetos del mundo real, ya sea un violín Stradivarius de millones de dólares o un silbato plástico adosado a un chaleco salvavidas, no se conforman con emitir solo la nota que demandamos de ellos.

Vibran en varias frecuencias al mismo tiempo. Lo que nosotros registramos como frecuencia del sonido es la más baja, llamada frecuencia fundamental. Pero lo sorprendente viene ahora: como si obedeciera a una arcana receta cósmica, los sobretonos son múltiplos enteros de la frecuencia fundamental.

Por ejemplo, al soplar una flauta para lograr Hz, los sobretonos serán de x2 , x3 , x4 Hz, etcétera. La amplitud de cada uno o cuán «fuerte» suena, lo que sus parlantes llaman «volumen» dependerá del objeto en cuestión que está vibrando.

Es el patrón de amplitudes que adquieren las otras frecuencias, llamadas sobretonos, lo que hace que el Stradivarius y el silbato suenen de un modo tan diferente al interpretar la misma nota.

Este atributo en música se llama timbre, y es lo que explica que las orquestas sean tan variopintas y por tanto los boletos tan caros y que usted sea capaz de distinguir la voz de su madre de entre las de otras miles de mujeres de similar frecuencia. Es decir, los mismos intervalos de las armonías que a los homo sapiens nos parecen placenteras.

En nuestra escala diatónica, cada octava de siete notas do-re-mi-fa-sol-la-si es dividida en doce segmentos equivalentes llamados «semitonos» más sobre esto luego.

Así, ejemplos de intervalos placenteros son cinco semitonos entre dos notas cualesquiera —que los griegos llamaron «cuarta justa»— o siete semitonos entre dos notas cualesquiera —que llamaron «quinta justa»—, dos pilares de la música durante al menos cinco mil años.

Esta relación con el habla sugiere una base biológica para nuestra obsesión por la música. Pero lo realmente sorprendente viene ahora: el cerebro humano está tan habituado al patrón de números enteros que si artificialmente se quita la frecuencia fundamental y se deja solo los sobretonos, mentalmente reconstruye lo que falta.

De hecho oímos el sonido a Hz, aun cuando en el aire no hay onda alguna viajando con esa frecuencia[23]. Este autoengaño se conoce como la «Restauración del Fundamental Faltante». No hay montaje cerebral alguno que escape a los emprendedores avezados. Una empresa israelita llamada Waves Audio produce pequeños subwoofers parlantes diseñados para los sonidos más graves que nos hacen creer que producen un sonido increíblemente bajo, sin poseer las propiedades físicas necesarias para ello, www.

Pero lo real, realmente sorprendente viene ahora. El biólogo Petr Janata expuso a un búho a una variante alterada del Danubio Azul de Strauss, del que se habían removido las frecuencias fundamentales: Si los fundamentales faltantes eran restaurados en niveles tempranos del proceso auditivo, las neuronas del colículo inferior debían disparar con la frecuencia del fundamental faltante.

Esto es exactamente lo que se encontró. Petr envió el resultado de estos electrodos a un pequeño amplificador y emitió de vuelta el sonido de las neuronas a través de un parlante.

Lo que oyó fue asombroso; la melodía del Vals del Danubio Azul cantada claramente por los parlantes: ba da da da da, deet deet, deet deet[25]. La mollera recurre a las tablas de multiplicar para engañarnos con sonidos que ni siquiera existen en el mundo físico. Pero el búho de Janata muestra que para ello ni siquiera hace falta haber sido criado en un entorno humano, rodeado de fagots y violoncelos.

Volvamos ahora a los griegos, quienes nada sabían de subwoofers ni búhos reproduciendo el Danubio Azul, pero que sí sabían distinguir el timbre de una lira del de la pitonisa de la esquina.

Es sintomático de la importancia que esta sociedad le adjudicaba al arte de las musas que el trío dorado de filósofos griegos la ensalzara en sus enseñanzas. Platón cita a su maestro Sócrates al consignar que «el entrenamiento musical es más potente que cualquier otro, porque el ritmo y la armonía encuentran su camino en los espacios interiores del alma».

El propio Platón aseguraba que, si le dejaban hacer las canciones de una nación, «no me preocuparé de quién haga sus leyes». Llamativa la noción de que con unas cuantas tonadas bien diseñadas podríamos delegar el poder legislativo a un hato de interdictos.

Añadía que: La música es una ley moral; confiere alma al Universo, alas al pensamiento, vuelo a la imaginación, encanto a la tristeza, alegría y vida a cada cosa.

Es la esencia del orden que ella restablece y eleva hacia todo lo que es bueno, justo y bello y, aunque invisible, es la forma deslumbradora, apasionante, eterna de todo ello. Espero que ello compense el mal rato de los áridos algoritmos pitagóricos.

Aristóteles, el discípulo más connotado de Platón, se refirió en extenso al tema. En uno de sus libros, describe las técnicas musicales de la época, indicando la existencia de polifonías, o la ejecución de varias melodías en simultáneo. Para él la música tiene el poder de formar el carácter, y debe ser parte importante de la formación de los jóvenes: Representa directamente las pasiones del alma, por lo que cuando uno escucha música innoble que imita una cierta pasión, uno se imbuye de la misma pasión; y si durante un largo periodo de tiempo uno escucha ese tipo de música que despierta pasiones innobles, todo el carácter adquirirá una forma innoble.

En pocas palabras, si uno escucha el tipo de música mala, uno se volverá un tipo de persona mala. Estas consideraciones excelsas venían acompañadas de otras más mundanas. Por alguna razón consideraba que la flauta «no es un instrumento moral, sino más bien uno que inflama las pasiones» y que «nuestros antepasados muy apropiadamente prohibieron su uso para los jóvenes y hombres libres[26]» y eso que Aristóteles se libró del estruendo de las vuvuzelas.

Discípulo de Aristóteles y por lo tanto bisnieto intelectual de Sócrates fue el peripatético Aristóxeno, autor del tratado sistemático de música más antiguo que se conserva: los Elementos Armónicos, donde se expone el estudio de los intervalos, de los tetracordios cuartetos de notas secuenciales y de las tonalidades.

Al paso, refutó el método estrictamente aritmético de los pitagóricos para la definición de intervalos. Roma hizo con la música lo de siempre: plagio adaptativo.

Ejecutaban piezas en funerales, así como en los sacrificios para mantener a raya a los malos espíritus. En el tercer siglo a. Más familiar nos es su expresión en los espectáculos masivos. La música romana hacía más llevadera esas tardes en el Coliseo, donde los ciudadanos del Imperio pasaban largas horas parrillando alegremente en las graderías mientras el gladiador de turno era destripado algunos metros más abajo.

La carnicería solía ser acompañada por un complejo artefacto inventado en Alejandría llamado hydraulis, u órgano hidráulico, que operaba en base a un sistema de recipientes llenos de agua que mantenían constante la presión de aire.

Fue el primer instrumento de teclado. Desarrollaron también el pantomimus del griego «el que todo imita» , un precursor del ballet, pero acompañado de diálogos. Poca cosa más que esclavos, aunque en rigor hombres libres. Pese a ello, las superestrellas podían alcanzar renombre y riqueza.

Las competencias eran habituales, y en una ocasión el propio Nerón acudió a la entonces provincia romana de Grecia a mostrar sus dotes. Ello pudo influenciar aquella injuriosa crónica que lo retrataba tocando la lira mientras Roma ardía en el gran incendio del año En los años tardíos del Imperio, la influencia cristiana se dejó sentir con fuerza.

Los padres de la Iglesia tachaban de paganos a los feligreses que incorporaban danza y música en sus prácticas de culto. La música en la Biblia www. De acuerdo al Génesis, el tátara-tátara-tátara-tátara nieto de Adán, un caballero llamado Jubal, fue el padre de todos los que tocan la cítara y la flauta.

Varios milenios y diluvios universales más tarde, los israelitas cantaron tras el cruce del Mar Rojo como Dios «desatas tu furor y devoras [a los enemigos] como paja», mientras la hermana de Moisés animaba la acción tocando el pandero. Una generación más tarde, el Antiguo Testamento nos cuenta que Josué, el sucesor de Moisés al comando del pueblo israelita, lideró la destrucción de los muros de Jericó soplando siete trompetas.

Lección de humildad para las sopranos que se creían gran cosa quebrando copas. En el periodo dorado del pueblo de Israel, durante el siglo X a. Las escrituras adjudican a David la autoría de 73 de los salmos, que con el tiempo pasarían a conformar parte importante del arsenal musical litúrgico.

Con aún bajos niveles de alfabetización, resultaba por lo demás un conveniente método mnemotécnico. En jerga contemporánea, diríamos que David llevaba el ritmo en la sangre. O, en términos de Chayanne, «baila que ritmo te sobra, baila que bailame».

Durante el traslado del arca de la alianza a Jerusalén, nos cuenta la Biblia: … danzaba con todas sus fuerzas, y tanto él como todos los israelitas llevaban el arca del Señor entre gritos de alegría y toque de trompetas.

Como se ve, al menos hace tres milenios que venimos escuchando remilgos de ciertas esposas aguafiestas ante la sana diversión de sus maridos. Y eso que David había arriesgado el pellejo para obtener los prepucios de filisteos que su suegro Saúl exigió por su mano[27].

Linda la forma de expresar gratitud de la tal Mical. Bajo el comando de Salomón, sucesor de David, la corte ostentaba cantantes profesionales. La música era cultivada en forma sistemática y de esos años data la primera escuela de la materia sobre la que tenemos noticia.

El historiador clásico Flavio Josefo nos informa que Salomón se jactaba de una banda de cantantes, trompetistas, 40 arpistas y 40 intérpretes de sistro. El sistro era una especie de maraca, pero provista de todo el glamour histórico que concede aparecer en la Biblia. No es mi intención dudar de la imparcialidad de don Flavio a causa de su origen judío, pero los demógrafos contemporáneos McEvedy y Jones estiman que la población de todo Palestina en esa época sumaba unas www.

De acuerdo a la tradición aunque la arqueología sugiere otra cosa estos salomónicos años conforman también el periodo de composición del Cantar de los Cantares.

Se trata en esencia de una compilación de poesía erótica, tan subida de tono que durante un periodo de la Edad Media se prohibió su lectura para menores de 30 años «para que no lo interpreten como una malvada carnalidad». Y esto en un contexto en que la esperanza de vida al nacer rondaba los 35 años para los hombres y 25 para las mujeres.

San Bernardo desaconsejaba la lectura del Cantar para quienes recién abrazaban la vida monástica[28]. Curiosa censura de un trozo de la Biblia para quienes acaban de consagrar su vida a sus enseñanzas. Tales temores se sustentaban en versos como aquel en que el hombre halaga a su amada sin tapujos anatómicos: «Tu vulva es un cántaro, donde no falta el vino aromático[29]» otras líneas utilizan piropos de corte menos contemporáneo: «Tus dientes, como un rebaño de ovejas esquiladas que acaban de bañarse».

El primer libro de Crónicas relata cómo los miembros de un ejército de músicos profetizaban acompañados de cítaras, salterios y címbalos. Nada menos que personas, distribuidos en 24 grupos corales, que tomaban parte en 21 servicios semanales.

En esa época, hasta los más pobres debían contratar a dos flautistas para el funeral de su mujer. Pero los felices años musicales del Reino de Israel se acabaron en el a. En el cautiverio, colgaron las arpas y se negaron a usarlas.

La mayor parte de los salmos y la práctica de la antífona, o la respuesta de la feligresía al cantor que aún se practica en las iglesias cristianas, del griego para «anti-voz» son del periodo de retorno a Jerusalén y el Segundo Templo. En esos años, se requería nada menos que cinco años de formación musical para formar parte del coro, conformado solo por hombres de entre 30 y 50 años, además de un bonus track de hijos de levitas para «añadir dulzura a la canción».

Paradójicamente, y pese a la visión nostálgica del pueblo de Israel por los buenos años musicales de Salomón, tras la segunda destrucción del templo —esta vez a cargo de la aplanadora romana en el 70 d. El Arco de Tito, edificado para conmemorar esta gesta militar y aún en pie en pleno Roma, muestra trompetas de plata, probablemente parte del botín del saqueo de Jerusalén.

El golpe dio curso a la diáspora israelita, y el arte se perdió. En el Nuevo Testamento las referencias musicales son más escasas. Una de las más notables se encuentra en una carta de San Pablo a los Efesios, en la que los exhorta a entonar salmos y canciones espirituales.

Rómulo, al igual que el rey legendario que la vio nacer. El hito marca el inicio de la Edad Media. El mapa europeo se transformó en un popurrí de entidades políticas, en cuyo contexto la Iglesia surgió como el gran elemento unificador.

La parte del león de la composición se la llevaron los monasterios. Las normas eclesiásticas pisaban tan fuerte que se admitían nada más que tres intervalos de los doce posibles: solo se podrían ejecutar al mismo tiempo las notas separadas entre sí por cinco, siete o doce semitonos.

El intervalo de seis semitonos se prohibió entre los siglos IV y XVI. Era considerado tan disonante que no podía si no ser obra de Lucifer, y lo llamaban diabolus in musica. Daniel Levitin relata que más adelante se llegó a prohibir las polifonías, temiendo que pudieran sembrar dudas sobre la unidad de Dios[30].

El legado pagano de griegos y romanos hacía fruncir el ceño a los monjes, con lo que el sistema de notación ideado en Grecia diez siglos antes cayó en el olvido. Hasta aproximadamente el siglo X no se aceptaban los instrumentos, y luego el órgano solía ser el único que se toleraba.

No todos miraban de la misma forma a los griegos. A principios del siglo VI, el romano Boecio escribió un voluminoso tratado sobre música, en el que entre otras cosas recicló la triple división pitagórica: clasificaba la música en aquella sobre el orden y armonía del Universo, aquella sobre el orden y la armonía humana, y por último la musica instrumentalis, que es la que nosotros entendemos propiamente por música.

Boecio explicó también los modos griegos. En música, un modo es una serie de reglas que determina dónde una melodía debe comenzar y terminar, y que establece una suerte de jerarquía que dicta la importancia de cada nota en relación a otra.

Este combo de reglas prefabricadas para la creación persistió por siglos en la música sagrada. Aunque los indicios de riqueza musical abundan, el único repertorio que sobrevive de los primeros siglos del Medioevo es el llamado «canto llano», la música vocal que se usaba en la liturgia.

Se trataba de composiciones monofónicas, o de una sola melodía a la vez, generalmente a capella. De hecho, la propia expresión a capella viene del italiano «como en la capilla» y nace precisamente de esta costumbre.

Las regiones cristianas desarrollaron sus propias versiones de canto llano para sus propias celebraciones, adaptadas a sus costumbres y reglas litúrgicas.

En la península ibérica, por ejemplo, la influencia del norte de África y de las comunidades judías dio pie al canto mozárabe, el que sobrevivió incluso a un buen tiempo bajo el dominio www. La variedad más conocida de canto llano es el canto gregoriano, así llamada por Gregorio I, o San Gregorio Magno, un papa del siglo VI tan querido que tan pronto murió fue canonizado por aclamación de la feligresía.

A él se le atribuye la estandarización del estilo. La tradición relata que Dios bajó de los cielos bajo la forma de una paloma, se posó en su hombro y le dictó los tonos. La primera aseveración de la autoría de Gregorio, en todo caso, data de casi tres siglos después de su muerte y es probable que, si hoy hablamos de canto gregoriano, sea más por el aura cuasimitológica que este pontífice inspiró en épocas posteriores que por su genuino aporte.

La mayor parte de las composiciones posiblemente se originaron entre su muerte en el y el llamado renacimiento carolingio de fines del siglo VIII, como síntesis del repertorio litúrgico romano y galicano de Francia.

Con el tiempo, una gigantesca colección de canto gregoriano se compiló en un libro llamado Antifonario, que se atesoraba en la Basílica de San Pedro adosado al altar con una presuntuosa cadena de oro.

Hasta que alguien lo robó, cadena y todo. Aunque ya no resuene como antaño, el canto gregoriano ha logrado sobrevivir hasta nuestros días, y se sigue ejecutando por aquí y por allá en uno que otro monasterio del siglo XXI. Un improbable cultor contemporáneo, por ejemplo, fue Víctor Jara. Y es que, antes de enarbolar la causa comunista, el cantautor e impulsor de la corriente conocida como La Nueva Canción Chilena estudió en el seminario para convertirse en sacerdote de la Congregación del Santísimo Redentor[31].

Con los carolingios, las artes revivieron y la alfabetización recuperó parte del terreno perdido desde la caída de Roma, pero el desmedido peso específico del culto operaba en desmedro de las expresiones de música popular.

Luis el Piadoso, hijo y sucesor de Carlomagno, destruyó la colección de canciones profanas acopiadas por su padre. Alcuino de York, algo así como el centrodelantero de este renacimiento y «el más sabio que se podía encontrar» de acuerdo al biógrafo de Carlomagno, da algunas luces del porqué de la animadversión.

A un discípulo que se aprontaba a visitar Italia le escribía que: Es mejor complacer a Dios que a payasos, cuidar de los pobres en lugar de los mimos. Al abad de Corbie le comentaba: Temo que Homero estará molesto ante el estatuto que prohíbe espectáculos y ficciones diabólicas, todas las cuales las Santas Escrituras prohíben, tal y como entiendo a San Agustín quien dijo: «un hombre que presenta en su casa payasos, mimos o bailarines no sabe qué tumultos seguirán debido a sus espíritus impíos».

Durante el siglo IX, la Iglesia intentó unificar las distintas tradiciones musicales, lo que en la práctica condujo a la supresión de muchas de ellas y al reemplazo por sus www. En el mismo siglo, algunos monasterios comenzaron a experimentar con un tipo de polifonía primitiva llamada órganum.

Se repetía una misma melodía en paralelo, pero a cierta distancia, normalmente siete semitonos más aguda. El antecedente embrionario de la concepción moderna de la armonía.

Durante medio milenio, la transmisión del patrimonio auditivo había descansado en la frágil memoria oral, pero fue también durante el movido siglo noveno que la notación musical comenzó a resurgir de las cenizas.

Más que para suplantar la tradición oral, partió como una simple ayuda memoria. Con ello, en forma paulatina los autores fueron dejando el anonimato, a medida que las firmas de los autores asomaban en esas protopartituras. Decimos que «comenzó a resurgir» porque le iba a tomar aún muchos siglos alcanzar la precisión que hoy acostumbramos.

Lo que brotaba en los cantorales era la notación neumática una corrupción de la palabra griega para «respiración» , pero que solo indicaba el número de notas y si ascendían o descendían respecto a la anterior.

No había forma de mostrar la nota de partida, la frecuencia absoluta o el ritmo. Se escribía en «campo abierto», sin nada parecido a nuestro pentagrama que proveyese referencia de escala.

Desde principios del siglo XI, símbolos gráficos llamados neumas se mostraban a distancias variables del texto, para señalar la melodía. Ahora al menos se conocía la altura relativa entre un neuma y otro, aunque aún no la absoluta. Empleó luego las primeras sílabas para leer música.

Su valor era relativo: podían ser aplicadas a cualquier nota, dependiendo del contexto. Guido era de la opinión que los cantantes necesitaban de este soporte pedagógico, pues eran «los hombres más estúpidos de nuestro tiempo». Pero ¿Y esa «UT»? Unos años más tarde, los europeos decidieron que a la hora de solfear ese sonido resultaba algo empalagoso para la lengua, y Giovanni Battista Doni la reemplazó, siguiendo la tradición de las sílabas iniciales.

Pero esta vez, con un toque de vanidad, por el Do que marcaba el comienzo de su propio apellido[33]. Tomaría otros dos siglos añadir la quinta, dando origen al pentagrama. A modo de última mención a los sucesos musicales del siglo XI, tenemos la conquista de la localidad italiana de Taranto en a manos de los normandos comandados por Robert Guiscard.

Todo bien en el plano militar. El problema estuvo en el aracnológico. El ejército no se libró del tormento que eran las picadas de tarántulas, así llamadas por la ciudad. De acuerdo a los nativos, la única cura era un baile frenético: la tarantela[34]. A partir del siglo XII, prosperaron numerosas escuelas de polifonías.

Un caso singular es la de Santiago de Compostela, el destino final de cientos de peregrinos de los más diversos rincones de Europa. El continuo flujo de caminantes transformó a la ciudad.

Además de epicentro mundial de ampollas en los pies, se convirtió en un centro continental de expresiones culturales. Parte de esto se recoge en el Codex Calixtinus, un texto del siglo XII así llamado porque originalmente se atribuía al Papa Calixto II, pero que hoy se adjudica a un monje francés de nombre Aymeric Picaud.

Ganó renombre como «la primera guía de viajes», una suerte de Lonely Planet medieval que incluye advertencias sobre alojamiento «los vascos cobran en exceso por el albergue» , agua en el Río Salado todos los días hay dos oportunistas «sentados en sus bancos y afilando sus cuchillos» para hacerse de los burros que allí aparecen , costumbres locales «si vieras a los navarros comiendo, pensarías que se trata de perros» y peculiaridades del folklore local «los navarros también hacen uso de los animales para fornicaciones incestuosas.

Se dice que los navarros fijan un candado detrás de su mula o caballo, de modo que nadie más que él tenga acceso a estos» [35]. Pero no fue solo por sus convenientes consejos sobre las costumbres sexuales de los aldeanos que el Codex adquirió fama.

Contiene además ejemplos tempranos de polifonías, incluyendo la famosa Congaudeant catholici Regocijémonos juntos todos los católicos , si bien famosa por la razón equivocada.

Se consideró por años la primera composición conocida para tres voces, pero al ejecutarla de ese modo exhibe tal disonancia que o bien nuestros antepasados tenían el gusto en las patas como, de hecho, es el caso de las mariposas[36] o bien incurrimos en un problema de interpretación.

Hoy está bastante claro que se trata de lo segundo. Otras escuelas polifónicas importantes tomaron cuerpo. Por ejemplo, en la abadía benedictina de San Marcial en Francia durante la primera mitad del siglo XII. Pero sobre todo en Notre Dame de París, el centro de la acción durante el siglo XIII, que veía desplegar sus creaciones en la catedral misma.

Allí los hombres fuertes eran Leonin y Perotin. El historiador de la música David Barber narra que: www. Para algunas personas, esta es una decisión trascendental. Dos musicólogos franceses, llamados Beck y Aubry, fueron tan lejos como para pelear un duelo de espadas sobre el asunto en [37].

Durante el siglo XIII, el grueso de las obras eran cantus firmus, o melodías que se utilizaban como base de las polifonías.

De ahí nace la necesidad de contar con una voz principal que «sostuviera» la estructura general; o en latín tenere, de donde deriva nuestro «tenor». A la segunda voz se la llamó contratenor, y a la «más alta» superius, latín para «arriba», de donde tomamos soprano.

La alta Edad Media se le adelantó también varios siglos a Broadway. Como la Iglesia prohibía asistir a los licenciosos espectáculos paganos, el drama litúrgico adoptó la forma de una edificante adaptación pía. En ocasiones, a cargo de compañías itinerantes cuya historia no está bien documentada.

En un comienzo, eran solo representaciones de los evangelios, en prosa latina, pero con el tiempo el verso y las lenguas vernáculas se hicieron un espacio. Estos espectáculos despertaban pasiones. Cuenta Emil Naumann, historiador de la música del siglo XIX, sobre una representación realizada en en Eisenach de la parábola del evangelio acerca de las vírgenes prudentes y las insensatas: Parece haber creado un gran jaleo en aquel entonces.

Cuando se llegó a la escena donde la Virgen María suplica con su Hijo y es reprendida por Cristo, el margrave de Turingia, Federico el Alegre, excitadamente se levantó y, volviéndose hacia la audiencia, exclamó en apasionados tonos, «¿Qué será ahora de la fe cristiana, y a quién recurriremos en esperanza si la intercesión de la Madre de Dios y de los venerados santos fue en vano?

Luego el margrave dejó apresuradamente la obra y se apresuró de vuelta a su castillo, el Wartburg. Allí su ira continuó, induciéndolo a tal estado de febrilidad mental que le produjo un rapto de apoplejía, que terminó cinco días después del incidente en su muerte[38]. En torno a , un francés llamado Juan de Garlandia escribió un tratado llamado De mensurabili música, que puso por escrito una innovación conocida como «modos rítmicos».

Por primera vez desde la antigua Grecia, el sistema de notación contaba con símbolos de duración determinada. La dificultad radicaba en que dicho lapso solo podía ser deducido por el contexto.

Hacia , un alemán llamado Franco de Colonia dio otro paso esencial al publicar un documento titulado Ars cantus mensurabilis. En su sistema de notación, las notas tienen diferentes formas, cada una con distinto significado rítmico, dotándolas de duración absoluta.

La música secular había comenzado gradualmente su entrada en escena. Ya desde el siglo X que los goliardos, músicos-poetas itinerantes, regaban el paisaje. Aunque muchos eran clérigos vagabundos que cantaban en latín, otros tantos se inclinaban por opciones más prosaicas, pícaras, y hasta vulgares.

La obra más conocida son los 24 versos de Carmina Burana, que Carl Orff musicalizó en , escrita por estudiantes religiosos que satirizaban a la Iglesia y ensalzaban el trago y el buen sexo. A partir de fines del siglo XI, los trovadores continuaron la tradición de los goliardos.

Se trataba de hombres que, en palabras de Dante Alighieri, se dedicaban a la «ficción retórica, música y poética» mediante composiciones monofónicas digo hombres porque la mujer abocada a esos quehaceres se llamaba «trobairitz».

La corriente nació en Occitania, al sur de Francia, y se extendió luego por el noroeste del Mediterráneo, y al norte de Francia con el nombre de Trouvère. Solía tratarse de solistas, con un simple acompañamiento de laúd. Sus temas favoritos solían ser historias de caballería y culebrones cortesanos, en lengua vernácula a diferencia del latín que emanaba de las iglesias.

Las estrofas solían versar en torno a amores imposibles; de otro modo, corrían el riesgo de ser expulsados del sindicato de trovadores y trobairitz. Entre y tuvo lugar la cruzada albigense en Occitania, el centro neurálgico de la escena trovadoresca.

El objetivo era aplastar una facción ascética cristiana que, entre otras peculiaridades, se negaba a comer cualquier cosa que fuese producto del coito, pero que sí admitía pescados por estimarlos frutos espontáneos del mar[40].

Los trovadores sobrevivientes se repartieron en las regiones aledañas. España y Portugal se contaron entre los beneficiados de esta diáspora musical, y es en parte allí que las cantigas echan raíces.

Las más conocidas son las obras que conforman las Cantigas de Santa María, cada una de las cuales honra a la Virgen. Una suerte de versión medieval de la cumbia La Medallita y su «preciosa virgencita», reeditada en años recientes por Chico Trujillo.

En Alemania, el arte de los trovadores se hizo también un espacio bajo el nombre de Minnesang, o «los cantantes del amor». Una expresión bastante menos festiva era el Geisslerlieder, la música de las bandas de flagelantes que recorrían Europa.

La primera oleada ocurrió en , como respuesta al caos generalizado que reinaba en el norte de Italia. La segunda, y responsable de los exponentes mejor conservados, tuvo lugar durante la histeria colectiva de que desató aquella colosal catástrofe conocida como Peste Negra.

No obstante la atmósfera fúnebre de su génesis, dio pie a una de las primeras colecciones de música folklórica. A fines del siglo XIII, surgieron varias nuevas expresiones de música sacra. Los www. En el caso del discanto, mientras un intérprete entona un canto llano, otro ofrece una voz suplementaria, en ocasiones improvisada.

Pero la variante más importante es el motete del francés mot, palabra , el continuador natural del conductus. En palabras de un teórico de la época, un género «no destinado al vulgar que no entiende sus puntos más finos». Se trataba de una composición vocal polifónica, basada en melodías litúrgicas preexistentes.

Algunos motetes conocidos son los que componen parte de Roman de Fauvel, una sátira de la Iglesia y la sociedad. En ella, un ambicioso burro, insatisfecho con su vida de establo, decide escalar posiciones y es nombrado señor de la casa.

Hasta el Papa peregrina para adularlo y rendirle homenaje. La corriente estelar del siglo XIV es la ars nova, o «nueva técnica», el título de un tratado escrito en la década de por Philippe de Vitry.

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De acuerdo a Pinker: Comparado con el lenguaje, la visión, el razonamiento social y el conocimiento del mundo físico, la música podría desvanecerse de nuestra especie y el resto de nuestro estilo de vida permanecería prácticamente intacto.

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La evidencia arqueológica es exigua, pero se sabe que a partir del a. existía música organizada en los templos de Sumeria y de Babilonia, ambos en Mesopotamia. La misma región se jacta además del instrumento de cuerdas más antiguo que se conserva: las liras de Ur, que datan de cerca del a.

tristemente, la más preciada de estas piezas, el Arpa Dorada, fue una de las bajas de los saqueos ocurridos durante la Guerra de Irak de De cerca del a. es una tablilla de arcilla de escritura cuneiforme encontrada en Nippur, Iraq, que contiene instrucciones para ejecutar música. De ellas se deduce que, al igual que la mayor parte de la música occidental contemporánea, empleaban escala diatónica, en que la octava se divide en siete tonos.

Aclarar el concepto de «octava» es central para poder seguir hablando de música. Corresponde a aquel intervalo en que la frecuencia del sonido más agudo es el doble que el del más grave.

Su nombre se explica porque tal duplicación se cumple a la «octava nota» desde que se inicia una secuencia ordenada. Por ejemplo, el do en mayúsculas en do-re-mi-fa-sol-la-si-DO es la 8. º nota de la secuencia, y su frecuencia es el doble que en el primer do.

Un piano bien afinado tendrá la cuerda de su la central vibrando a exactamente Hz el estándar de referencia para afinar, de ahí el nombre de Juan Luis Guerra y los , mientras que la del la ubicado ocho teclas a la izquierda lo hará a Hz, y la del la localizado ocho teclas a la derecha oscilará a www.

A primera vista, parece una tremenda casualidad que culturas tan dispares converjan al mismo sistema de octavas para ordenar sus escalas. Casi tan tremenda como cuando Geddy Lee, el vocalista de Rush, realizaba un viaje en bicicleta por las montañas de Marruecos junto a su esposa, y se hospedó en un hotel de solo dos habitaciones.

Mientras giraba la llave, advirtió que su único vecino, unos metros más allá, era no otro que Robert Plant, vocalista de Led Zeppelin.

Pero la división en octavas no es una coincidencia. Es un rasgo profundamente arraigado en nuestra biología que percibamos como «similares» notas separadas por frecuencias que son múltiplos de dos. El fenómeno ha sido llamado «el milagro básico de la música». En ciertos casos, la diferencia puede ser de dos o incluso tres octavas —digamos, entre Alvin y las Ardillas y Darth Vader — pero nunca una octava y media, ni 0,64 octavas.

La misma sensación es experimentada por otras especies, como monos y gatos. Esta explicación demanda una segunda advertencia. Los humanos no somos pianos bien afinados.

Solo una de cada diez mil personas exhibe oído absoluto entre otros, Mariah Carey, Celine Dion, Shakira y Tchaikovsky , o la capacidad de identificar una nota por sí sola, sin necesidad de compararla con una nota de referencia. Para el resto de nosotros, las melodías son en esencia patrones de variaciones de frecuencia en el tiempo, pero la frecuencia absoluta de las notas es secundaria.

Cuando se apagan las luces y llega la torta, el consiguiente Cumpleaños Feliz no comenzará a bien definidos Hz ni nada parecido a menos que alguien haya invitado a Mariah Carey , sino que a la frecuencia que haya impuesto el valiente que abrió los fuegos en la entonación.

El resto de la audiencia se adaptará a ello en forma casi automática. Si se trató de una valiente, los hombres se ajustarán de modo casi automático a cantar, por lo general, una octava más abajo, y viceversa.

Además del uso de la escala diatónica, la famosa tablilla permite concluir que los muchachos de Nippur aplicaban un tipo de armonización llamada «por terceras», aún en uso en pleno siglo XXI. Un nivel de sofisticación impensado para una época en la que ni siquiera se conocía el uso del hierro. Se han hallado también flautas e instrumentos de cuerda del tercer o segundo milenio antes de Cristo en la antiquísima civilización del Indo, de la cual sabemos relativamente poco porque su sistema de escritura ha resultado más difícil de descifrar que las estrofas de American Pie.

El Sama-veda, uno de los textos sagrados www. Y todavía más al oriente, al menos el a. existe un instrumento de siete cuerdas de la familia de la cítara llamado guqin. Los chinos lo llaman el «padre de la música china».

En el actual Irán, los primeros vestigios musicales echan raíces en la prehistoria. Los persas sostenían que su rey mitológico Jamshid, una suerte de versión iraní del Rey Arturo, había inventado la música.

Las pruebas fehacientes que ofrece la arqueología, en todo caso, son de data bastante más reciente. Estatuillas de terracota de principios del segundo milenio a.

muestran a conjuntos de laudistas, y relieves en roca de periodos posteriores exhiben arpas de cuatro y nueve cuerdas, así como un tambor rectangular.

La canción más antigua conocida, de a. Se trata de un himno a Nikkal, la diosa semita de los huertos. La tablilla principal contiene, además, las instrucciones para el canto y el acompañamiento de una lira de nueve cuerdas.

Otras traen incluso instrucciones para afinar las cuerdas, que permiten deducir que su escala era también diatónica. Un equipo de Berkeley liderado por Anne Draffkorn Kilmer descifró el contenido del puñado de cuñas. Aunque no libre de controversias, el resultado se puede escuchar en Youtube y en Soundcloud.

Si me preguntan, y que Nikkal me perdone, la describiría como «música de supermercado chino» a otra parroquiana la noté menos benevolente: «una tortuga tocando timbales».

En torno al a. A los griegos recae el mérito de acuñar la palabra «música», o «arte de las musas» como museo es a su vez «la casa de las musas», el Museo de la Música de Barcelona resulta en el cacofónico «casa de las musas del arte de las musas de Barcelona[21]».

Desarrollaron un sistema de notación completo desde al menos el siglo VI a. Varias canciones completas de la antigua Grecia, incluyendo las que acompañaban obras de Eurípides y de Sófocles, se preservan hasta hoy. La evidencia muestra que los griegos ya manejaban el concepto de armonía; es decir, el uso simultáneo de varios tonos.

Durante la segunda mitad del siglo VI a. Los instruía hablando detrás de una cortina a objeto de no ensuciar sus percepciones auditivas con las visuales o quizás sufría de acné, nunca lo sabremos a ciencia cierta. Su radio de acción era mucho más amplio que teoremas sobre triángulos rectángulos.

Entre otras peculiaridades, practicaban la abstinencia sexual y el vegetarianismo —hasta el www. Veían las matemáticas como la piedra angular del Universo. En palabras de Aristóteles, «les parecía que toda la naturaleza estaba por lo demás hecha a imagen de los números» en palabras del menos insigne Joaquín Barañao, unos obsesos monotemáticos.

De acuerdo a Pappus de Alejandría, el pobre Hipaso de Metaponto murió ahogado solo por revelar fuera del círculo pitagórico la existencia de los números irracionales[22]. Vaya uno a saber qué connotación política adjudicaron estos fanáticos a la raíz cuadrada de dos.

Otros cronistas mencionan que su crimen fue destapar la fórmula para construir un dodecaedro dentro de una esfera, tampoco algo que suene demasiado sedicioso. La música, por supuesto, no escapó a sus pezuñas numerocéntricas. De acuerdo al Harvard Dictionary of Music, «se dice que Pitágoras descubrió las leyes básicas de la música escuchando el sonido de cuatro martillos de herrero».

Como sea, identificó tres tipos: instrumental, humana y celestial. La celestial, a la manera de las ideas posteriores de Platón, existe por ahí en algún rincón del firmamento y es la que tratamos de imitar, la fuente de las armonías divinas. A su modo de ver, la única explicación posible para que los planetas no se vinieran abajo es que giraban en esferas concéntricas de cristal, y cada uno producía un tono único al pasar silbando por el éter cósmico.

Se le atribuyen varios logros a Pitágoras, algunos más verosímiles que otros. El historiador del siglo VI Boecio se preguntaba si acaso «¿hay alguien que no conozca la historia del joven de Taormina quien, borracho y excitado por el sonido del modo hipofrigio, fue calmado por Pitágoras quien lo trajo a sus sentidos cambiando la música a un espondeo?

De acuerdo a la tradición, Pitágoras descubrió que la frecuencia a la que vibra una cuerda de determinadas características es inversamente proporcional a su largo.

Es el principio detrás de las posiciones de los dedos en una guitarra, que acortan la longitud original de vibración de las cuerdas y con ello obtienen la frecuencia de cada nota. Si usted es de esas personas para quienes la música es pura pasión y sentimiento, y las ideas de la neurociencia del capítulo anterior le vinieron a estropear la fiesta, sírvase de omitir la oración que viene a continuación.

O al menos, léala con un vaso de agua en la mano: para los pitagóricos, la relación de las frecuencias entre dos notas debía ser igual a una potencia de dos dividida por una potencia de tres, o viceversa.

Aunque para ellos los calificativos de «bajo» o «alto» era el inverso: las cuerdas más largas y graves de sus instrumentos de cuerda se posicionaban arriba, hacia Zeus, y eran los sonidos «altos». Si lo agudo o grave de un sonido solo depende de la frecuencia de las ondas de presión del aire.

La respuesta es sorprendentemente compleja. Y fascinante. Los objetos del mundo real, ya sea un violín Stradivarius de millones de dólares o un silbato plástico adosado a un chaleco salvavidas, no se conforman con emitir solo la nota que demandamos de ellos.

Vibran en varias frecuencias al mismo tiempo. Lo que nosotros registramos como frecuencia del sonido es la más baja, llamada frecuencia fundamental. Pero lo sorprendente viene ahora: como si obedeciera a una arcana receta cósmica, los sobretonos son múltiplos enteros de la frecuencia fundamental.

Por ejemplo, al soplar una flauta para lograr Hz, los sobretonos serán de x2 , x3 , x4 Hz, etcétera. La amplitud de cada uno o cuán «fuerte» suena, lo que sus parlantes llaman «volumen» dependerá del objeto en cuestión que está vibrando.

Es el patrón de amplitudes que adquieren las otras frecuencias, llamadas sobretonos, lo que hace que el Stradivarius y el silbato suenen de un modo tan diferente al interpretar la misma nota. Este atributo en música se llama timbre, y es lo que explica que las orquestas sean tan variopintas y por tanto los boletos tan caros y que usted sea capaz de distinguir la voz de su madre de entre las de otras miles de mujeres de similar frecuencia.

Es decir, los mismos intervalos de las armonías que a los homo sapiens nos parecen placenteras. En nuestra escala diatónica, cada octava de siete notas do-re-mi-fa-sol-la-si es dividida en doce segmentos equivalentes llamados «semitonos» más sobre esto luego.

Así, ejemplos de intervalos placenteros son cinco semitonos entre dos notas cualesquiera —que los griegos llamaron «cuarta justa»— o siete semitonos entre dos notas cualesquiera —que llamaron «quinta justa»—, dos pilares de la música durante al menos cinco mil años.

Esta relación con el habla sugiere una base biológica para nuestra obsesión por la música. Pero lo realmente sorprendente viene ahora: el cerebro humano está tan habituado al patrón de números enteros que si artificialmente se quita la frecuencia fundamental y se deja solo los sobretonos, mentalmente reconstruye lo que falta.

De hecho oímos el sonido a Hz, aun cuando en el aire no hay onda alguna viajando con esa frecuencia[23]. Este autoengaño se conoce como la «Restauración del Fundamental Faltante».

No hay montaje cerebral alguno que escape a los emprendedores avezados. Una empresa israelita llamada Waves Audio produce pequeños subwoofers parlantes diseñados para los sonidos más graves que nos hacen creer que producen un sonido increíblemente bajo, sin poseer las propiedades físicas necesarias para ello, www.

Pero lo real, realmente sorprendente viene ahora. El biólogo Petr Janata expuso a un búho a una variante alterada del Danubio Azul de Strauss, del que se habían removido las frecuencias fundamentales: Si los fundamentales faltantes eran restaurados en niveles tempranos del proceso auditivo, las neuronas del colículo inferior debían disparar con la frecuencia del fundamental faltante.

Esto es exactamente lo que se encontró. Petr envió el resultado de estos electrodos a un pequeño amplificador y emitió de vuelta el sonido de las neuronas a través de un parlante.

Lo que oyó fue asombroso; la melodía del Vals del Danubio Azul cantada claramente por los parlantes: ba da da da da, deet deet, deet deet[25]. La mollera recurre a las tablas de multiplicar para engañarnos con sonidos que ni siquiera existen en el mundo físico.

Pero el búho de Janata muestra que para ello ni siquiera hace falta haber sido criado en un entorno humano, rodeado de fagots y violoncelos. Volvamos ahora a los griegos, quienes nada sabían de subwoofers ni búhos reproduciendo el Danubio Azul, pero que sí sabían distinguir el timbre de una lira del de la pitonisa de la esquina.

Es sintomático de la importancia que esta sociedad le adjudicaba al arte de las musas que el trío dorado de filósofos griegos la ensalzara en sus enseñanzas. Platón cita a su maestro Sócrates al consignar que «el entrenamiento musical es más potente que cualquier otro, porque el ritmo y la armonía encuentran su camino en los espacios interiores del alma».

El propio Platón aseguraba que, si le dejaban hacer las canciones de una nación, «no me preocuparé de quién haga sus leyes». Llamativa la noción de que con unas cuantas tonadas bien diseñadas podríamos delegar el poder legislativo a un hato de interdictos.

Añadía que: La música es una ley moral; confiere alma al Universo, alas al pensamiento, vuelo a la imaginación, encanto a la tristeza, alegría y vida a cada cosa.

Es la esencia del orden que ella restablece y eleva hacia todo lo que es bueno, justo y bello y, aunque invisible, es la forma deslumbradora, apasionante, eterna de todo ello. Espero que ello compense el mal rato de los áridos algoritmos pitagóricos.

Aristóteles, el discípulo más connotado de Platón, se refirió en extenso al tema. En uno de sus libros, describe las técnicas musicales de la época, indicando la existencia de polifonías, o la ejecución de varias melodías en simultáneo. Para él la música tiene el poder de formar el carácter, y debe ser parte importante de la formación de los jóvenes: Representa directamente las pasiones del alma, por lo que cuando uno escucha música innoble que imita una cierta pasión, uno se imbuye de la misma pasión; y si durante un largo periodo de tiempo uno escucha ese tipo de música que despierta pasiones innobles, todo el carácter adquirirá una forma innoble.

En pocas palabras, si uno escucha el tipo de música mala, uno se volverá un tipo de persona mala. Estas consideraciones excelsas venían acompañadas de otras más mundanas. Por alguna razón consideraba que la flauta «no es un instrumento moral, sino más bien uno que inflama las pasiones» y que «nuestros antepasados muy apropiadamente prohibieron su uso para los jóvenes y hombres libres[26]» y eso que Aristóteles se libró del estruendo de las vuvuzelas.

Discípulo de Aristóteles y por lo tanto bisnieto intelectual de Sócrates fue el peripatético Aristóxeno, autor del tratado sistemático de música más antiguo que se conserva: los Elementos Armónicos, donde se expone el estudio de los intervalos, de los tetracordios cuartetos de notas secuenciales y de las tonalidades.

Al paso, refutó el método estrictamente aritmético de los pitagóricos para la definición de intervalos. Roma hizo con la música lo de siempre: plagio adaptativo.

Ejecutaban piezas en funerales, así como en los sacrificios para mantener a raya a los malos espíritus. En el tercer siglo a. Más familiar nos es su expresión en los espectáculos masivos. La música romana hacía más llevadera esas tardes en el Coliseo, donde los ciudadanos del Imperio pasaban largas horas parrillando alegremente en las graderías mientras el gladiador de turno era destripado algunos metros más abajo.

La carnicería solía ser acompañada por un complejo artefacto inventado en Alejandría llamado hydraulis, u órgano hidráulico, que operaba en base a un sistema de recipientes llenos de agua que mantenían constante la presión de aire.

Fue el primer instrumento de teclado. Desarrollaron también el pantomimus del griego «el que todo imita» , un precursor del ballet, pero acompañado de diálogos. Poca cosa más que esclavos, aunque en rigor hombres libres.

Pese a ello, las superestrellas podían alcanzar renombre y riqueza. Las competencias eran habituales, y en una ocasión el propio Nerón acudió a la entonces provincia romana de Grecia a mostrar sus dotes.

Ello pudo influenciar aquella injuriosa crónica que lo retrataba tocando la lira mientras Roma ardía en el gran incendio del año En los años tardíos del Imperio, la influencia cristiana se dejó sentir con fuerza.

Los padres de la Iglesia tachaban de paganos a los feligreses que incorporaban danza y música en sus prácticas de culto. La música en la Biblia www. De acuerdo al Génesis, el tátara-tátara-tátara-tátara nieto de Adán, un caballero llamado Jubal, fue el padre de todos los que tocan la cítara y la flauta.

Varios milenios y diluvios universales más tarde, los israelitas cantaron tras el cruce del Mar Rojo como Dios «desatas tu furor y devoras [a los enemigos] como paja», mientras la hermana de Moisés animaba la acción tocando el pandero.

Una generación más tarde, el Antiguo Testamento nos cuenta que Josué, el sucesor de Moisés al comando del pueblo israelita, lideró la destrucción de los muros de Jericó soplando siete trompetas.

Lección de humildad para las sopranos que se creían gran cosa quebrando copas. En el periodo dorado del pueblo de Israel, durante el siglo X a. Las escrituras adjudican a David la autoría de 73 de los salmos, que con el tiempo pasarían a conformar parte importante del arsenal musical litúrgico. Con aún bajos niveles de alfabetización, resultaba por lo demás un conveniente método mnemotécnico.

En jerga contemporánea, diríamos que David llevaba el ritmo en la sangre. O, en términos de Chayanne, «baila que ritmo te sobra, baila que bailame». Durante el traslado del arca de la alianza a Jerusalén, nos cuenta la Biblia: … danzaba con todas sus fuerzas, y tanto él como todos los israelitas llevaban el arca del Señor entre gritos de alegría y toque de trompetas.

Como se ve, al menos hace tres milenios que venimos escuchando remilgos de ciertas esposas aguafiestas ante la sana diversión de sus maridos. Y eso que David había arriesgado el pellejo para obtener los prepucios de filisteos que su suegro Saúl exigió por su mano[27].

Linda la forma de expresar gratitud de la tal Mical. Bajo el comando de Salomón, sucesor de David, la corte ostentaba cantantes profesionales. La música era cultivada en forma sistemática y de esos años data la primera escuela de la materia sobre la que tenemos noticia.

El historiador clásico Flavio Josefo nos informa que Salomón se jactaba de una banda de cantantes, trompetistas, 40 arpistas y 40 intérpretes de sistro. El sistro era una especie de maraca, pero provista de todo el glamour histórico que concede aparecer en la Biblia.

No es mi intención dudar de la imparcialidad de don Flavio a causa de su origen judío, pero los demógrafos contemporáneos McEvedy y Jones estiman que la población de todo Palestina en esa época sumaba unas www.

De acuerdo a la tradición aunque la arqueología sugiere otra cosa estos salomónicos años conforman también el periodo de composición del Cantar de los Cantares.

Se trata en esencia de una compilación de poesía erótica, tan subida de tono que durante un periodo de la Edad Media se prohibió su lectura para menores de 30 años «para que no lo interpreten como una malvada carnalidad».

Y esto en un contexto en que la esperanza de vida al nacer rondaba los 35 años para los hombres y 25 para las mujeres. San Bernardo desaconsejaba la lectura del Cantar para quienes recién abrazaban la vida monástica[28]. Curiosa censura de un trozo de la Biblia para quienes acaban de consagrar su vida a sus enseñanzas.

Tales temores se sustentaban en versos como aquel en que el hombre halaga a su amada sin tapujos anatómicos: «Tu vulva es un cántaro, donde no falta el vino aromático[29]» otras líneas utilizan piropos de corte menos contemporáneo: «Tus dientes, como un rebaño de ovejas esquiladas que acaban de bañarse».

El primer libro de Crónicas relata cómo los miembros de un ejército de músicos profetizaban acompañados de cítaras, salterios y címbalos. Nada menos que personas, distribuidos en 24 grupos corales, que tomaban parte en 21 servicios semanales.

En esa época, hasta los más pobres debían contratar a dos flautistas para el funeral de su mujer. Pero los felices años musicales del Reino de Israel se acabaron en el a.

En el cautiverio, colgaron las arpas y se negaron a usarlas. La mayor parte de los salmos y la práctica de la antífona, o la respuesta de la feligresía al cantor que aún se practica en las iglesias cristianas, del griego para «anti-voz» son del periodo de retorno a Jerusalén y el Segundo Templo.

En esos años, se requería nada menos que cinco años de formación musical para formar parte del coro, conformado solo por hombres de entre 30 y 50 años, además de un bonus track de hijos de levitas para «añadir dulzura a la canción».

Paradójicamente, y pese a la visión nostálgica del pueblo de Israel por los buenos años musicales de Salomón, tras la segunda destrucción del templo —esta vez a cargo de la aplanadora romana en el 70 d. El Arco de Tito, edificado para conmemorar esta gesta militar y aún en pie en pleno Roma, muestra trompetas de plata, probablemente parte del botín del saqueo de Jerusalén.

El golpe dio curso a la diáspora israelita, y el arte se perdió. En el Nuevo Testamento las referencias musicales son más escasas. Una de las más notables se encuentra en una carta de San Pablo a los Efesios, en la que los exhorta a entonar salmos y canciones espirituales.

Rómulo, al igual que el rey legendario que la vio nacer. El hito marca el inicio de la Edad Media. El mapa europeo se transformó en un popurrí de entidades políticas, en cuyo contexto la Iglesia surgió como el gran elemento unificador.

La parte del león de la composición se la llevaron los monasterios. Las normas eclesiásticas pisaban tan fuerte que se admitían nada más que tres intervalos de los doce posibles: solo se podrían ejecutar al mismo tiempo las notas separadas entre sí por cinco, siete o doce semitonos.

El intervalo de seis semitonos se prohibió entre los siglos IV y XVI. Era considerado tan disonante que no podía si no ser obra de Lucifer, y lo llamaban diabolus in musica. Daniel Levitin relata que más adelante se llegó a prohibir las polifonías, temiendo que pudieran sembrar dudas sobre la unidad de Dios[30].

El legado pagano de griegos y romanos hacía fruncir el ceño a los monjes, con lo que el sistema de notación ideado en Grecia diez siglos antes cayó en el olvido.

Hasta aproximadamente el siglo X no se aceptaban los instrumentos, y luego el órgano solía ser el único que se toleraba. No todos miraban de la misma forma a los griegos. A principios del siglo VI, el romano Boecio escribió un voluminoso tratado sobre música, en el que entre otras cosas recicló la triple división pitagórica: clasificaba la música en aquella sobre el orden y armonía del Universo, aquella sobre el orden y la armonía humana, y por último la musica instrumentalis, que es la que nosotros entendemos propiamente por música.

Boecio explicó también los modos griegos. En música, un modo es una serie de reglas que determina dónde una melodía debe comenzar y terminar, y que establece una suerte de jerarquía que dicta la importancia de cada nota en relación a otra.

Este combo de reglas prefabricadas para la creación persistió por siglos en la música sagrada. Aunque los indicios de riqueza musical abundan, el único repertorio que sobrevive de los primeros siglos del Medioevo es el llamado «canto llano», la música vocal que se usaba en la liturgia.

Se trataba de composiciones monofónicas, o de una sola melodía a la vez, generalmente a capella. De hecho, la propia expresión a capella viene del italiano «como en la capilla» y nace precisamente de esta costumbre.

Las regiones cristianas desarrollaron sus propias versiones de canto llano para sus propias celebraciones, adaptadas a sus costumbres y reglas litúrgicas. En la península ibérica, por ejemplo, la influencia del norte de África y de las comunidades judías dio pie al canto mozárabe, el que sobrevivió incluso a un buen tiempo bajo el dominio www.

La variedad más conocida de canto llano es el canto gregoriano, así llamada por Gregorio I, o San Gregorio Magno, un papa del siglo VI tan querido que tan pronto murió fue canonizado por aclamación de la feligresía. A él se le atribuye la estandarización del estilo.

La tradición relata que Dios bajó de los cielos bajo la forma de una paloma, se posó en su hombro y le dictó los tonos. La primera aseveración de la autoría de Gregorio, en todo caso, data de casi tres siglos después de su muerte y es probable que, si hoy hablamos de canto gregoriano, sea más por el aura cuasimitológica que este pontífice inspiró en épocas posteriores que por su genuino aporte.

La mayor parte de las composiciones posiblemente se originaron entre su muerte en el y el llamado renacimiento carolingio de fines del siglo VIII, como síntesis del repertorio litúrgico romano y galicano de Francia.

Con el tiempo, una gigantesca colección de canto gregoriano se compiló en un libro llamado Antifonario, que se atesoraba en la Basílica de San Pedro adosado al altar con una presuntuosa cadena de oro. Hasta que alguien lo robó, cadena y todo. Aunque ya no resuene como antaño, el canto gregoriano ha logrado sobrevivir hasta nuestros días, y se sigue ejecutando por aquí y por allá en uno que otro monasterio del siglo XXI.

Un improbable cultor contemporáneo, por ejemplo, fue Víctor Jara. Y es que, antes de enarbolar la causa comunista, el cantautor e impulsor de la corriente conocida como La Nueva Canción Chilena estudió en el seminario para convertirse en sacerdote de la Congregación del Santísimo Redentor[31].

Con los carolingios, las artes revivieron y la alfabetización recuperó parte del terreno perdido desde la caída de Roma, pero el desmedido peso específico del culto operaba en desmedro de las expresiones de música popular.

Luis el Piadoso, hijo y sucesor de Carlomagno, destruyó la colección de canciones profanas acopiadas por su padre. Alcuino de York, algo así como el centrodelantero de este renacimiento y «el más sabio que se podía encontrar» de acuerdo al biógrafo de Carlomagno, da algunas luces del porqué de la animadversión.

A un discípulo que se aprontaba a visitar Italia le escribía que: Es mejor complacer a Dios que a payasos, cuidar de los pobres en lugar de los mimos.

Al abad de Corbie le comentaba: Temo que Homero estará molesto ante el estatuto que prohíbe espectáculos y ficciones diabólicas, todas las cuales las Santas Escrituras prohíben, tal y como entiendo a San Agustín quien dijo: «un hombre que presenta en su casa payasos, mimos o bailarines no sabe qué tumultos seguirán debido a sus espíritus impíos».

Durante el siglo IX, la Iglesia intentó unificar las distintas tradiciones musicales, lo que en la práctica condujo a la supresión de muchas de ellas y al reemplazo por sus www.

En el mismo siglo, algunos monasterios comenzaron a experimentar con un tipo de polifonía primitiva llamada órganum. Se repetía una misma melodía en paralelo, pero a cierta distancia, normalmente siete semitonos más aguda.

El antecedente embrionario de la concepción moderna de la armonía. Durante medio milenio, la transmisión del patrimonio auditivo había descansado en la frágil memoria oral, pero fue también durante el movido siglo noveno que la notación musical comenzó a resurgir de las cenizas.

Más que para suplantar la tradición oral, partió como una simple ayuda memoria. Con ello, en forma paulatina los autores fueron dejando el anonimato, a medida que las firmas de los autores asomaban en esas protopartituras. Decimos que «comenzó a resurgir» porque le iba a tomar aún muchos siglos alcanzar la precisión que hoy acostumbramos.

Lo que brotaba en los cantorales era la notación neumática una corrupción de la palabra griega para «respiración» , pero que solo indicaba el número de notas y si ascendían o descendían respecto a la anterior.

No había forma de mostrar la nota de partida, la frecuencia absoluta o el ritmo. Se escribía en «campo abierto», sin nada parecido a nuestro pentagrama que proveyese referencia de escala.

Desde principios del siglo XI, símbolos gráficos llamados neumas se mostraban a distancias variables del texto, para señalar la melodía. Ahora al menos se conocía la altura relativa entre un neuma y otro, aunque aún no la absoluta.

Empleó luego las primeras sílabas para leer música. Su valor era relativo: podían ser aplicadas a cualquier nota, dependiendo del contexto. Guido era de la opinión que los cantantes necesitaban de este soporte pedagógico, pues eran «los hombres más estúpidos de nuestro tiempo». Pero ¿Y esa «UT»? Unos años más tarde, los europeos decidieron que a la hora de solfear ese sonido resultaba algo empalagoso para la lengua, y Giovanni Battista Doni la reemplazó, siguiendo la tradición de las sílabas iniciales.

Pero esta vez, con un toque de vanidad, por el Do que marcaba el comienzo de su propio apellido[33]. Tomaría otros dos siglos añadir la quinta, dando origen al pentagrama. A modo de última mención a los sucesos musicales del siglo XI, tenemos la conquista de la localidad italiana de Taranto en a manos de los normandos comandados por Robert Guiscard.

Todo bien en el plano militar. El problema estuvo en el aracnológico. El ejército no se libró del tormento que eran las picadas de tarántulas, así llamadas por la ciudad.

De acuerdo a los nativos, la única cura era un baile frenético: la tarantela[34]. A partir del siglo XII, prosperaron numerosas escuelas de polifonías.

Un caso singular es la de Santiago de Compostela, el destino final de cientos de peregrinos de los más diversos rincones de Europa. El continuo flujo de caminantes transformó a la ciudad. Además de epicentro mundial de ampollas en los pies, se convirtió en un centro continental de expresiones culturales.

Parte de esto se recoge en el Codex Calixtinus, un texto del siglo XII así llamado porque originalmente se atribuía al Papa Calixto II, pero que hoy se adjudica a un monje francés de nombre Aymeric Picaud.

Ganó renombre como «la primera guía de viajes», una suerte de Lonely Planet medieval que incluye advertencias sobre alojamiento «los vascos cobran en exceso por el albergue» , agua en el Río Salado todos los días hay dos oportunistas «sentados en sus bancos y afilando sus cuchillos» para hacerse de los burros que allí aparecen , costumbres locales «si vieras a los navarros comiendo, pensarías que se trata de perros» y peculiaridades del folklore local «los navarros también hacen uso de los animales para fornicaciones incestuosas.

Se dice que los navarros fijan un candado detrás de su mula o caballo, de modo que nadie más que él tenga acceso a estos» [35]. Pero no fue solo por sus convenientes consejos sobre las costumbres sexuales de los aldeanos que el Codex adquirió fama.

Contiene además ejemplos tempranos de polifonías, incluyendo la famosa Congaudeant catholici Regocijémonos juntos todos los católicos , si bien famosa por la razón equivocada. Se consideró por años la primera composición conocida para tres voces, pero al ejecutarla de ese modo exhibe tal disonancia que o bien nuestros antepasados tenían el gusto en las patas como, de hecho, es el caso de las mariposas[36] o bien incurrimos en un problema de interpretación.

Hoy está bastante claro que se trata de lo segundo. Otras escuelas polifónicas importantes tomaron cuerpo. Por ejemplo, en la abadía benedictina de San Marcial en Francia durante la primera mitad del siglo XII. Pero sobre todo en Notre Dame de París, el centro de la acción durante el siglo XIII, que veía desplegar sus creaciones en la catedral misma.

Allí los hombres fuertes eran Leonin y Perotin. El historiador de la música David Barber narra que: www. Para algunas personas, esta es una decisión trascendental. Dos musicólogos franceses, llamados Beck y Aubry, fueron tan lejos como para pelear un duelo de espadas sobre el asunto en [37].

Durante el siglo XIII, el grueso de las obras eran cantus firmus, o melodías que se utilizaban como base de las polifonías. De ahí nace la necesidad de contar con una voz principal que «sostuviera» la estructura general; o en latín tenere, de donde deriva nuestro «tenor».

A la segunda voz se la llamó contratenor, y a la «más alta» superius, latín para «arriba», de donde tomamos soprano. La alta Edad Media se le adelantó también varios siglos a Broadway. Como la Iglesia prohibía asistir a los licenciosos espectáculos paganos, el drama litúrgico adoptó la forma de una edificante adaptación pía.

En ocasiones, a cargo de compañías itinerantes cuya historia no está bien documentada. En un comienzo, eran solo representaciones de los evangelios, en prosa latina, pero con el tiempo el verso y las lenguas vernáculas se hicieron un espacio.

Estos espectáculos despertaban pasiones. Cuenta Emil Naumann, historiador de la música del siglo XIX, sobre una representación realizada en en Eisenach de la parábola del evangelio acerca de las vírgenes prudentes y las insensatas: Parece haber creado un gran jaleo en aquel entonces.

Cuando se llegó a la escena donde la Virgen María suplica con su Hijo y es reprendida por Cristo, el margrave de Turingia, Federico el Alegre, excitadamente se levantó y, volviéndose hacia la audiencia, exclamó en apasionados tonos, «¿Qué será ahora de la fe cristiana, y a quién recurriremos en esperanza si la intercesión de la Madre de Dios y de los venerados santos fue en vano?

Luego el margrave dejó apresuradamente la obra y se apresuró de vuelta a su castillo, el Wartburg. Allí su ira continuó, induciéndolo a tal estado de febrilidad mental que le produjo un rapto de apoplejía, que terminó cinco días después del incidente en su muerte[38].

En torno a , un francés llamado Juan de Garlandia escribió un tratado llamado De mensurabili música, que puso por escrito una innovación conocida como «modos rítmicos». Por primera vez desde la antigua Grecia, el sistema de notación contaba con símbolos de duración determinada. La dificultad radicaba en que dicho lapso solo podía ser deducido por el contexto.

Hacia , un alemán llamado Franco de Colonia dio otro paso esencial al publicar un documento titulado Ars cantus mensurabilis. En su sistema de notación, las notas tienen diferentes formas, cada una con distinto significado rítmico, dotándolas de duración absoluta. La música secular había comenzado gradualmente su entrada en escena.

Ya desde el siglo X que los goliardos, músicos-poetas itinerantes, regaban el paisaje. Aunque muchos eran clérigos vagabundos que cantaban en latín, otros tantos se inclinaban por opciones más prosaicas, pícaras, y hasta vulgares.

La obra más conocida son los 24 versos de Carmina Burana, que Carl Orff musicalizó en , escrita por estudiantes religiosos que satirizaban a la Iglesia y ensalzaban el trago y el buen sexo. A partir de fines del siglo XI, los trovadores continuaron la tradición de los goliardos.

Se trataba de hombres que, en palabras de Dante Alighieri, se dedicaban a la «ficción retórica, música y poética» mediante composiciones monofónicas digo hombres porque la mujer abocada a esos quehaceres se llamaba «trobairitz».

La corriente nació en Occitania, al sur de Francia, y se extendió luego por el noroeste del Mediterráneo, y al norte de Francia con el nombre de Trouvère.

Solía tratarse de solistas, con un simple acompañamiento de laúd. Sus temas favoritos solían ser historias de caballería y culebrones cortesanos, en lengua vernácula a diferencia del latín que emanaba de las iglesias.

Las estrofas solían versar en torno a amores imposibles; de otro modo, corrían el riesgo de ser expulsados del sindicato de trovadores y trobairitz. Entre y tuvo lugar la cruzada albigense en Occitania, el centro neurálgico de la escena trovadoresca.

El objetivo era aplastar una facción ascética cristiana que, entre otras peculiaridades, se negaba a comer cualquier cosa que fuese producto del coito, pero que sí admitía pescados por estimarlos frutos espontáneos del mar[40].

Los trovadores sobrevivientes se repartieron en las regiones aledañas. España y Portugal se contaron entre los beneficiados de esta diáspora musical, y es en parte allí que las cantigas echan raíces. Las más conocidas son las obras que conforman las Cantigas de Santa María, cada una de las cuales honra a la Virgen.

Una suerte de versión medieval de la cumbia La Medallita y su «preciosa virgencita», reeditada en años recientes por Chico Trujillo. En Alemania, el arte de los trovadores se hizo también un espacio bajo el nombre de Minnesang, o «los cantantes del amor».

Una expresión bastante menos festiva era el Geisslerlieder, la música de las bandas de flagelantes que recorrían Europa. La primera oleada ocurrió en , como respuesta al caos generalizado que reinaba en el norte de Italia.

La segunda, y responsable de los exponentes mejor conservados, tuvo lugar durante la histeria colectiva de que desató aquella colosal catástrofe conocida como Peste Negra.

No obstante la atmósfera fúnebre de su génesis, dio pie a una de las primeras colecciones de música folklórica. A fines del siglo XIII, surgieron varias nuevas expresiones de música sacra.

Los www. En el caso del discanto, mientras un intérprete entona un canto llano, otro ofrece una voz suplementaria, en ocasiones improvisada.

Pero la variante más importante es el motete del francés mot, palabra , el continuador natural del conductus. En palabras de un teórico de la época, un género «no destinado al vulgar que no entiende sus puntos más finos».

Se trataba de una composición vocal polifónica, basada en melodías litúrgicas preexistentes. Algunos motetes conocidos son los que componen parte de Roman de Fauvel, una sátira de la Iglesia y la sociedad. En ella, un ambicioso burro, insatisfecho con su vida de establo, decide escalar posiciones y es nombrado señor de la casa.

Hasta el Papa peregrina para adularlo y rendirle homenaje. La corriente estelar del siglo XIV es la ars nova, o «nueva técnica», el título de un tratado escrito en la década de por Philippe de Vitry. Los avances de don Franco y compañía en el sistema de notación permitieron desembarazarse de los inflexibles modos rítmicos prevalentes, y se crearon piezas más expresivas y variadas.

La música secular alcanzó la sofisticación polifónica de su par sacro. El hombre fuerte aquí es Guillaume de Machaut, «el último gran poeta que era también compositor» de acuerdo al musicólogo británico Daniel Leech- Wilkinson. No deja de sorprender que quien alcanzó notoriedad sobre todo por sus canciones profanas era canónigo.

Claro que, para dejar contento a todo el mundo, compuso una de las primeras misas, y la primera de autoría individual. Parte importante del nuevo inventario musical de este siglo está dado por las tres «formas fijas»: la ballade, el rondeaux y el virelai.

Cada una estaba conformada por un enmarañado patrón de repetición de versos y estribillo, que, fuera de la letra, dejaba un espacio bastante acotado para echar a volar la imaginación. Durante esta centuria apareció en Italia el madrigal, una composición para varias voces, normalmente de tres a seis, sin acompañamiento, sobre un texto que solía ser de lírica popular.

Hacia fines del siglo XIV, surge un estilo que hoy se conoce como ars subtilior, o «arte más sutil», un artificio refinado y complejo, muy desafiante para quien osara cantarlo. Un periodo experimental, que recuerda los desvaríos de las artes plásticas de principios del siglo XX.

Baude Cordier compuso una canción de amor en que la propia partitura tiene forma de corazón, y un «canon eterno», en que el pentagrama toma la forma de un círculo apropiadamente, la obra se titula Con un compás fui compuesto.

Eran canciones profanas, sobre gestas de caballería, amor e historias de la antigüedad clásica. En el caso de Alemania, sabríamos bastante más si no fuera porque las transcripciones de las composiciones de este periodo lucen como si hubiesen sido realizadas por aficionados con problemas de alcoholismo.

Una arrolladora sacudida comenzaba a fraguarse en el taller de un herrero de Estrasburgo. La evolución desde la prehistoria oral a la historia escrita permitió transmitir y acumular patrimonio musical más allá de la muerte de los miembros del consejo de ancianos.

La migración desde tablillas de piedra o arcilla al papel abarató los costos de confección y bodegaje.

La siguiente gran revolución fue la que inició Johannes Gutenberg. A mediados del siglo XV, Gutenberg se lanzó a un arriesgado emprendimiento. Contrató al menos una docena y media de ayudantes, compró papel italiano, y comenzó a experimentar con distintas aleaciones metálicas y mezclas de tintas.

Planeaba manufacturar biblias de páginas cada una, impresas con tal fidelidad que parecieran escritas a mano. En peregrinó a lo largo y ancho de Europa en busca de financiamiento.

Le tomó seis meses fabricar los moldes metálicos, y otros dos años imprimir las mil páginas que demandaba el proyecto, las que luego fueron ilustradas y coloreadas a mano.

El proceso completo tomó cerca de tres años, no muy distinto a lo que le tomaba a un monje disciplinado copiar una Biblia.

Pero durante esos 36 meses el monje, además de arruinar sus ojos en el proceso, lograba confeccionar solo una. Él, Así como Edison no inventó realmente la ampolleta, ni Graham Bell el teléfono, Gutenberg no fue la primera persona a quien se le ocurrió estampar textos sobre el papel.

En Asia, el concepto existía desde hace siglos. Pero, tal como Edison y Graham Bell, se llevó los créditos por la dimensión práctica con que dotó a su artefacto. El alemán perfeccionó el proceso e instaló esta tecnología en el centro del continente que iba a liderar el desarrollo en los siglos sucesivos.

Como relata el historiador Andrew Marr: La imprenta fue una locura casi de un día para otro. Las biblias fueron admiradas a lo largo de Alemania, los Países Bajos, Italia y España.

Las imprentas de Gutenberg se dedicaron a otros trabajos, incluyendo gramática para escolares, salvajes tratados atacando a los turcos, calendarios; y por sobre todo, indulgencias, fabricadas como enormes cheques, con solo la duración, fecha y firma para ser llenadas a mano. Alemania estaba pronto inundada con impresiones.

Algunos de las decenas de miles de panfletos eran médicos y científicos; otros eran derechamente vulgares. El propio Lutero, en un sermón sobre el matrimonio, se quejó de que los libreros practicaban la venta ambulante de material «que trata nada más que de la depravación de las mujeres». En paralelo, la paulatina adopción del papel venía desplazando la poco vegetariana costumbre de escribir sobre piel animal, partituras y antifonarios inclusive.

El Codex Amiatinus, por ejemplo, una biblia de comienzos del siglo VIII que hoy se conserva en Florencia, demandó de unos terneros para la manufactura de sus páginas.

Esto abarató aún más los costos de impresión. Liberados de la necesidad de un copista armado de paciencia cuasiinfinita, la nueva tecnología ejerció una influencia tremenda en la diseminación de las novedades. De alguna manera, el puntapié inicial de esto que llamamos globalización de la música comenzó con la novedad de disponer de un método expedito para estampar un carácter al lado del otro.

Otro efecto inesperado de la imprenta fue relevar a la música de su rol de repositorio de conocimiento. Por milenios, la humanidad aprovechó las propiedades de las canciones para almacenar y transmitir información de un modo más eficiente que la mera recitación de secuencias verbales. Atributos tales como la rima, el ritmo, la estructura de acentuación y el uso de clichés le permiten al cerebro realizar predicciones parciales del contenido, evitando así la necesidad de memorizar cada palabra y cada sílaba.

Por ejemplo, en esta joya de poesía urbana de Calle Dicen que eres la reina de todos los rosales pero hoy te voy a bajar cuatro clases sociales. Si usted ha experimentado el deleite de sandunguear al ritmo de esta magnum opus pero ha olvidado la palabra que sigue a «clases», muy probablemente la rima y el cliché saldrán en su auxilio.

Es gracias a este tipo de expedientes que la Torá —los primeros cinco libros del Antiguo Testamento— se transmitió a través de melodías durante más de mil años antes de que alguien la pusiera por escrito[41]. Con unas apretadas páginas una vez transcrita, la hazaña es casi más épica que la apertura del Mar Rojo.

Con el arribo de un método eficaz para replicar textos, no obstante, este recurso mnemotécnico se volvió cada vez menos relevante. En un mundo en que cargamos en el bolsillo varios gigabytes de memoria siempre disponibles bajo la forma de un teléfono, es rara la necesidad de memorizar.

Pero cuando ello ocurre, las canciones siguen siendo un mecanismo privilegiado. Solo pregunte a los miles de colegiales que siguen aprendiendo tonadas sobre el alfabeto o las valencias de la tabla periódica. Y en el caso de la música, bastante más que en otras expresiones artísticas.

Además, no comenzó en esa caldera creativa que era el norte de Italia, sino en la región compuesta por el norte de Francia, los Países Bajos y Bélgica.

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Aquí está la pareja en la inauguración de su club en Jon y Sandra Steele eran personas habituales en Las Vegas en la década de Se enamoraron y se casaron en la década de y continuaron trabajando juntos como artistas. Eran un dúo vocal brillante. En esta imagen, Sondra ayuda a arreglar la pajarita de su marido en su salón verde antes de una actuación en El Rancho en Las Vegas.

La canción les valió el premio Cash Box al disco de Jukebox más popular y continuó dominando las listas durante 30 semanas después. Jon falleció en , mientras que Sondra murió en La historia de cómo obtuvo ese nombre se remonta a más atrás. La ciudad siempre había sido laxa con los requisitos para las bodas desde principios del siglo XX.

A diferencia de otros estados, Nevada no necesitaba análisis de sangre para evitar que las parejas se casaran en estado de ebriedad, razón por la cual todos acudían aquí para casarse.

Pero las bodas exprés se hicieron populares recién en la década de , cuando el estado aprobó proyectos de ley que acortaban el tiempo necesario antes de poder solicitar el divorcio. En la década de , la industria de las bodas en Las Vegas estaba en auge.

Aquí tenemos a una pareja besándose después de una boda en Las Vegas. Un funcionario les entrega su licencia de matrimonio. Elvis Presley y Liberace no podrían parecer más diferentes, al menos en la superficie.

Liberace había estado en escena durante años. Era un pianista extravagante, el favorito de todos incluso el de tu abuela. Y luego estaba Elvis Presley. Peligrosamente guapo. Un artista de rock n' roll con caderas que van en serio. Es el tipo de persona que podría llevarse a tu hija adolescente a la noche.

Pero los dos artistas tenían mucho más en común de lo que podía pensarse. Liberace y Elvis Presley eran fanáticos mutuos. Se conocieron cuando Liberace fue a ver actuar al rey del Rock and Roll.

Luego, Presley tuvo la oportunidad de ir a ver el acto de Liberace en el Riviera. Se reunieron para una improvisación detrás del escenario en Muchos dicen que compartían una conexión mística más allá de su arte.

Algunas de las muchas narraciones de la vida de Frank Sinatra se centran no sólo en su música sino también en los grandes amores de su vida. Una de ellas fue Lauren Bacall. El 14 de septiembre de , Sinatra le regaló a Bacall un pastel de tres niveles para su cumpleaños número 32 y lo decoró con las palabras "Feliz cumpleaños, madre Den".

Más tarde, el mundo descubrió que Bacall y Sinatra estaban teniendo una aventura mientras el marido de Bacall, Humphrey Bogart, moría de cáncer. La pareja se comprometió pero Sinatra canceló el compromiso. Bacall dijo más tarde que le había hecho un favor, salvándola del desastre que habría sido su matrimonio.

El primer concierto de Elvis Presley en Las Vegas tuvo lugar en en el New Frontier Hotel. También firmó un contrato cinematográfico con Paramount Pictures. Dondequiera que fuera, atraía a miles de fans, la mayoría eran adolescentes.

La audiencia aquí no sólo era diferente, sino indiferente. Cortés pero muy escéptica. Su debut de dos semanas en Las Vegas fue un momento difícil pero crítico en su carrera. Algunos dicen que fue una medida deliberada de su manager, el coronel Tom Parker.

Necesitaba que Presley adquiriera experiencia y credibilidad más allá del salvaje público adolescente al que el músico estaba acostumbrado hasta el momento. No es exagerado decir que Arlene Dahl fue una de las estrellas de Hollywood más inmaculadas de la década de Nunca tuvo un solo mechón de cabello fuera de lugar y siempre iba vestida a la moda.

Su exmarido, la estrella argentina Fernando Lamas, compartió después de su divorcio que era como estar casado con Elizabeth Arden. Nunca la había visto sin maquillaje durante todo su matrimonio. La obsesión de Dahl por las apariencias limitó la naturaleza y la cantidad de papeles que Hollywood podía ofrecerle.

Pero le resultó muy útil en otros lugares. La fijación por la belleza ayudó a establecer su exitosa cosmética y lencería después de que se retirara del cine. Mansfield no era sólo un símbolo sexual de la década de , sino también una consumada música y actriz de teatro.

Además, era conocida por su impulsividad y su aguda búsqueda de fama. Inquebrantable, podrían añadir algunos. Hollywood ha tenido una larga lista de imitaciones de Marilyn Monroe. Su sesión de fotografía desnuda en Playboy arrasó en la industria.

También tuvo una excelente actuación en Broadway en "Una mujer de cuidado". Es más, esta artista de Las Vegas tocaba el violín y el piano. Incluso apareció en un programa de televisión británico en , donde recitó una o dos líneas de "Hamlet".

Otro complejo emblemático de Las Vegas fue el Stardust Resort and Casino, que abrió sus puertas en el año El complejo tenía el casino y la piscina más grandes de todo el estado de Nevada.

No podías no ver el letrero: sus 57 metros se veían a kilómetros de distancia. Aunque originalmente era un hotel con temática del espacio exterior, ese concepto cambió rápidamente.

Muchos acudieron al casino para ver a las coristas en topless. Se rumorea que también atrajo bastante actividad clandestina. El Stardust cerró oficialmente sus puertas en , después de 48 años de actividad.

El cantante y actor estadounidense Eddie Fisher fue enormemente famoso en la década de Vendió millones de discos y tenía su propio programa de televisión.

Incluso estuvo casado con Debbie Reynolds y luego con Elizabeth Taylor. Su matrimonio con Taylor, como la mayoría de nosotros sabemos, generó un escándalo internacional, que en ocasiones eclipsó su legado como intérprete. La imagen de arriba es de una de sus mejores actuaciones en Las Vegas, en Fisher era cantante en clubes nocturnos antes de irrumpir en la escena de la música pop.

Ofreció éxito tras éxito entre y hasta que el rock n' roll de repente se convirtió en un fenómeno. Posteriormente, el atractivo de la música pop de Fisher comenzó a decaer. Una de las fotografías más icónicas de la actriz británico-austriaca Mara Lane es una con un bikini de rayas rojas y blancas junto a la piscina del hotel Sands.

Tomada por el renombrado fotógrafo Slim Aarons, la imagen es la definición misma del glamour de las celebridades de Las Vegas durante la década de Esta imagen es una rara foto del detrás de escena de una foto.

Aarons hizo literalmente todo lo posible para lograr la toma perfecta. Gracias a Dios existen las escaleras extensibles. Lane ascendió durante la década de y principios de la de , cuando apareció en más de 30 películas en alemán e inglés.

Es extraño que nadie parezca recordarla ahora. El matrimonio de Eddie Fisher con Debbie Reynolds se vino abajo en , cuando su amigo cercano Mike Todd murió en un accidente aéreo. Todd estaba casado con Elizabeth Taylor en ese momento.

Fisher estuvo allí para ayudar a Taylor mientras ella estaba de duelo y finalmente comenzaron una aventura. El escándalo repercutió en Hollywood. En , Eddie Fisher dejó a su esposa y se casó con Taylor en Las Vegas, pocas horas después de su divorcio. De hecho, la pareja se casó en la sinagoga de Las Vegas ¿Estaba Fisher siendo deliberadamente desafiante?

Quizás fue su respuesta a todas las lenguas turbulentas. El divorcio fue devastador para Reynolds, ya que Taylor y ella habían sido buenas amigas durante años. O eso creyó. Sammy Davis Jr. fue uno de los primeros artistas afroamericanos en Las Vegas en recibir el mismo trato.

Antes de eso, estos establecimientos ni siquiera los acogían y les daban alojamiento fuera del hotel. Davis Jr. pudo romper las divisiones de color en gran parte gracias a su amistad con Frank Sinatra y el Rat Pack. No era sólo un beneficio social, sino un punto de entrada a un mundo al que siempre había aspirado y que había eludido a tantos artistas negros.

Entrar fue la mitad de la batalla ganada. Su audiencia era enteramente blanca. Los clubes en los que actuaba todavía atendían a gente de color lejos del bar principal.

Aquí aparece fotografiado con Clint Eastwood en en el Hotel Sands. Elizabeth Taylor perdió a su anterior marido, Mile Todd, en un accidente aéreo.

Acudió a su mejor amigo, Eddie Fisher, quien se convirtió en su hombro para llorar. Poco después estaban teniendo una aventura secreta. La pareja se casó, pero no sin antes provocar una tormenta en Hollywood y alienar a Debbie Reynolds, la esposa de Fisher y mejor amiga de Taylor.

Es seguro decir que muchos corazones fueron rotos en el camino. Incluso los suyos, ya que, lamentablemente, se divorciaron en Es sabido que la historia se repitió.

Se casó con Burton el mismo año en que se divorció de Fisher. Uno nunca sabía qué esperar en Las Vegas en la década de Esta es una imagen poco común de las chicas sin sus elaborados trajes e insignias.

Joy Skylar izquierda y Florence Walters derecha parecen estar disfrutando de un tiempo de inactividad mientras practican un poco para un torneo especial de golf de coristas.

El torneo de contó con 14 coristas de siete hoteles turísticos diferentes en Las Vegas que compitieron en el Desert Inn Country Club. El Golden Nugget, en Freemont Street, era uno de los lugares más populares de la ciudad. Construida en por Guy MacAfee, ¡era la mejor y más grande casa de juego de la ciudad, sin excepción!

McAfee pronto se convirtió en el personaje más reconocido y temido de Las Vegas. Según trascendió, el hombre gastó más de 1 millón de dólares para abrir el casino Golden Nugget el 30 de agosto. Es más, McAfee un ex policía se ganó la reputación de hacer cualquier cosa con fines comerciales.

El magnate inmobiliario Steve Wynn compró una participación en el Nugget. Para era el principal accionista y el propietario de casinos más joven de la ciudad. Podríamos estar afirmando aquí lo obvio.

Pero está claro que Las Vegas ha sido históricamente un lugar popular para fiestas de solteros. Y esa tradición sigue vigente hasta el día de hoy. En esta foto podemos ver a un grupo de amigos en pleno fin de semana de solteros.

Y el hotel en el que se alojaban. En concreto, estos chicos estaban celebrando la inminente boda de su amigo con una divertida partida de waterpolo en la piscina del hotel. Sin embargo, decidieron darle un pequeño giro al juego, utilizando una pelota de playa gigante.

Se alojaron en el famoso Hotel Flamingo. Estados Unidos en la posguerra era un lugar lleno de posibilidades y los viajes glamorosos ocupaban un lugar destacado en la lista de todos. Los carteles y los anuncios impresos fueron populares desde finales del siglo XIX, pero realmente despegaron después de la guerra y hasta bien entrada la década de Las Vegas era un destino muy solicitado, donde el sol brillaba, los juegos de azar eran legales, el vino fluía libremente y las noches estaban destinadas a ser salvajes y libres.

Este póster de viaje vintage de los años 50 ofrece una ventana al atractivo de Las Vegas y al glamour que llegó a definir el turismo durante ese período. Muchos de estos carteles, especialmente las obras del cartelista David Klein, ayudaron a crear el estilo de vida del jet set. El amor de Mickey Rooney por Las Vegas es bien conocido.

El artista dedicó la mayor parte de su vida al estilo de vida colorido y al exceso. Le encantaban las fiestas, los juegos de azar y el alcohol, todo lo cual eventualmente lo arruinaría.

También le encantaban las damas. Se casó con ocho personas a lo largo de su vida en capillas de Las Vegas , incluida Martha Vickers, que aparece aquí, muy disgustada por lo que está a punto de sucederle.

Rooney nunca encontró un amor duradero y, para el final de su vida, su suerte se había acabado. Quedó en quiebra. Pero cuando realizaba su acto característico bajo las brillantes luces de los escenarios de Las Vegas, era una leyenda. Construido en , el Moulin Rouge fue el primer hotel y casino integrado en Las Vegas.

Antes de eso, a los afroamericanos se les negaba la entrada a menos que fueran personal o artistas. El Moulin Rouge abrió sus puertas durante una lucha por los derechos civiles.

Los residentes negros de la ciudad buscaban igualdad de derechos para cenar y alojarse en hoteles del Strip, desafiando la segregación de la ciudad. Dirigido por el inversor Will Max Schwartz, el Moulin Rouge tenía al boxeador Joe Louis como portavoz y copropietario.

Rápidamente se convirtió en un centro para invitados blancos y negros, incluidas celebridades como Ella Fitzgerald y Frank Sinatra, ya que era el único lugar en Las Vegas, racialmente dividida, donde artistas de todas las razas podían socializar.

El Moulin Rouge allanó el camino para establecimientos más integrados en toda la ciudad e incluso en el país. Las Vegas saca a relucir la felicidad de todos, pero el actor Kim Novak lucía especialmente eufórico en el hotel Sands de Las Vegas.

La cámara capturó el momento exacto en que Novak gritó "¡Tú ganas! La apuesta ganadora fue el número cinco, que Craig hizo por teléfono. La columnista escuchó el grito emocionado de Novak por teléfono, mientras esperaba pacientemente mientras la rueda giraba.

Sus ganancias sumaron la impresionante cantidad de dólares, los cuales fueron destinados en su totalidad a la Sociedad Nacional de Niños Lisiados. Estados Unidos ha tenido una historia tumultuosa con el juego y los males sociales asociados con él.

Hemos visto numerosos escándalos y fraudes de loterías a lo largo de los años. Pero las carreras de caballos y las apuestas en carreras se remontan a mucho tiempo atrás y en su mayoría siguen siendo legales en todo Estados Unidos.

Cada estado tiene sus propias regulaciones. Las apuestas en carreras de caballos siguieron siendo populares incluso cuando Nevada legalizó las apuestas deportivas en Era común encontrar gente acudiendo en masa a una de las casas de apuestas del Strip.

Muchos disfrutaban de la antigua emoción de las apuestas en carreras de caballos, mientras que otros necesitaban un descanso de las pérdidas de las mesas de dados.

Noel Coward luce guapo y elegante con el desierto de Nevada de fondo. La imagen fue tomada en , cuando Coward llegó a Las Vegas para su primera aparición en un club nocturno estadounidense.

Para entonces, la estrella británica se había hecho famosa. Era un verdadero caballero inglés: elocuente, bien vestido, generalmente visto con un cigarro en una mano y frases ingeniosas listas.

Coward era famoso por sus actos cómicos que incluían canciones y bromas encantadoras. También era conocido por obras como "Private Lives", "Blithe Spirit" y "Hay Fever". No sorprende que el hombre tuviera legiones de admiradores y se ganara el apodo de "El Maestro". Aquí vemos jugadores en el casino The Mint en Probablemente lo hayas hecho.

Este es el mismo casino que aparece en la novela de Hunter S. Thompson de "Miedo y asco en Las Vegas". The Mint fue fundado por Milton Prell en Para entonces ya había trabajado en lugares como el Club Bingo, renovado más tarde como el Sahara.

Prell no se quedó mucho tiempo. Vendió todo a Del Webb y al año siguiente comenzaron a trabajar en un hotel de 22 pisos que debía costar cinco millones de dólares. Cuando fue terminado en , había crecido hasta los 25 pisos y era el segundo edificio más alto de Nevada, justo después de The Landmark.

En la foto de arriba se ve a un montón de gente jugando a las máquinas tragamonedas en Mae West y Las Vegas eran una combinación natural.

Ella dijo: "Demasiado de algo bueno puede ser maravilloso", lo que fácilmente podría ser el lema tanto de su vida como del audaz patio de recreo en el desierto que es y siempre ha sido Las Vegas. La actriz, dramaturga y cómica conocida por su estilo de humor obsceno hizo su debut en Las Vegas en el Hotel Sahara en Subió al escenario rodeada de las primeras versiones de los extravagantemente musculosos Chippendales.

Pero las razones de West para terminar en Las Vegas fueron mucho menos soñadas. Hollywood no pudo con ella. Se había hecho conocida en el cine durante la Gran Depresión, pero los censores de Hollywood intervinieron y básicamente acabaron con su carrera cinematográfica.

Si bien esta es un recuerdo lejano, logró forjar una carrera tremendamente exitosa en la escena de los clubes de Las Vegas. La historia de amor de Rita Hayworth y Dick Haymes fue un torbellino.

Se conocieron cuando él todavía estaba casado y su carrera como cantante se desvanecía. Cuando Hayworth entró en escena y asistió a sus actuaciones, su audiencia creció de repente.

Los problemas económicos afectaron duramente a Haymes: sus numerosas ex esposas exigieron manutención de los hijos, lo que incluso dio lugar a órdenes de arresto. Hayworth dio un paso al frente y pagó la mayoría de sus deudas.

Pero Haymes no tenía ciudadanía estadounidense y los funcionarios habían estado observando su deportación a Argentina. Esperaba que Hayworth interviniera y así lo hizo. En esta imagen, Hayworth firma su licencia de matrimonio horas después de que Haymes se divorciara de Nora Eddington Haymes.

La pareja se casó el 24 de septiembre de en el Hotel Sands. Las celebraciones incluyeron una procesión por el casino. La mayor parte de lo que creemos saber sobre el Hotel Flamingo y Benjamin "Bugsy" Siegel proviene de la película "Bugsy" de La realidad fue bastante diferente, especialmente la noche de estreno del Flamingo en Olvídate de lo que pasó en la película, porque la noche del estreno fue importante.

Tuvieron una gran inauguración especial de tres noches. Primero, dos noches para los locales, luego una tercera noche para las celebridades.

La noche del estreno fue salvaje: hubo un atasco en el estacionamiento y, cuando se abrieron las puertas, fue como una carrera por el Salvaje Oeste. La fiesta de apertura no se parecía a nada que Las Vegas hubiera visto.

Alfombras, cortinas y platos elegantes llenaban el lugar, así como camiones llenos de adornos florales: coronas, herraduras y cestas. Antes de su presidencia, John F. Kennedy visitaba con frecuencia el Hotel Sands, durante la década de Como amigo de Frank Sinatra, el eventual presidente número 35 aparecía a menudo en actuaciones en Las Vegas.

Ambos se conocieron cuando Sinatra cantó "The House I Live In" en un mitin demócrata. La canción ganó un Oscar especial en Sinatra y Kennedy comenzaron a verse con más frecuencia, a veces en la suite del hotel del joven senador o en la casa de Sinatra en Palm Springs.

Para entonces, el cantante ya era dueño de una parte del elegante casino Sands en Las Vegas. Aquí está Kennedy fotografiado con Peter Lawford, su cuñado, quien también era miembro del famoso Rat Pack. Tanto Sinatra como Kennedy tenían algo que el otro quería. Cuando Kennedy aspiraba a la presidencia, el integrante del Rat Pack se convirtió en su animador.

Annie Banks, conocida como "Tempest Storm", dominaba la escena del baile burlesco y actuaba habitualmente en los clubes de Las Vegas.

Incluso se ganó el título de "la reina de las bailarinas exóticas" durante su mejor momento. Nacida en Eastman, Georgia, en , se mudó a Hollywood y adoptó el nombre de Tempest Storm cuando cumplió 17 años.

Pronto, consiguió algo impresionante: un contrato de 10 años con la cadena de burlesque Bryan-Engels, que le garantizaba Esto la convirtió en la estrella del burlesco mejor pagada de la historia.

En su vida personal, Storm estuvo vinculada sentimentalmente con nombres famosos como Elvis Presley, Mickey Rooney, Louis Armstrong, Sammy Davis Jr. e incluso el gángster Mickey Cohen.

La carrera de Tempest Storm abarcó más de 60 años y también dejó su huella en la pantalla. Recientemente, apareció en un documental que exploraba la fascinante historia de su vida.

Los rodeos juveniles estaban de moda en aquel entonces. Todos querían ver a vaqueros diminutos mostrando sus talentos de rodeo con la misma energía que los profesionales. Desde pequeños toros hasta veloces carreras de barriles, estos eventos eran una maravilla.

Las familias y los lugareños se reunían para animar a estas jóvenes estrellas del rodeo, transmitiendo el espíritu vaquero. Esos rodeos juveniles de Las Vegas fueron el comienzo de un legado para los aspirantes a maestros del rodeo.

En , se estableció en Texas la American Junior Rodeo Association con un modelo similar al de la Pro Rodeo Cowboys Association. Cuando Wilbur Clark's Desert Inn abrió sus puertas por primera vez en , el letrero engañoso en el frente mostraba un árbol de Josué sin mucho más a su alrededor. Pero por dentro era otra cosa.

Artistas de renombre estuvieron allí para celebrar lo que se consideró "la inauguración más sorprendente que Las Vegas haya visto jamás". La noche de apertura contó con las actuaciones de Edgar Bergan, Charlie McCarthy, Mortimer Snerd, Vivian Blaine y la Ray Noble Orchestra.

El Desert Inn fue el quinto complejo construido en el Strip. Presentaba comodidades alucinantes como un campo de golf de 18 hoyos y una hermosa plataforma de observación con vistas a todas las piscinas.

La sala de entretenimiento del hotel, el "Crystal Showroom", acogió a leyendas como Bobby Darin, Liberace y Howard Hughs. No todos los hoteles de Las Vegas fueron un éxito automático.

Algunos de ellos atravesaron épocas difíciles. Uno de ellos fue el Showboat Hotel, que abrió sus puertas en en el extremo norte de Boulder Strip. Fue construido por los incondicionales de Las Vegas William J.

Moore y J. Kell Houssels, los mismos chicos involucrados en la construcción del Last Frontier Hotel Casino y Las Vegas Club. Pero el Showboat pretendía ser diferente. Fue el primer lugar elegante justo en el corazón de la Ciudad del Pecado. El hotel pasó por algunos años difíciles hasta que se les ocurrió una oferta de desayuno súper barata que superó a los establecimientos de la competencia.

El desayuno atrajo a la multitud. Fue un éxito entre los residentes locales. Lamentablemente, fue demolido en A pesar de su éxito, comenzaron a surgir problemas en su amistad. Martin pensó que Lewis estaba siendo demasiado controlador con su trabajo. Consideró actuar solo.

Lewis realmente admiraba a Martin y se sentía herido por el hecho de que Martin quisiera irse. Terminaron sin hablarse más. Siguieron colaborando hasta El 25 de julio de , hicieron un último espectáculo juntos en Copacabana antes de separarse. Arriba hay una imagen de cuando Martin y Lewis actuaron juntos para un programa de ABC.

perdió su ojo izquierdo en un terrible accidente el 15 de noviembre de Había estado conduciendo toda la noche desde Las Vegas a Los Ángeles para una sesión de grabación. El accidente ocurrió alrededor de las 7 am cuando su auto chocó y su cara golpeó el volante de metal de su Cadillac verde lima. En aquella época los coches no venían con cinturones de seguridad como los tenemos ahora.

Terminó perdiendo el ojo debido al impacto y usó un ojo de vidrio por el resto de su vida. Después de la recuperación, volvió a los escenarios.

Durante la apertura de su primera actuación, el artista se quitó el parche y reveló su ojo de cristal. Luego continuó con normalidad con el espectáculo.

Sugar Ray Robinson fue una leyenda del boxeo, campeón mundial de peso welter de a A pesar de ganar millones en el ring, el boxeador enfrentó problemas financieros a mediados de la década de Pero no dio marcha atrás y encontró una nueva vocación: el mundo del espectáculo.

Aquí vemos a Robinson con las futuras estrellas del boxeo Greg Genochio y Jimmy Gay. Aunque hizo un buen trabajo bailando, Robinson siempre será recordado por sus movimientos en el ring. Además de las fiestas en hoteles y casinos, Nevada también fue un lugar de pruebas para explosiones nucleares.

Por si lo olvidaste, ¡allí también había una base militar! La prueba que se muestra aquí se realizó el 5 de julio de y probó la explosión de un dispositivo de 75 kilotones desde un globo. De a , el gobierno de Estados Unidos llevó a cabo la friolera de 1. El gobierno incluso instaló lugares especiales para probar cohetes nucleares y motores estatorreactores.

Toda una historia de exploración científica junto a los placeres de Las Vegas. Cuando la carrera de Sinatra atravesaba un momento difícil y sólo los casinos administrados por la mafia estaban dispuestos a recibirlo, comenzó a actuar en Las Vegas.

La suerte de Sinatra cambió en , cuando consiguió un Oscar por su papel en "De aquí a la eternidad". Fue una victoria tanto para él como para Las Vegas. Cada vez que Sinatra subía al escenario de un hotel de Las Vegas, la multitud acudía en masa.

Las Vegas se convertía en su patio de juegos. Estuvo más involucrado de lo que se podría pensar, ya que poseía una participación del dos por ciento del hotel Sands. Era un propietario de un casino ideal, porque él mismo era un ávido jugador.

Aquí podemos verlo negociando baccarat en el Sands Casino en Después de múltiples desarrollos fallidos, el sitio propiedad de Charles Pop se vendió y Bugsy Siegel construyó el Flamingo Hotel and Casino en Siegel se sintió particularmente atraído por Las Vegas en gracias a su gran interés por los juegos de azar legalizados y las apuestas fuera de las pistas.

Compró el hotel El Cortez por Gracias a este dinero y a un poco de ayuda de sus amigos del crimen organizado, Siegel se hizo cargo del proyecto del Hotel Flamingo.

Fue el primer hotel de lujo de la zona y supuestamente recibió el nombre de la novia de Siegel, Virginia Hill, a quien apodaban "Flamingo". Porque tenía el pelo llameante y unas piernas que supuestamente se extendían por kilómetros. Louis Prima, nativo de Luisiana, también conocido como "el rey del swing", era un artista popular en los salones de Las Vegas en los años El trompetista se mudó allí con su esposa, Keely Smith.

El éxito llegó a Prima durante la década de , cuando sacudió el escenario con un equipo de siete integrantes de Nueva Orleans. Ciertamente se adaptó a los tiempos. En la década de dirigió un combo de swing y para ya dirigía una big band en toda regla. Pero aquí es donde la cosa se vuelve realmente interesante: en la década de , cambió su vibra de big band por una elegante banda lounge que iluminó las noches de Las Vegas.

El club en el que actuaba estaba constantemente lleno. Sinatra incluso invitó a Prima a actuar en la fiesta de inauguración de Kennedy. Las Vegas fue el hogar de muchas producciones cinematográficas icónicas, entre las que destaca la película de atracos "Ocean's Eleven".

El rodaje tuvo lugar en y estuvo protagonizada por Dean Martin, Frank Sinatra, Sammy Davis Jr. y Angie Dickinson. Aunque la película rezumaba "cool" en cada fotograma, la gente la descartó como una elegante película casera para el Rat Pack.

Después de todo, la filmaron mientras hacían malabarismos con sus conciertos nocturnos en el glamoroso Sands Hotel. La película tenía todo tipo de chistes internos que sólo la manada entendería.

Es más, ¡una buena parte del guión ni siquiera estaba escrito! El Rat Pack, como los pioneros que eran, se dejó llevar e improvisó las diferentes escenas. En , Liberace visitó Las Vegas para una de sus icónicas estancias en la Riviera.

Es sabido que se detuvo para admirar los árboles en Marylin Parkway. La gente visitaría ese lugar 32 años después para su funeral. Hizo su primer show en noviembre de Fue un lugar que dio forma a su increíble personalidad escénica. Evolucionó como artista y ser humano. Liberace reinó en Las Vegas durante décadas.

Cuando falleció, geniales objetos de colección antiguos, autos personalizados y trajes elegantes ingresaron a un museo al que acuden hoy sus fans y los amantes de la música. Este museo financia becas para aspirantes a músicos o artistas.

Este es uno de los hoteles más antiguos de Las Vegas, que aún existe. Abrió sus puertas en noviembre de y actualmente se encuentra en el Registro Nacional de Lugares Históricos.

Al principio, todos pensaban que el lugar estaba demasiado lejos del centro, pero rápidamente se convirtió en una máquina de hacer dinero.

Los peces gordos del casino como Bugsy Siegel, Meyer Lansky, Gus Greenbaum y Moe Sedway no pudieron resistirse. Se juntaron y se apoderaron de la propiedad en por la friolera de Kell Houssels, el propietario anterior. Si bien el interior ha sido renovado innumerables veces, el exterior sigue siendo prácticamente el mismo.

La actriz Debra Paget era famosa por sus actuaciones en películas como el clásico de Cecil B. DeMille "Los Diez Mandamientos", "Love Me Tender" y la atrevida danza de la serpiente en "The Indian Tomb". Pero su carrera cinematográfica había comenzado mucho antes, cuando solo tenía 15 años.

El momento que cambió todo para Paget fue cuando consiguió un papel junto a James Stewart en la película western de llamada "Broken Arrow". Llamó la atención de 20th Century Fox, quien le ofreció un contrato. Paget se convirtió en una de sus mayores estrellas. En un momento de su carrera, fue considerada la mujer que más cartas de admiradores recibió, más incluso que Marylin Monroe.

Llegó y compartió pantalla con Elvis Presley en el musical "Love Me Tender". El propio Presley la llamó "la chica más bella del mundo". Casi salen, pero la madre de Paget no estuvo de acuerdo.

Elizabeth Taylor y Eddie Fisher se casaron en Temple Beth Shalom el 12 de mayo de Este fue el tercer matrimonio de Taylor y el segundo de Fisher. R: Hay varios consejos para afrontar el miedo al rechazo de los inversores. Primero, concéntrate en lo que puedes controlar.

No puede controlar si un inversionista decide o no invertir en su negocio, pero puede controlar qué tan bien preparado está para la reunión y qué tan seguro parece al presentar su idea de negocio.

Además, practique un diálogo interno positivo y recuerde que los inversores rechazan ideas todo el tiempo; eso no significa que la suya no sea buena. Por último, no permita que una mala experiencia le desanime a la hora de buscar otros inversores potenciales.

El miedo al rechazo de los inversores es una experiencia común entre los emprendedores, pero no tiene por qué impedirle alcanzar el éxito. Si se prepara para las reuniones, maneja bien el rechazo y se concentra en lo que puede controlar, podrá superar este miedo y convertirse en un empresario exitoso.

Tenía solo 21 años cuando conocí a Eren Bali y Oktay Caglar en el Founder Institute , el acelerador de startups más grande. Ha habido más de 40 fundadores de negocios buscando socios tecnológicos.

El rechazo de los inversores es algo común entre los empresarios que buscan financiación para su negocio. Puede ser difícil de aceptar, pero es importante recordar que el rechazo no es personal y no es un reflejo de la calidad de su negocio.

Hay varias formas de superar el miedo al rechazo de los inversores y utilizarlo como un trampolín hacia el éxito. Una forma de superar el miedo al rechazo de los inversores es recordar que el rechazo no es personal.

Es importante tener esto en cuenta al tratar con inversores. No te están rechazando como persona, están rechazando tu idea negocio. Es importante tener esto en cuenta para no tomar el rechazo como algo personal. Otra forma de superar el miedo al rechazo de los inversores es utilizarlo como motivación.

Utilice el rechazo como motivo para trabajar más duro y demostrar que los inversores están equivocados. Muéstrales que eres resiliente y que puedes superar cualquier obstáculo.

Finalmente, es importante recordar que el rechazo no es un reflejo de la calidad de su negocio. Hay muchos factores que influyen en si un inversor invertirá o no en su negocio. No permita que un rechazo le impida buscar financiación para su negocio.

Si tiene estas cosas en mente, podrá superar el miedo al rechazo de los inversores y utilizarlo como un trampolín hacia el éxito.

Al igual que el Sr. Trump, un hombre de negocios y emprendedor de oficio, he visto de primera mano la importancia de "Hecho en EE. Testimonios: historias reales de éxito en actividades grupales con 'GatherInTheStops'.

El poder de los testimonios : escuchar a participantes reales. Cuando se trata de actividades grupales , los testimonios desempeñan un papel crucial a la hora de mostrar la eficacia y el éxito de una plataforma como 'GatherInTheStops'. Estos relatos de primera mano brindan información valiosa sobre las experiencias de personas que han utilizado la plataforma para planificar y ejecutar actividades grupales.

Los testimonios no solo ofrecen una idea de los resultados positivos logrados, sino que también resaltan las características y beneficios únicos que 'GatherInTheStops' aporta. Profundicemos en algunas historias reales de éxito de actividades grupales y exploremos cómo esta plataforma ha marcado una diferencia en la vida de las personas.

Jane, una entusiasta de la naturaleza y ávida excursionista, decidió iniciar un club de aventuras a través de 'GatherInTheStops' para conectarse con personas con ideas afines y explorar nuevos senderos juntos. Con la ayuda de la interfaz fácil de usar de la plataforma, Jane organizó sin esfuerzo caminatas semanales y actividades al aire libre.

A través de su testimonio, Jane enfatiza cómo 'GatherInTheStops' simplificó el proceso de planificación, permitiéndole concentrarse en crear experiencias memorables para su grupo. Las herramientas de comunicación integradas de la plataforma, como mensajes grupales y notificaciones de eventos, aseguraron una coordinación perfecta entre los participantes, lo que dio como resultado un próspero club de aventuras.

A Mark, líder de equipo en un entorno corporativo, se le asignó la tarea de organizar una actividad de formación de equipos que fomentara la colaboración y elevara la moral. Después de explorar varias opciones, Mark recurrió a 'GatherInTheStops' para planificar una búsqueda del tesoro en la ciudad.

Las capacidades integrales de gestión de eventos de la plataforma le permitieron a Mark personalizar la actividad, configurar puntos de control y asignar tareas a diferentes equipos.

El testimonio de Mark destaca cómo 'GatherInTheStops' no solo facilitó la comunicación efectiva del equipo sino que también proporcionó una interfaz fácil de usar para seguir el progreso y anunciar los ganadores. El exitoso evento de formación de equipos dejó un impacto positivo duradero en todo el equipo.

Sarah, una ávida lectora, quería crear una comunidad de club de lectura en línea que trascendiera las fronteras geográficas. El testimonio de Sarah enfatiza cómo las características del evento virtual de la plataforma, como videoconferencias y capacidades de documentos compartidos, le permitieron organizar interesantes debates sobre libros y fomentar conexiones significativas entre los participantes.

Con 'GatherInTheStops', la comunidad del club de lectura de Sarah floreció, reuniendo a amantes de los libros de diferentes partes del mundo para compartir su pasión por la literatura. Comparación de opciones : por qué se destaca 'GatherInTheStops'.

A la hora de considerar opciones para organizar actividades grupales , es fundamental comparar diferentes plataformas y determinar cuál se adapta mejor a tus necesidades. Interfaz fácil de usar: 'GatherInTheStops' cuenta con una interfaz intuitiva que simplifica la planificación y gestión de actividades grupales.

Su diseño de fácil navegación garantiza una experiencia perfecta tanto para los organizadores como para los participantes. Herramientas de comunicación integradas: las herramientas de comunicación integradas de la plataforma, que incluyen mensajes grupales y notificaciones de eventos, promueven una coordinación eficiente y garantizan que todos se mantengan informados.

Opciones de personalización: 'GatherInTheStops' permite a los organizadores adaptar las actividades grupales según sus preferencias, ya sea una aventura física , una reunión virtual o una combinación de ambas.

Capacidades de eventos virtuales: con la creciente demanda de actividades remotas, 'GatherInTheStops' ofrece funciones de eventos virtuales que permiten interacciones en línea fluidas, lo que la convierte en una plataforma versátil para todo tipo de actividades grupales.

Creación de comunidad: 'GatherInTheStops' no solo facilita la planificación de eventos, sino que también fomenta la creación de comunidad al conectar a personas con ideas afines y brindar una plataforma para experiencias compartidas. Al aprovechar estas características únicas, 'GatherInTheStops' emerge como la mejor opción para organizar actividades grupales exitosas, como lo demuestran los testimonios y las experiencias positivas de sus usuarios.

Los testimonios compartidos anteriormente sirven como prueba de la eficacia y el éxito de 'GatherInTheStops' a la hora de facilitar actividades grupales. Estas historias reales resaltan la capacidad de la plataforma para unir a las personas, fomentar conexiones y crear experiencias memorables.

Si eres un entusiasta de la aventura, un líder de equipo o alguien que busca construir una comunidad en torno a un interés compartido , 'GatherInTheStops' ofrece las herramientas y recursos para hacer que la actividad de tu grupo sea un éxito rotundo.

Historias reales de éxito en actividades grupales con GatherInTheStops - Actividades grupales Adoptar actividades grupales con GatherInTheStops. A medida que envejecemos, a menudo nos enfrentamos a numerosos cambios y desafíos que requieren que nos adaptemos y ajustemos a nuevas circunstancias.

La capacidad de aceptar el cambio y navegar a través de los giros y vueltas de la vida es una habilidad valiosa que se vuelve aún más crucial en nuestra tercera edad. En esta sección, exploraremos historias de la vida real sobre adaptabilidad en personas mayores , mostrando su sabiduría en acción y las lecciones que podemos aprender de sus experiencias.

Adoptar la tecnología: en la era digital actual, la tecnología juega un papel importante en nuestra vida diaria. Si bien algunas personas mayores pueden sentirse aprensivas acerca del uso de nuevos dispositivos y plataformas, muchas han adoptado la tecnología con los brazos abiertos.

Tomemos el ejemplo de Martha, una mujer de 80 años que decidió aprender a usar un teléfono inteligente para mantenerse conectada con su familia y amigos.

A pesar de los desafíos iniciales, perseveró y ahora es una ávida usuaria de las redes sociales, las videollamadas y las compras en línea. La historia de Martha nos recuerda que nunca es demasiado tarde para aprender nuevas habilidades y adaptarse al cambiante panorama tecnológico.

Reinventar carreras: la jubilación no significa necesariamente el final de su trayectoria profesional. Muchas personas mayores optan por reinventarse y embarcarse en nuevas carreras o perseguir sus pasiones después de jubilarse.

John, un maestro jubilado, descubrió su amor por la carpintería y comenzó una pequeña empresa de fabricación de muebles personalizados. Al adaptar sus habilidades y encontrar un nuevo propósito, John no sólo encontró satisfacción sino que también creó un negocio próspero. Su historia nos enseña que nunca es demasiado tarde para seguir nuestros sueños y explorar nuevos caminos.

Adaptarse a las limitaciones físicas: A medida que envejecemos, pueden surgir limitaciones físicas, por lo que es necesario adaptar nuestros estilos de vida y rutinas diarias. Sin embargo, las personas mayores suelen mostrar una resiliencia y adaptabilidad notables ante tales desafíos.

A Sarah, una mujer de 75 años, le diagnosticaron artritis, que afectaba su movilidad. En lugar de dejar que eso la obstaculizara, comenzó a practicar yoga y modificó su rutina de ejercicios para adaptarla a sus necesidades. Gracias a su determinación y adaptabilidad, Sarah no sólo controló su condición sino que también mejoró su bienestar general.

Su historia nos recuerda que adaptarse a las limitaciones físicas puede generar nuevas oportunidades de crecimiento y autocuidado. Navegar por las transiciones de la vida: La vida está llena de transiciones y las personas mayores a menudo enfrentan cambios significativos, como una reducción de personal, una mudanza a una nueva ciudad o la pérdida de un ser querido.

Estas transiciones pueden resultar desalentadoras, pero también brindan una oportunidad de crecimiento personal. James, un viudo de unos 70 años, se encontró enfrentando la soledad y el aislamiento después de que falleció su esposa.

En lugar de sucumbir a la desesperación, se unió a un centro comunitario local y participó activamente en actividades sociales y trabajo voluntario. Al aceptar sus nuevas circunstancias y buscar una conexión, James no sólo encontró apoyo sino que también descubrió un renovado sentido de propósito.

Su historia destaca la importancia de adaptarse a las transiciones de la vida y buscar nuevas experiencias. Cultivar la resiliencia: Las personas mayores a menudo poseen una gran experiencia de vida, que puede ser una fuente de sabiduría y resiliencia cuando se enfrentan a la adversidad.

A pesar de estas dificultades, mantuvo una perspectiva positiva y una actitud de nunca darse por vencido. La resiliencia y adaptabilidad de Emma le permitieron superar obstáculos y encontrar alegría en las cosas más simples.

Su historia sirve como un poderoso recordatorio de que la resiliencia es un ingrediente clave para adaptarse al cambio y prosperar en circunstancias difíciles. Estas historias de la vida real sobre adaptabilidad en personas mayores demuestran el poder de la sabiduría en acción.

Al aceptar el cambio, las personas mayores no sólo superan los desafíos de la vida sino que también nos inspiran a cultivar nuestra propia adaptabilidad. Ya sea adoptando la tecnología, reinventando carreras, adaptándose a las limitaciones físicas, navegando por las transiciones de la vida o cultivando la resiliencia, las personas mayores nos muestran que la adaptabilidad es un viaje de por vida que vale la pena seguir.

Historias reales de adaptabilidad en personas mayores - Adaptabilidad prosperar en el cambio como los problemas experimentados fomentan la adaptabilidad. La sala de ajuste es un lugar de transformación.

Es donde nos probamos la ropa, nos miramos en el espejo y decidimos si un atuendo es adecuado para nosotros. A veces, salimos de la sala de ajuste sintiéndonos como un millón de dólares, mientras que otras veces, salimos sintiéndonos derrotados y desanimados. Es por eso que he decidido dedicar una sección de este blog a las historias de la sala de ajuste: lo bueno, lo malo y lo feo.

Quiero compartir historias reales de triunfo y decepción, y proporcionar información desde diferentes puntos de vista. Estas son algunas de las cosas que puede esperar encontrar en esta sección:. Una colección de historias de la sala de ajuste de diferentes personas.

Compartiré historias de personas de todas las formas, tamaños y antecedentes. El objetivo es demostrar que todos tienen su propia experiencia única en la sala de ajuste, y que todos enfrentamos nuestros propios desafíos cuando se trata de encontrar el atuendo perfecto.

consejos para aprovechar al máximo la experiencia de su sala de ajuste. Ya sea que se esté probando la ropa para una ocasión especial o simplemente buscando algunas piezas nuevas para agregar a su guardarropa, hay cosas que puede hacer para que la experiencia de la sala de ajuste sea más agradable y productiva.

Compartiré consejos y trucos para todo, desde lidiar con una iluminación dura hasta encontrar el tamaño correcto. Consejos de expertos en moda.

Entrevistaré a expertos en moda y estilistas para obtener su opinión sobre la etiqueta de la sala de ejercicios, cómo saber si un atuendo es adecuado para usted y otros temas importantes.

Por ejemplo, un experto podría sugerir que siempre se pruebe la ropa con la ropa interior correcta, mientras que otro podría recomendar que traiga a un amigo de confianza para una segunda opinión. Una exploración de la positividad corporal y el amor propio. Finalmente, quiero que esta sección sea un lugar donde podamos hablar abiertamente sobre la imagen corporal y la autoestima.

Compartiré historias de personas que han aprendido a amar sus cuerpos y adoptaré su estilo único. También discutiré los desafíos que vienen con aprender a amarte a ti mismo y proporcionar recursos para cualquiera que necesite un poco de apoyo adicional.

En general, espero que esta sección sea un lugar de comunidad y apoyo para cualquiera que haya tenido problemas para encontrar el atuendo correcto. Celebremos nuestras victorias y compadamos por nuestras pérdidas juntos.

Sección: Historias de éxito de mejoras en el hogar en la vida real. Embarcarse en un viaje de mejoras para el hogar suele ser una mezcla de emoción y anticipación, ya que los propietarios imaginan transformar sus espacios para adaptarlos mejor a sus necesidades y preferencias.

Las historias de éxito que siguen son testimonio del potencial de transformaciones notables , tanto en términos de mejorar los espacios habitables como de aumentar el valor de las propiedades.

Una historia de éxito notable proviene de la familia Thompson, que decidió renovar su anticuada cocina. Sopesaron opciones como un lavado de cara menor frente a una remodelación completa.

Al final, una renovación completa los convenció, ofreciéndoles una cocina moderna y funcional que mejoró significativamente el atractivo y el valor de reventa de su casa.

La adición de una isla, gabinetes nuevos y electrodomésticos de bajo consumo hicieron que el espacio no solo fuera estéticamente agradable sino también eficiente y rentable a largo plazo. Los Johnson optaron por mejoras energéticamente eficientes , incluidos paneles solares y un mejor aislamiento.

Esta elección no sólo redujo su huella ambiental sino que también generó ahorros sustanciales en sus facturas de energía. Si bien la inversión inicial fue considerable, los beneficios a largo plazo superaron con creces los costos.

Los Johnson descubrieron que ésta era la mejor opción, ya que se alineaba con su objetivo de una vida sostenible y lograr ahorros financieros. oasis al aire libre :. Transformar los espacios exteriores puede resultar tan gratificante como las renovaciones interiores.

La familia Martínez invirtió en una terraza y un paisajismo bien diseñados para crear un oasis al aire libre. Esta mejora les proporcionó un espacio para reuniones familiares y aumentó el atractivo de su hogar.

El éxito del proyecto se debió a una cuidadosa planificación y materiales de calidad, lo que lo convierte en una característica destacada al comparar diferentes opciones de mejora exterior. La familia Reynolds, ante el desafío de un baño pequeño y estrecho, optó por una renovación para crear un retiro espacioso.

Sus opciones incluyeron ampliar el espacio fusionando un armario adyacente y eligiendo una paleta de colores neutros que diera la ilusión de un área más grande. Esta transformación destacó la importancia de los cambios estratégicos de diseño y distribución, demostrando ser la mejor opción para maximizar la funcionalidad y el confort en un espacio reducido.

Estas historias de éxito de la vida real enfatizan la importancia de una planificación cuidadosa y de sopesar diferentes opciones según las necesidades, preferencias y presupuesto individuales.

Ya sea que se trate de una renovación de la cocina, mejoras de eficiencia energética , mejoras en el exterior o un retiro en el baño, la clave es alinear las mejoras elegidas con sus objetivos, garantizando que la inversión agregue valor a su hogar y enriquezca su estilo de vida. Historias reales de éxito en mejoras para el hogar - Aprovechar la ola de refinanciamiento utilizar el retiro de efectivo para mejoras en el hogar.

Una de las mejores formas de evaluar la confiabilidad y calidad de una agencia de viajes es escuchar a clientes satisfechos. En Bookingthebasis, estamos orgullosos de las experiencias positivas que han tenido nuestros clientes al asociarse con nosotros para sus necesidades de viaje.

En esta sección, compartiremos algunos testimonios de la vida real de nuestros clientes satisfechos, mostrando el servicio excepcional y las experiencias memorables que han disfrutado.

Testimonio 1 : La inolvidable luna de miel de Sarah. Sarah, una recién casada, contactó a Bookingthebasis para planificar la luna de miel de sus sueños en Bali. Estaba abrumada por la gran cantidad de opciones disponibles , pero nuestros agentes de viajes expertos la guiaron a lo largo del proceso, teniendo en cuenta sus preferencias y su presupuesto.

Sarah quedó encantada con el itinerario personalizado que creamos, que incluía alojamiento romántico frente a la playa, recorridos privados a templos pintorescos y tratamientos de spa rejuvenecedores.

Ella elogia nuestra atención al detalle y le da crédito a Bookingthebasis por hacer de su luna de miel una experiencia inolvidable. John, un viajero frecuente de negocios, estaba cansado de lidiar con la logística de sus viajes. Buscando una solución sin estrés, recurrió a Bookingthebasis en busca de ayuda.

Nuestro dedicado equipo entendió rápidamente sus requisitos y gestionó eficientemente todos los aspectos de su viaje, desde reservas de vuelos y hoteles hasta la organización de transporte con chofer. John quedó impresionado por la perfecta coordinación y la comodidad que le brindamos para ahorrar tiempo, permitiéndole concentrarse en su trabajo sin distracciones.

Recomienda encarecidamente Bookingthebasis a otros viajeros de negocios que busquen una agencia de viajes fiable y sin complicaciones. Testimonio 3 : La aventura familiar de Lisa. Lisa, madre de dos hijos, quería planificar unas vacaciones familiares memorables que atendieran los intereses de todos.

Se puso en contacto con Bookingthebasis y nuestros agentes escucharon atentamente sus necesidades y preferencias. Elaboramos un itinerario personalizado que incluía actividades para familias, alojamiento para niños e incluso contratamos un guía privado para garantizar la seguridad y el disfrute de los niños.

Lisa elogia nuestra capacidad para crear unas vacaciones completas y atractivas que dejaron a su familia recuerdos preciados para toda la vida. Consejos para elegir una agencia de viajes confiable :. María siempre había soñado con realizar un crucero de lujo para explorar el Mediterráneo, pero estaba abrumada por las numerosas opciones de cruceros disponibles.

Bookingthebasis intervino para ayudarla a navegar por el proceso de selección, considerando su itinerario preferido, los servicios a bordo y su presupuesto.

Nuestra experiencia en la industria de cruceros nos permitió encontrar la pareja perfecta para María, asegurándonos de que tuviera una experiencia inolvidable. Ella aprecia nuestro enfoque personalizado y nuestro asesoramiento experto, que hicieron realidad el crucero de sus sueños.

En Bookingthebasis estamos orgullosos de la satisfacción y confianza que nuestros clientes depositan en nosotros. Estos testimonios son sólo un vistazo de las muchas historias de éxito de las que hemos tenido el privilegio de ser parte. Nos esforzamos por ofrecer un servicio excepcional, itinerarios personalizados y experiencias inolvidables para todos y cada uno de los clientes.

Confíe en nosotros para ser su socio de viaje confiable y permítanos ayudarlo a crear recuerdos que durarán toda la vida. En esta sección, profundizamos en las experiencias y testimonios de los apasionados entusiastas de las mascarillas de Cilagi que han descubierto la última indulgencia del cuidado de la piel.

Estas personas provienen de diversos orígenes, cada uno con sus preocupaciones y objetivos de la piel únicos. Al compartir sus ideas, esperamos proporcionarle una comprensión integral del poder transformador de las máscaras faciales de Cilagi.

El poder de la hidratación: muchos usuarios han informado una mejora significativa en los niveles de hidratación de su piel después de incorporar máscaras faciales de cilagi en su rutina de cuidado de la piel.

Sarah, una profesional que trabaja en 32 años, comparte su experiencia: "Siempre he luchado con la piel seca , especialmente durante los meses de invierno. Pero desde que comencé a usar la máscara facial hidratante de Cilagi dos veces por semana, mi piel se siente regordeta yhidratado durante todo el día ".

Bancas de destrozado: los individuos propensos al acné han encontrado consuelo en la gama de máscaras faciales de Cilagi diseñadas específicamente para combatir los brotes. John, un estudiante de 26 años, revela su historia de éxito, "He intentado innumerables productos para controlar mi acné, pero nada parecía funcionar hastaNuevos brotes para ocurrir ".

Elixir que desafía la edad: para aquellos que buscan retroceder el reloj en la piel envejecida, Cilagi ofrece una gama de máscaras faciales antienvejecimiento que han obtenido críticas raves. Lisa, una madre de dos hijos de 45 años, comparte su deleite, "Después de usar la máscara facial de Cilagi durante unas pocas semanas, noté una reducción visible en líneas finas y arrugas.

Mi piel se siente más firme y joven que nunca antes. Sensaciones calmantes: las personas con piel sensible o irritada han encontrado alivio en las máscaras faciales suaves y relajantes de Cilagi.

Emma, una joven de 29 años con piel sensible , explica: "Siempre he dudado en probar nuevos productos para el cuidado de la piel debido a mi piel sensible.

Sin embargo, la máscara facial de Cilagi ha cambiado el juego. enrojecimiento o irritación y deja que mi piel se sienta renovada ". Soluciones personalizadas: una de las características más destacadas de las máscaras faciales de Cilagi es su capacidad para atender preocupaciones específicas para la piel.

Ya sea que se trate de la piel opaca , reduciendo la apariencia de los poros, o. Historias reales de los entusiastas de las mascarillas de Cilagi - Cilagi Face Masks descubriendo la ultima indulgencia del cuidado de la piel. En el mundo del vídeo marketing, la autenticidad es clave.

Los consumidores de hoy anhelan experiencias reales y genuinas y quieren conectarse con las marcas a nivel personal. Una de las formas más efectivas de lograrlo es utilizar personas reales e historias reales en sus campañas de video. Al presentar personas reales en tus videos, humanizas tu marca y la haces identificable para tu público objetivo.

Las personas quieren verse reflejadas en el contenido que consumen y utilizar personas reales te permite establecer una conexión genuina. Ya sea mostrando a sus empleados, clientes o incluso personas influyentes que se alinean con los valores de su marca, incorporar personas reales en sus videos ayuda a generar confianza y autenticidad.

Por ejemplo, la campaña "Belong Anywhere" de Airbnb presenta a anfitriones e invitados reales que comparten sus historias y experiencias. Al resaltar las perspectivas y orígenes únicos de personas de todo el mundo, Airbnb crea un sentido de comunidad y pertenencia, que resuena con su audiencia a nivel personal.

Cuente historias reales :. Las historias tienen un impacto poderoso en nuestras emociones y pueden dejar una impresión duradera. Al diseñar su campaña de video marketing, considere incorporar historias reales que se alineen con los valores de su marca y resuenen con su público objetivo. Estas historias pueden tratar sobre la superación de desafíos, el logro de metas o incluso experiencias cotidianas con las que su audiencia pueda identificarse.

La campaña "Real Beauty" de Dove es un gran ejemplo del uso de historias reales para conectarse con su audiencia. Al presentar mujeres de diferentes edades, tamaños y orígenes, Dove desafía los estándares de belleza tradicionales y celebra la belleza de las mujeres reales.

Esta campaña no sólo resuena con su público objetivo, sino que también crea una poderosa conexión emocional , lo que hace que el mensaje de marca de Dove sea más impactante. La autenticidad va de la mano de la transparencia. Cuando utilice personas reales e historias reales en su video marketing , es importante ser transparente sobre sus intenciones y el propósito detrás de su campaña.

Comunique claramente por qué eligió presentar personas o historias específicas y cómo se alinean con los valores de su marca. Por ejemplo, Patagonia, una marca de ropa para actividades al aire libre, creó la campaña "Worn Wear", mostrando a personas reales y su desgastado equipo Patagonia.

La campaña destaca el compromiso de la marca con la sostenibilidad y anima a los clientes a reparar y reutilizar sus productos en lugar de comprar otros nuevos.

Al ser transparente sobre su intención de promover prácticas sostenibles , Patagonia genera confianza y autenticidad con su audiencia. En conclusión, mostrar autenticidad mediante el uso de personas e historias reales en sus campañas de video marketing puede tener un impacto poderoso en su marca.

Al humanizar su marca, contar historias reales y ser transparente, puede establecer una conexión genuina con su audiencia y generar confianza.

Recuerde, la autenticidad es la clave para desbloquear el poder de la narración en sus esfuerzos de video marketing.

Utilizar personas reales e historias reales - Contar historias de marca liberar el poder de la narracion en su campana de video marketing. Cuando se trata de tomar decisiones de compra, los clientes potenciales a menudo buscan tranquilidad en otras personas que ya han experimentado el producto o servicio.

Aquí es donde entran en juego los testimonios, ya que brindan historias y experiencias reales que pueden influir en gran medida en el proceso de toma de decisiones de un cliente potencial.

Los testimonios tienen el poder de generar confianza, establecer credibilidad y, en última instancia, generar conversiones. En esta sección, exploraremos las diversas formas en que se pueden aprovechar los testimonios para superar las objeciones sobre los precios y conquistar a los clientes.

Aprovechar el impacto emocional: los testimonios tienen la capacidad de evocar emociones en los clientes potenciales, haciéndolos más identificables y dignos de confianza.

Por ejemplo, considere un producto de fitness que pretende ayudar a los usuarios a perder peso. En lugar de simplemente exponer las características y beneficios del producto, el testimonio de un cliente satisfecho que logró sus objetivos de pérdida de peso puede tener un impacto mucho mayor.

Al compartir su viaje personal, sus luchas y su éxito final, el testimonio crea una conexión emocional e inspira a otros a actuar. Resalte resultados específicos: al utilizar testimonios, es esencial centrarse en resultados específicos con los que los clientes potenciales puedan identificarse.

Por ejemplo, digamos que vende una aplicación de productividad. Estos resultados concretos proporcionan evidencia tangible del valor del producto, lo que facilita a los clientes potenciales justificar el precio.

Aproveche diferentes formatos: los testimonios pueden adoptar muchas formas, incluidas citas escritas, testimonios en vídeo, estudios de casos y menciones en las redes sociales.

Al aprovechar una variedad de formatos, puede satisfacer diferentes preferencias y captar la atención de un público más amplio.

Por ejemplo, los testimonios en vídeo se han vuelto cada vez más populares porque permiten a los clientes potenciales ver y escuchar el entusiasmo genuino de los clientes satisfechos. Además, compartir testimonios en plataformas de redes sociales puede ayudar a generar expectación y llegar a una audiencia más amplia.

Utilice personajes de clientes: para que los testimonios sean más efectivos, es importante alinearlos con su público objetivo. Al crear personajes de clientes, puede identificar los puntos débiles, los deseos y las objeciones específicos de sus clientes potenciales.

Luego, esta información se puede utilizar para seleccionar testimonios que aborden directamente estas inquietudes, proporcionando pruebas sociales que resuenen con su mercado objetivo. Por ejemplo, si su producto está dirigido a profesionales ocupados , el testimonio de un cliente que gestionó con éxito su carga de trabajo mientras utilizaba su producto sería muy relevante y persuasivo.

Incorpore historias de antes y después: una forma poderosa de mostrar el impacto de su producto o servicio es incorporando historias de antes y después en sus testimonios. Al resaltar la transformación que experimentó un cliente, puede demostrar el valor que aporta su oferta.

Por ejemplo, una marca de cuidado de la piel podría compartir un testimonio que muestre la condición de la piel del cliente antes de usar sus productos y cómo mejoró significativamente después.

Esta representación visual del progreso puede ser muy convincente y animar a los clientes potenciales a actuar. En conclusión, los testimonios son una herramienta valiosa para superar las objeciones sobre los precios y ganarse a los clientes.

Al aprovechar el impacto emocional, resaltar resultados específicos, aprovechar diferentes formatos, utilizar personajes de clientes e incorporar historias de antes y después, puede demostrar de manera efectiva el valor real de su producto o servicio.

Los testimonios proporcionan pruebas sociales y generan confianza, lo que los convierte en un componente esencial de cualquier estrategia de marketing. Historias reales, conversiones reales - Demostrar el retorno de la inversion como superar las objeciones de precios y ganarse a los clientes.

Refugiados económicos de Venezuela: escapando de una economía en colapso. La crisis económica en Venezuela ha obligado a millones de personas a huir de sus hogares en busca de mejores oportunidades y posibilidades de supervivencia. Con hiperinflación, escasez generalizada de artículos de primera necesidad y una infraestructura en ruinas, el país se ha vuelto prácticamente inhabitable para muchos.

Los refugiados económicos de Venezuela enfrentan numerosos desafíos mientras emprenden sus viajes, a menudo dejando atrás a sus familias y todo lo que saben. Estos países tienen economías relativamente más estables y ofrecen oportunidades de empleo y una mejor calidad de vida.

Sin embargo, la afluencia de refugiados venezolanos ha ejercido presión sobre los recursos y la infraestructura de estos países, lo que ha llevado a una mayor competencia por los empleos y un acceso limitado a los servicios sociales tanto para los locales como para los refugiados.

Estos viajes a menudo implican cruzar fronteras traicioneras, soportar largos períodos de incertidumbre y enfrentar el riesgo de explotación y trata de personas.

A pesar de los riesgos, algunos refugiados económicos creen que las oportunidades potenciales y los salarios más altos en estos países superan los peligros que pueden encontrar en el camino.

Esta opción les permite permanecer cerca de sus familias y de su entorno familiar mientras siguen buscando estabilidad económica.

Sin embargo, las limitadas oportunidades laborales y la falta de servicios básicos en muchas partes de Venezuela dificultan que los refugiados económicos encuentren medios de vida sostenibles dentro del país.

Refugiados sirios : reconstruir vidas en medio de la devastación.