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Talleres hechos a mano

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Un buen ejemplo de ello es el arte popular, en el que México es considerado un verdadero exponente. El estado costero de Guerrero se mantiene una tradición alfarera única en México y tiene en el poblado de San Agustín Oapan un importante centro de producción. Es muy especial el tratamiento que estos artesanos guerrerenses dan a sus piezas.

Otro de los estados de la República Mexicana que se caracteriza por la riqueza de su tradición artesanal es Michoacán. Esta hermosa colección de piñas esmaltadas es clara muestra de ello.

Así como el papel picado, el arte de la hojalata recortada y repujada es muy popular en todo México. Como no podía ser de otra manera, en México, el arte popular es custodiado por su gente, su pueblo. Precisamente son los artesanos los que otorgan un rostro a ese tesoro tan preciado que es el arte popular mexicano.

Son ellos quienes encarnan el mestizaje cultural y lo manifiestan a través de muy diversas expresiones artísticas.

Al observar una creación artesanal mexicana nos sorprendemos y emocionamos, pero pocas veces nos preguntamos sobre los artesanos que subyacen detrás de la pieza que tanto nos ha gustado. Ellos pertenecen a un mundo compartido, su genio individual se disuelve para consolidar la identidad comunitaria y con ello fortalecer los lazos del rico tejido cultural al que pertenecen.

Fungen de enlace entre lo tradicional y lo contemporáneo, preservando las técnicas que heredaron, a la par que las enriquecen y adaptan a las necesidades, materiales o herramientas de nuestro tiempo.

El arte popular mexicano representa una encrucijada de tradiciones culturales, reflejo de la diversidad propia de nuestros orígenes. Se trata de una herencia que estamos obligados a preservar, pues es manifestación de la cultura, piedra angular de los valores que construyen nuestra identidad.

Cada pieza nos remite a un entorno, un contexto e historia diferente, por ello no es erróneo afirmar que el arte popular mexicano configura un lenguaje propio, permitiendo que cada trabajo nos acerque un poco más a la tradición que nos es propia.

La amplia variedad de técnicas, simbolismos y materias primas se aúnan en los saberes del trabajo de los artesanos mexicanos. De esta manera, el arte popular se configura como una de las vías que el mexicano tiene para decodificar la relación existente entre la sociedad, el hombre y la naturaleza.

Se trata de un arte en constante cambio, pero que es a su vez espejo de nuestra historia. Hilario y Osbaldo Alejos Madrigal Barro modelado, moldeado, con pastillas y vidriado San José de García, Tanancicuaro, Michoacán.

Sseven Rendón Ventura Madera de linaloe, laqueada y esgrafiada laca rayada Olinalá, Olinalá Guerrero. Abdón Punzo Chavez Cobre fundido, martillado y pulido Santa Clara del Cobre,.

Cooperativa Sna Jolobil Hilos de algodón tejidos en trama suplementaria San Andrés Larrainzar Chiapas. Belarmino Rodriguez Gómez Metal fundido a la cera perdida y cinselada con incrustación de jade o piedra Oaxaca, México. Ambrosio Santamaría Torres Hilos de palma real e ixle tejidos a mano Tlapehuala, Guerrero.

Comunidad de Sahuayo Hilos de piel tejidos a mano Sahuayo, Michoacán. Berto Rendón Mancilla Madera de linaloe, laqueada y esgrafiada laca rayada Olinalá, Guerrero.

Maria Soledad Pam Flores Hilos de palma tejidos en cueva Becal, Campeche. Horacio Mendoza Palma teñida y tejida a mano Oaxaca.

Manuela Melchor Ortega Madera tallada, pintada y decorada con tela San Martín Tilcajete, Oaxaca. Raymunda Chi Quiñones Hilos de palma tejidos a mano con madera tallada Becal, Campeche.

Berto Rendón Mancilla Madera de linóleo, laqueada y esgrafiada laca rayada Olinalá, Guerrero. Antigua Fabrica de la Luz Vidrio soplado en molde San Pablo Zochimehuacán, Puebla. Demuestra cuánto sabes del Arte Popular con este divertida test preparado por nuestro equipo de expertos de Fundación Casa de México en España, en el que descubrirás, además, que propuestas de talleres, cursos y conferencias, pueden ayudarte a mejor tu conocimiento sobre el arte popular.

Ideal para: Público interesado en el arte del papel. Ideal para: Público familiar con niños y niñas a partir de 6 años, con afinidad a las manualidades.

Ideal para: Personas interesadas en la creación cerámica, mayores de 14 años. No hacen falta conocimientos previos. Ideal para: Cualquier persona con ganas de usar las manos para crear un producto desde cero.

Amantes del diseño, la artesanía, el arte y la experimentación manual. Ideal para: Familias con niños mayores de 8 años. Ideal para: Público interesado en conocer la historia y técnicas de arte popular de la mano de maestros y maestras artesanas.

Ideal para: Público interesado en técnicas de arte popular y tradiciones. Ideal para: Público interesado en diseño y tradiciones. Lunes a viernes de h a h Sábados y domingos de a h. Wedding and Event Planner desde Dentro de su empresa se dedican desde hace 26 años a organizar y diseñar todo tipo de eventos sociales, corporativos, personales y filantrópicos.

Planea eventos principalmente en la Ciudad de México y desde el en España. Paola es Licenciada en Administración Hotelera con experiencia en la planeación de eventos desde , siendo las bodas su especialidad.

Con sus amplios conocimientos y trayectoria en el mundo de los eventos, hoy en día Paola es una de las organizadoras de eventos más reconocida a nivel nacional, recomendada tanto por los mejores proveedores como por sus clientes.

En estos libros, se muestra el trabajo de los mejores exponentes de la decoración y organización de eventos en México. Pedro Ortega Lozano Ciudad de México, nombrado Gran Maestro del Arte Popular Mexicano por Fomento Cultural Citibanamex en , aprendió a picar papel de niño, observando y jugando con las herramientas y los materiales cuando veía a los artesanos de Tláhuac hacerlo durante la organización de las fiestas tradicionales del barrio y empezó a imitarlos.

Inspirándose en la arquitectura barroca, encontró gran inspiración en la capilla de los arcángeles de la Catedral Metropolitana para desarrollar nuevas formas de representación y técnicas innovadoras en el manejo del papel.

En hizo un retablo que le valió el primer lugar del gran premio de arte popular de Fonart en la rama de papel y cartonería. Desde entonces sus minuciosos retablos, altares y escenas de la vida de Jesús lo han posicionado como un artesano del papel, con obras que en ocasiones también decora con tinta china, acuarela, pasamanería o bisutería.

Tuvo la oportunidad de conocer de cerca al pintor oaxaqueño Rodolfo Morales, quien influyó mucho en su técnica de dibujo. Pedro ha compartido sus conocimientos sobre la técnica tradicional del papel picado con sus tres hijos: Adrián , Eloy e Ismael Ortega Solís. Ha sido merecedor de múltiples reconocimientos y premios en diversos concursos nacionales y de otros países donde es tradicional el trabajo en papel, como en Japón, por ejemplo, donde participó en el Concurso Internacional de Diseñadores de Papel.

Pertenece a la Asociación Internacional de Cortadores de Papel y ha impartido múltiples talleres a niños y jóvenes interesados en el dominio de la técnica.

Su obra se halla en acervos del Museo de Arte Popular en Fomento Cultural Citibanamex y en colecciones privadas. Ha participado siete veces en el International Folk Art Market, de Santa Fe, Nuevo México, donde sus piezas tienen gran éxito. Sna Jolobil es una organización sin fines de lucro indígena fundada en , conformada por cientos de tejedoras de unas 30 comunidades chiapanecas.

Su objetivo es revivir técnicas textiles mayas y vender productos para el sustento de las tejedoras y familias en los Altos de Chiapas. Sus prioridades son preservar técnicas textiles de lenguas Tzotzil, Tzeltal, Chol y Tojolabal, difundir su cultura y respetar la naturaleza al usar materiales naturales y evitar la contaminación.

Sna Jolobil ha salvado la indumentaria tradicional y otros objetos de sus comunidades, que de otra manera se habrían perdido. Su impacto económico, toma de decisiones colectivas y gestión productiva la destacan como experiencia representativa entre comunidades indígenas del país.

El éxito productivo de esta organización, liderada por mujeres artesanas, inspiró la formación de nuevas cooperativas en otras áreas como el café y la miel.

En , la UNESCO premió su trabajo y en , recibieron el «Community Impact Award» del International Folk Art Market en Santa Fe, Nuevo México. Macrina Mateo es una alfarera zapoteca, integrante y cofundadora de la cooperativa Mujeres del Barro Rojo, especializada en piezas de barro rojo como vasijas, tazas, vasos, comales y jarras, tanto utilitarias como decorativas.

Aprendió la técnica de su madre, siguiendo la tradición de transmisión generacional en su comunidad. Desde adolescente, desafiando normas, comenzó a vender sus piezas, un rol que tradicionalmente pertenecía a los hombres. Su motivación principal es preservar el arte ancestral y garantizar que la alfarería sea no solo una artesanía, sino también un sustento económico.

En la cooperativa, las mujeres manejan todas las fases, desde la recolección de arcilla hasta el horneado de leña sin humo. Utilizan tintes naturales derivados de insectos y plantas, regados con energía solar.

El proceso de una pieza puede durar hasta una semana, según el clima. Macrina promueve la técnica zapoteca, con más de 3. Su arte ha sido reconocido en México, Canadá, EE. e Italia. Rachel Levit nació en la ciudad de México en Estudió arte en Parsons, The New School of Design.

Actualmente trabaja como ilustradora freelance y artista visual desde su ciudad natal. Sus obras han aparecido en publicaciones como The New York Times, The Paris Review y The New Yorker.

En el , Draw Down Books publicó su libro de dibujos titulado «Shifted». En el fue aceptada como miembro de la asociación Alliance Graphique Internationale. Izaskun Díaz es perfumista mexicana con estudios en Química en la UNAM y Korea University en Seúl.

Se inició en la perfumería en la filial mexicana de Robertet Groupe, donde fue elegida para entrenamiento in-house como perfumista, participando en proyectos de perfumería fina, cuidado personal y fragancias ambientales. Actualmente es directora creativa y perfumista en su propio estudio, Izaskun Estudio Olfativo, diseñando fragancias para proyectos exclusivos con diferentes fines, olores experimentales, colaboraciones de arte olfativo e impartiendo talleres de educación olfativa.

Ha participado en actividades y colaboraciones académicas y docentes con instituciones como son la Facultad de Arquitectura UNAM, FUNDARQ, Universidad Autónoma de QuerétaroUniversidad Anáhuac Mayab, el grupo CAPIRE de la Universidad Complutense de Madrid y la Universidad de la ciudad de Londres UCL.

Ha colaborado en la creación de fragancias experimentales con diferentes diseñadores en instalaciones que se presentaron en eventos como el Abierto Mexicano de Diseño, Design Week y Maison Diez Company; así como colaboraciones de índole experimental y artísticos con varios artistas y curadores.

En la actualidad se encuentra colaborando con artistas del Sistema Nacional de Creadores para un par de video instalaciones, una serie de barnices olfativos y un proyecto de arte-objeto alrededor de temas arquitectónicos sensoriales.

Su interés como perfumista es explorar el papel de los olores en la identidad personal y colectiva, tanto en individuos como en espacios; logrando esto a través de mapas espacio-temporales-afectivos olfativos, la investigación y creación de paisajes olfativos y la expresión de afectos abstractos a través del olor.

Cecilia León de la Barra diseñadora Industrial egresada en por la Universidad Iberoamericana en la Ciudad de México y Maestra en Estudios de Diseño en por el Centro de Diseño Cine y Televisión en la Ciudad de México. Trabaja en proyectos independientes de producto, mobiliario, interiores, consultorías y curaduría de diseño.

En el presentó la exposición HECHO A MANO: Nuevos Procesos Colaborativos de Diseño, en Casa del Lago Juan José Arreola. En curó las exposiciones COPIAS: transformación y evolución de procesos creativos en Archivo Diseño y Arquitectura con Jorge Gardoni y Contar el tiempo, Centro exposición que celebró el décimo aniversario de la universidad Centro Diseño Cine y Televisión.

En , co-curó la exposición Trazos Ciclistas al lado de Regina Pozo y David Ortega para Archivo Diseño y Arquitectura. En , Colección de Momentos. Diseño en México , en el Museo Universitario del Chopo. Desde el ha sido curadora de la sección de diseño para la feria de arte contemporáneo Zona Maco.

Del al impartió clases en la Universidad Iberoamericana. Es académica en Centro de Diseño, Cine y Televisión en la Carrera de Diseño Industrial desde y directora de la Licenciatura en Diseño Industrial desde el Bárbara Sánchez-Kane estudió Ingeniería Industrial en la Universidad Anáhuac para después estudiar Diseño de Moda en la escuela Polimoda en Florencia, Italia.

Ese mismo año lanzó Sánchez-Kane —una casa de moda motivada por su herencia mexicana, influenciada por elementos personales y curada por un caos emocional. Ya sea a través de prendas unisex o de prácticas de instalación, pintura, performance, poesía y escultura, Sánchez-Kane cuestiona la masculinidad hegemónica, la construcción social del género y la identidad sexual.

Se apropia de objetos y prendas de vestir cotidianas para deconstruirlas, reconstruirlas e imbuirlas de un nuevo significado. El resultado es un intercambio entre el arte y la moda que neutraliza las asociaciones binarias de objetos, cuerpos y símbolos y subraya su naturaleza performativa.

Sus colecciones de moda y obras artísticas se han presentado en Los Ángeles, Maastricht, Ciudad de México, Milán, Paris, Nueva York, Tokio y Viena. La galería kurimanzutto representa a Bárbara Sánchez-Kane, quien vive y trabaja en Ciudad de México.

Aurora Pellizzi vive y trabaja en la Ciudad de México. Hija de antropólogos, nació en en la Ciudad de México y creció entre Nueva York y Cuernavaca. Estudió arte en Cooper Union School BFA, e historia del arte en New York University BFA, Pellizzi yuxtapone referencias académicas formales de la pintura y la escultura, con técnicas y materiales artesanales.

Su práctica artística se nutre de procesos textiles prehispánicos. Temáticamente, el cuerpo femenino es protagónico en su trabajo. En su representación, los cuerpos se descomponen, se transforman y se estilizan hasta convertirse en motivos geométricos, inspirándose simultáneamente en las iconografías del Renacimiento italiano, el arte Pop americano y la tradición textil mexicana.

La obra de Pellizzi ha sido expuesta en Austria, Bélgica, Colombia, Estados Unidos, Francia, Italia, Marruecos, el Reino Unido y México, incluyendo exposiciones en el Museo de Arte Maya de Cancún y el Museo de Artes Populares de la Ciudad de México.

Flaminguettes es un dúo creativo de chicas mexicanas que busca dar vida a proyectos de diversas disciplinas desde un punto de vista más personal. Especializándose en proyectos y conceptos de alta calidad, Mara y Daniela dirigen y realizan animación, video, instalación y diseño para un amplio espectro de clientes y entornos.

Han trabajado con clientes nacionales e internacionales como Air France, Cirque du Soleil, Nike, Adidas, Cerveza Victoria, Sony, ID Magazine, Vive Latino y el Jardín Botánico de Culiacán entre otros.

Paulina López Morales vive y trabaja en la Ciudad de México. Licenciada en Diseño textil y de moda por la Universidad CENTRO. Desde el forma parte de la docencia para la misma universidad, en la Especialidad en Diseño Contemporáneo de Joyería.

Su acercamiento a las artes visuales comenzó de manera orgánica, al tratar materiales naturales en la producción de piezas de joyería, como rocas calizas. Esto despertó el interés de Paulina por explorar los límites de la joyería en relación entre el cuerpo y el espacio.

En comienza la Maestría en Artes Visuales en la Antigua Academia de San Carlos, donde se involucró en la construcción simbólica colectiva del espacio público, mediante acercamientos al happening y performance.

Este mismo año, obtiene la Beca del FONCA para Jóvenes Creadores, la cual le facilita viajar a Alemania y Australia. La evolución y transformación del objeto petrificado forman parte primordial dentro de la búsqueda actual que motiva a Paulina.

Se ha involucrado con el estudio del cuerpo como territorio y la extensión del mismo en el espacio. Las piezas de Paulina, proponen una lectura entorno a la naturaleza de los materiales y las narrativas con implicaciones tanto personales como sociales. Paulina ha expuesto su obra, tanto de joyería como artística, en lugares como el MUAC, Museo Franz Mayer, la galería Velvet Da Vinci en San Francisco, la Biblioteca de Melbourne en Australia, entre otros.

Así como diversos performances In-Situ en ciudades como Munich, Melbourne, Querétaro y la Ciudad de México. CUATA Jewelry es un estudio de diseño y taller de manufactura de joyas, integrado por las gemelas Elena Moncada e Isabel Moncada, donde ellas diseñan y elaboran joyería y algunas piezas de orfebrería.

Inspiradas en la dualidad, resultado del lenguaje que han desarrollado siendo gemelas. Trabajan en unión, logrando una gran sinergia gracias a la polaridad de sus personalidades. Las piezas de la colección MAXA, presentes en la exposición Diseño en Femenino, están hechas con plata y con astas de venado y aunque hacen de cada modelo una serie, son únicas porque cada porción de asta que la compone es distinta en cada pieza.

El venado ha representado, por muchos siglos en México y en otras culturas del mundo, un símbolo de espiritualidad y fuerza, la renovación perpetua de la vida y de las estaciones. Una especie de alquimia; antigua práctica y diciplina filosófica que combina elementos de la química, la metalurgia, la física, el misticismo y el arte.

Linda Franco es la cofundadora y directora ejecutiva de Machina, una empresa de tecnología de la moda que crea prendas que amplían la funcionalidad del cuerpo humano.

Linda ha sido nombrada una de las 30 promesas de Forbes México menores de 30 años, innovadora del MIT menor de 35 años, mujer emprendedora de alto crecimiento por el BID Banco Interamericano de Desarrollo.

Ha aparecido como una de las MakeHers de Intel, Women Tech Makers de Google, y ha dado conferencias en algunos de los eventos más destacados del mundo centrados en la innovación, el diseño, emprendedurismo, la sostenibilidad y la moda, como Wired London, Hardware Massive, Tedx, Women 2.

eventos en San Francisco, Decoded Fashion en Londres, Smart Content Conference Seúl, Tedx London, entre otros. Machina ha aparecido en The Washington Post, Fast Company, BBC, CNN, Vice, Hypebeast, Elle, Vogue y más. Linda y su equipo están llevando la industria al siguiente nivel con la idea de un streetwear inteligente.

El taller de arquitectura LANZA Atelier fue fundado en por Isabel Abascal y Alessandro Arienzo. Para LANZA la arquitectura es una manera de contribuir a la realidad y de posicionarse en el mundo. El estudio otorga importancia a la belleza de los procesos de diseño y producción y a las personas involucradas en ellos.

LANZA pretende realizar proyectos conceptualmente fuertes con formalizaciones sencillas y espacialidades potentes comprensibles por todos los públicos. LANZA ha sido nominado al Premio de Obras de la Bienal Iberoamericana de Arquitectura , al Mies Crown Hall Award del IIT Chicago y , al Premio Debut de la Trienal de Lisboa , al Dezeen Exhibition Design Award y al Brick Award El estudio ha sido acreedor del League Prize del Architectural League of New York.

El museo SFMOMA celebró en la primera exposición individual sobre LANZA Atelier. LANZA también ha expuesto en la Bienal de Arquitectura de São Paulo y lo hará en la Bienal Latinoamericana Melissa Aldrete Lazo de la Vega estudió Dirección de Arte en la Universidad de la Artes en Londres, su formación multidisciplinaria se ha inclinado hacia la Investigación de procesos cerámicos y búsqueda de materiales naturales que provoquen sensaciones y generen diálogo.

Dentro de sus intereses está el Diseño, la Ilustración, la Biología, la Fotografía, la Tanatología y la Historia. Co- fundadora del estudio Cerámico Popdots, donde se generan productos comerciales en conjunto con investigaciones para la implementación de nuevos procesos cerámicos.

Co-fundadora de la Editorial MERMA y fiel admiradora de la Ciencia Ficción y los Videojuegos. Directora de la empresa Celulosa y Polímeros , Imprenta dedicada a las Artes Gráficas en el que se generan empaques y proyectos de diseño, donde se ha colaborado en conjunto de organizaciones como WWF World Wildlife Fund y la Organización de las Naciones Unidas.

Su trayectoria contempla exhibiciones en LDW London Design Week , MIDIM Muestra Internacional de Diseño Mexicano Milán, Barcelona, Madrid, Londres, , la feria WIT en hotel Demetria Guadalajara y otras ferias y festivales renombrados.

Es socia fundadora de la editorial MERMA , colaboró con la plataforma Internacional Creative Mornings, y actualmente forma parte del colectivo OccidenteMX Cristina Paoli es maestra en Diseño Gráfico por la London College of Communication y licenciada en Diseño Gráfico por la Universidad Iberoamericana.

Es autora del libro Mexican Blackletter publicado por Mark Batty Publisher en Nueva York en Este es una investigación gráfica y teórica sobre el uso de la letra gótica en la gráfica popular mexicana.

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Sinopsis Índice. Top más leídos. El resultado fue manl Acción emocionante en los torneos textil que abrió oportunidades para nuevos diseños y aplicaciones Tallerrs el mercado de artículos de lujo. Y en fue publicada en la revistacomo New Faces del diseño y el arte en México. Con su trabajo, propone un diálogo entre la geometría de las telas, el talento, y el conocimiento ancestral de las maestras artesanas textiles del país. El estado costero de Guerrero se mantiene una tradición alfarera única en México y tiene en el poblado de San Agustín Oapan un importante centro de producción. Todos los derechos reservados. Belarmino Rodriguez Gómez Metal fundido a la cera perdida y cinselada con incrustación de jade o piedra Oaxaca, México. LA PASSADORA LAIA PEREARNAU. LIBERTAD O TIRANÍA CRISTINA MARTIN JIMENEZ. Missing Taller Creación de Falda. $ Manualidades con Santiago. from $ Los mejores tips en un solo lugar. Hecho a mano y más. 5 Entretenimiento asegurado para grandes y pequeños! Incluye hojas decoradas y separables para hacer animales de origami Las autoras muestran cómo lograr obras de diseño únicas a partir de todo tipo de manualidades, sacadas directamente de los estudios de arte. Todas las técnicas Entretenimiento asegurado para grandes y pequeños! Incluye hojas decoradas y separables para hacer animales de origami Orfebrería y Artesanía étnica y rupestre. Creaciones % hechas a mano. A Pedido/Envío a Todo Chile. EnvÍame un DM Valle de Aconcagua-Chile Orfebrería y Artesanía étnica y rupestre. Creaciones % hechas a mano. A Pedido/Envío a Todo Chile. EnvÍame un DM Valle de Aconcagua-Chile Este libro es una fantástica sorpresa, un magnífico regalo, con honestas y originales ideas. Las autoras muestran cómo lograr obras de diseño únicas a partir de Ideas talleres · 【 Mini ORGANIZADOR con Rollos de Papel Higiénico 】▷ IDEAS · 【 MANUALIDADES CON RECICLAJE 】▷ TOP IDEAS · Creativity, origami video Talleres hechos a mano
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Taller de manualidades para el dise�o Sal y pintura Soplar la pintura Pulverizar la pintura Verter la pintura Rayar la pintura Esponjar la pintura Salpicar la pintura Pintar con agentes resistentes Combinación de técnica de estampado de pintura con agente resistente La pintura y la lejía Precintar y pintar Envolturas de plástico y pintura Papeles de cocina y pintura PROYECTOS DE PAPEL Y METAL Marmoleado de papel Collages con papel Collages con metal Fabrique su propio papel Esculturas de papel en 3D Técnica de golpe seco sobre el papel Estampado de oro sobre papel Imágenes con pintura metalizada Crear relieves con materiales pulverizados TÉCNICAS DE ILUSTRACIÓN El esgrafiado Crear arte con objetos reciclados Ilustrar con arcilla

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Sorprendente invento de un artesano de primera.

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Copyright © Casa del Libro. Todos los derechos reservados. Cambiar país. Linda y su equipo están llevando la industria al siguiente nivel con la idea de un streetwear inteligente.

El taller de arquitectura LANZA Atelier fue fundado en por Isabel Abascal y Alessandro Arienzo. Para LANZA la arquitectura es una manera de contribuir a la realidad y de posicionarse en el mundo.

El estudio otorga importancia a la belleza de los procesos de diseño y producción y a las personas involucradas en ellos. LANZA pretende realizar proyectos conceptualmente fuertes con formalizaciones sencillas y espacialidades potentes comprensibles por todos los públicos.

LANZA ha sido nominado al Premio de Obras de la Bienal Iberoamericana de Arquitectura , al Mies Crown Hall Award del IIT Chicago y , al Premio Debut de la Trienal de Lisboa , al Dezeen Exhibition Design Award y al Brick Award El estudio ha sido acreedor del League Prize del Architectural League of New York.

El museo SFMOMA celebró en la primera exposición individual sobre LANZA Atelier. LANZA también ha expuesto en la Bienal de Arquitectura de São Paulo y lo hará en la Bienal Latinoamericana Melissa Aldrete Lazo de la Vega estudió Dirección de Arte en la Universidad de la Artes en Londres, su formación multidisciplinaria se ha inclinado hacia la Investigación de procesos cerámicos y búsqueda de materiales naturales que provoquen sensaciones y generen diálogo.

Dentro de sus intereses está el Diseño, la Ilustración, la Biología, la Fotografía, la Tanatología y la Historia. Co- fundadora del estudio Cerámico Popdots, donde se generan productos comerciales en conjunto con investigaciones para la implementación de nuevos procesos cerámicos.

Co-fundadora de la Editorial MERMA y fiel admiradora de la Ciencia Ficción y los Videojuegos. Directora de la empresa Celulosa y Polímeros , Imprenta dedicada a las Artes Gráficas en el que se generan empaques y proyectos de diseño, donde se ha colaborado en conjunto de organizaciones como WWF World Wildlife Fund y la Organización de las Naciones Unidas.

Su trayectoria contempla exhibiciones en LDW London Design Week , MIDIM Muestra Internacional de Diseño Mexicano Milán, Barcelona, Madrid, Londres, , la feria WIT en hotel Demetria Guadalajara y otras ferias y festivales renombrados.

Es socia fundadora de la editorial MERMA , colaboró con la plataforma Internacional Creative Mornings, y actualmente forma parte del colectivo OccidenteMX Cristina Paoli es maestra en Diseño Gráfico por la London College of Communication y licenciada en Diseño Gráfico por la Universidad Iberoamericana.

Es autora del libro Mexican Blackletter publicado por Mark Batty Publisher en Nueva York en Este es una investigación gráfica y teórica sobre el uso de la letra gótica en la gráfica popular mexicana.

En funda en la Ciudad de México, PERIFERIA, un estudio de diseño de libros de arte y comunicación gráfica cultural. En obtuvo la Mención Honorífica en la categoría de Colección del 1er Premio Latinoamericano al Diseño Editorial en Buenos Aires, Argentina por el diseño de la colección Folios MUAC, y en el mismo año el DAM Architectural Book Award otorgado por Deutsches Architekturmuseum y la Feria de Libro de Frankfurt en Alemania por el diseño del libro Talca, cuestión de educación.

En realizó la exposición Rótulos México en el MUCA-Roma de la UNAM, cuyo objetivo fue celebrar el oficio del rotulismo y sus cruces con el diseño gráfico. Daniela Garza Salinas, diseñadora gráfica, nació en Monterrey, Nuevo León.

Se especializa en la conceptualización de ideas, liderazgo de equipos creativos, así como creación y manejo de marcas nacionales e internacionales. Su enfoque es el aprovechamiento máximo de tiempo, talento y recursos en conjunto con la colaboración y sinergía de trabajo en equipo para lograr desarrollar proyectos multidisciplinarios memorables y distintivos en la industria.

En su carrera profesional ha tenido la oportunidad de transitar en diferentes roles dentro de Anagrama Studio, una de las agencias más importantes de Latino America, que ha dictado tendencia en la industria del diseño desde sus inicios.

Se ha desarrollado también como líder académica por medio de talleres, conferencias dentro y fuera del país, y como actual profesora de Maestría y Posgrado de Global Fashion Management en CENTRO.

Actualmente es cofundadora de Bestia Durmiente, una marca de moda ética enfocada en el descanso hecha en México. También es cofundadora de la plataforma Que Perra mi Amiga, una plataforma de transversalidad y empoderamiento con un enfoque inclusivo.

Daniela es una mujer profesionalmente activa, que disfruta del arte, la gastronomía, la música, la moda y ama a los animales. Verónica Monsivais estudió la licenciatura en diseño gráfico en la Universidad Iberoamericana, en la ciudad de México. Realizó el diplomado en comunicación visual en la Hochschule für Gestaltung und Kunst, en Basilea Suiza.

Colaboró en el diseño de la tipografía Mayathán, para escribir lenguas mayas antiguas y modernas. Es socia de Taller de comunicación gráfica, despacho de diseño enfocado principalmente en proyectos de carácter cultural tanto de identidad gráfica como editorial, para instituciones como el Museo del Palacio de Bellas Artes, el Museo Carrillo Gil, el Museo Nacional de Arte, la Fundación BBVA, el Fondo de Cultura Económica, el Centro Cultural de España en México, el Banco Mundial y Kew Gardens, entre otros.

Sus proyectos editoriales han sido reconocidos por varias instituciones promotoras de la lectura y del libro ilustrado. En el Banco del libro de Venezuela seleccionó su colección Había otra vez y recibió el premio de la American Association of Museums por la revista M Museos de México y el mundo y el premio Quórum en varias ocasiones.

Ha impartido talleres en el Centro de las Artes de San Agustín, en Oaxaca. Desde es docente en Centro de diseño, cine y televisión en la Ciudad de México impartiendo clases de color, diseño de letra y tipografía. Maricris Herrera se formó como arquitecta, y en su búsqueda por encontrar una salida más conceptual a su trabajo, le fue restando planos a las dimensiones arquitectónicas hasta encontrar una expresión gráfica cuyo proceso partiera del entendimiento del espacio tridimensional.

Evitando entonces crear discursos narrativos sobre lo que ya fue previamente conceptualizado, su trabajo se centra en la provocación de experiencias por medio de texturas, tipografías, cambios de papel y elementos sorpresa.

En fundó Estudio Herrera en la Ciudad de México como una práctica colaborativa para explorar las posibilidades del diseño en la producción de arte y cultura. Además de ser uno de los principales estudios de diseño gráfico a nivel nacional, su trayectoria le ha ganado un lugar en el tejido efervescente del arte contemporáneo.

Estudio Herrera presta servicio a instituciones privadas y públicas, museos, y líderes de diversos ámbitos. Además, colabora extensamente con artistas, curadores, editores, arquitectos, y diseñadores. Su compromiso por comunicar el conjunto de valores implícito en la práctica colaborativa es lo que ha llevado a su estudio a forjar relaciones continuas con sus clientes.

María Marín de Buen es diseñadora gráfica por la Universidad Iberoamericana en la Ciudad de México y maestra en diseño gráfico por The Basel School of Design y The University of Illinois at Chicago.

Su tesis de maestría fue presentada en la exposición Designpreis Halle en Alemania como parte de los nominados al premio de diseño. El trabajo de María es una combinación entre proyectos de diseño gráfico comisionados y experimentos personales.

La parte profesional se centra principalmente en el diseño de libros e impresos para el medio cultural y arquitectónico. En su práctica experimental utiliza el medio editorial como salida para la exploración de temas como el tiempo, la memoria, los límites y el cuerpo humano.

María trabajó en el Museo del Palacio de Bellas Artes y en el despacho CoDe Communication and Design desarrollando proyectos en Zürich y en Nueva York.

A su regreso a México, impartió clases de diseño editorial en la Universidad Iberoamericana y co fundó Proyectos ninguém, taller de diseño gráfico. En se independizó y creó su estudio homónimo de diseño gráfico.

María formó parte del programa Jóvenes Creadores del FONCA en dos ocasiones en la categoría de Diseño editorial. Frida Escobedo estableció su estudio epónimo en la Ciudad de México en Su práctica cuestiona los límites de la disciplina arquitectónica al operar en un amplio rango de escalas y medios; desde edificios y proyectos de conservación experimentales, hasta instalaciones temporales y esculturas públicas, objetos, publicaciones y diseño de exposiciones.

Inicialmente, la reputación del estudio se basó en la fuerza de una serie de proyectos galardonados dentro de su país natal, México, incluyendo entre ellos la renovación del Hotel Boca Chica , el Pabellón El Eco , y la ampliación de La Tallera Siqueiros en Cuernavaca En el logró alcance mundial al recibir el prestigioso nombramiento para diseñar el anual Serpentine Pavilion, ubicado en Kensington Gardens, Londres, convirtiéndose en la arquitecta más joven hasta entonces en llevar a cabo dicha comisión.

Más recientemente, Escobedo fue seleccionada como la arquitecta a diseñar la nueva ala de Arte Moderno y Contemporáneo del Museo Metropolitano de Nueva York, convirtiéndose en la primera mujer —y la más joven— en diseñar para la institución. Karim Molina Estudió Diseño Textil en Buenos Aires con una sólida formación laboral en Publicidad y Comunicación.

Actualmente vive en la Ciudad de México, nació en Venezuela con una rica formación cultural de sus vivencias en Italia y Argentina. Su carrera ascendente en México comenzó en Mérida donde ganó el concurso textil de la Escuela de Danza Contemporánea Cressida.

Tiempo después, se trasladó a la Ciudad de México, donde su trabajo transitó a la industria del diseño de objetos, convirtiéndose en una de las fundadoras de Ayres Studio, actuando actualmente como su principal talento. En , Karim, entre otros socios internacionales, dió a luz a El Salón Design, una exclusiva plataforma interseccional de Arte y Diseño con sede en Ciudad de México y Miami.

En los últimos años, su trabajo ha sido reconocido por la revista AD como parte de la lista de los gurús de la industria del diseño en México. Mención que inspira su mente curiosa y comprometida a destacar como diseñadora. Sandra Weil nació en Perú, en una familia multicultural que tiene sus raíces en Turquía, Alemania, Brasil y Rumania.

Su pasión por la moda y el diseño le fue transmitida desde pequeña mientras pasaba los días en el taller de costura de su abuela. Utilizando su intuición creativa diseñó su primera prenda, esta pieza eventualmente se convirtió en un objeto de deseo entre sus conocidos.

Este evento marcó el comienzo de su proceso creativo. Estudió Artes Visuales con una especialidad en Diseño Gráfico en la Pontificia Universidad Católica del Perú y luego se matriculó en la Universidad Felicidad Ducé de Barcelona, donde se especializó en Alta Costura. Durante más de 12 años, la moda ha sido su forma de descubrir el mundo, de expresarse y de relacionarse con los demás.

La naturaleza es su principal fuente de inspiración, los fenómenos naturales son los más frecuentes en su universo creativo. Sandra cree firmemente en la sustentabilidad, el comercio justo y en buscar tener un impacto positivo en el mundo al proveer de trabajo a los artesanos de la moda.

Sus desarrollos siempre buscan ser piezas atesoradas, de múltiples usos y capaces de sobrevivir la presión de las tendencias pasajeras. Sandra lanzó su primera colección en Su marca de ropa de lujo se estableció rápidamente como un jugador importante en el mapa creativo de México y América Latina.

Las colecciones parten siempre del mismo punto de partida: el alma de los vestidos y los tejidos que dan vida a siluetas inesperadas concebidas para una mujer contemporánea.

Carmen Tapia es una diseñadora de platería formada en una sólida tradición familiar de plateros y lapidarios. Tiene estudios en la licenciatura en filosofía en la Universidad Autónoma del Estado de Morelos. Desde el dirige en Taxco su estudio-taller en el que realiza proyectos personales de arte y diseño, así como colaboraciones con artistas, diseñadores, galerías y empresas.

Su trabajo ha sido distinguido con más de 20 premios en México, entre los que destacan: tres Galardones Nacionales de Platería, el Galardón William Spratling, el segundo lugar en el Primer Concurso Internacional de Joyería Contemporánea en México, entre otros.

Su obra ha sido expuesta en museos, galerías y ferias de arte y diseño en México y el extranjero, algunos eventos destacados son: MAD about.

Jewelry, Museum of Art and Design NY, Brazil Jewelry Week. Sus proyectos de orfebrería han obtenido las becas de producción artística para jóvenes creadores y creadores con trayectoria otorgadas por la Secretaría de Cultura de Guerrero.

En el año fue comisionada por el Gobierno de México para realizar el diseño de la Condecoración Miguel Hidalgo. Carmen ha formado un sólido andamiaje teórico, formal y técnico, que le ha permitido sintetizar sus ideas estéticas en el lenguaje de la joyería contemporánea.

Durante su proceso creativo investiga y manipula las propiedades topológicas y plásticas de las superficies y cuerpos minerales.

Martacarmela Sotelo tiene una Licenciatura en Arquitectura por la Universidad Iberoamericana, una Maestría en Artes Visuales de la Universidad Central Saint Martins y una segunda Maestría en Negocios, Innovación y Creatividad por la Universidad Centro.

En el fundó su estudio de Joyería Contemporánea y en el dirigió en México la Fundación Otro-Diseño dedicada a la Cooperación Cultural y Desarrollo; una organización sin fines de lucro con base en Holanda para promover la Joyería a nivel Internacional.

Martacarmela ha exhibido su joyería artística en diferentes museos como el Museo de Arte y Diseño de Nueva York, Bellevue Arts Museum en Seattle, Houston Centre for the Contemporary Art, Museo de Bellas Artes en Buenos Aires y Tallin, Museo de Antropología e Historia, Museo Amparo, Museo de las Culturas Populares, Museo Tamayo, Palacio de Iturbide y MUAC entre otros.

Ha participado en Design Week Nueva York, Londres y México. En el comenzó como profesora en la Licenciatura de Diseño Textil y Moda en Centro de Diseño, Cine y Televisión, en el se convirtió en la coordinadora del programa de Joyería Contemporánea y en el se convirtió en la Directora del departamento de Moda en esta Universidad.

Actualmente es la directora creativa de la marca TANE. Steph Orozco es diseñadora de Moda, establecida en Estocolmo, Suecia. Dedicada al diseño de indumentaria, fotografía, poesía y arte. Desde el lleva la dirección creativa de su proyecto homónimo Steph Orozco donde cuestiona la producción en serie, el ciclo de vida de las prendas y el comportamiento social a través de la moda abordándola desde diferentes perspectivas borrando la frontera entre disciplinas.

Fue finalista en Project Runway Latin America, y exponente en plataformas nacionales e internacionales como Nicaragua Diseña, ; Exintex, ; Abierto Mexicano de Diseño, y Fashion Revolution Week México, Además de dirigir su proyecto de marca, desde el desarrolla la línea Replaceremake para la boutique de moda de segunda mano Replace Fashion y recientemente forma parte del equipo de diseño de la marca sueca Rave Review.

Cynthia Buttenklepper nació en Ensenada, Baja California. Realizó sus estudios de diseño de moda y textil con una especialidad en estilismo de moda en el IED Istituto Europeo di Design de Barcelona.

Después de trabajar en países como España y Turquía regresa a México en el para fundar su marca homónima. Ha presentado colecciones y participado en las principales plataformas de moda en México como Mercedes Benz fashion week y en ciudades como París y Nueva York.

Ha colaborado con marcas como Nike, Honor, Patron, entre otras. Cynthia Buttenklepper experimenta con la esencia de materiales y el imaginario, encontrando así un sitio en el que las siluetas dialogan con la figura humana.

Crea colecciones controladas de piezas limitadas utilizando remanentes textiles dead stock fabrics de alrededor del mundo, mientras que implementa métodos tradicionales que rinden homenaje a la preservación de siluetas ancestrales.

Las colecciones están compuestas de piezas que son tan complementarias como lo son versátiles y que funcionan entre sí para trascender en el tiempo. Producidas en pequeños talleres en México. Cynthia está activamente dedicada al consumo consciente —parte fundamental del ADN de la marca—, y comprometida al desarrollo de la industria de la moda en México, compartiendo el diseño mexicano a través de nuevos ojos.

Felipa Tzeek Naal, hija de Olga Kantum Tzeek, forma parte de una comunidad que conserva la tradición artesanal, herencia familiar que se ha transmitido de generación en generación y que se ha convertido en su principal ingreso económico.

Felipa aprendió a la edad de 7 años y desde ese entonces, junto con su madre, han procurado preservar las técnicas originales de su comunidad. Entre ellas, los diseños antiguos de la civilización maya en la elaboración de esteras.

Estas piezas son elaboradas a partir de un tejido muy fino con grecas de colores, en las cuales utilizan la planta llamada Chackxin; una hierba roja que extraen del campo y se emplea para tintar el huan y así brindarle un color ocre.

Esta planta la han utilizado desde hace años. Tanto madre como hija han sido reconocidas por su labor artesanal dentro de su comunidad y también han recibido reconocimientos especiales, entre ellos el premio otorgado por Fomento Cultural Banamex.

Cristina Romo, a partir de la observación y análisis de su entorno cotidiano, sintetiza escenas y formas naturales en piezas decorativas y funcionales. Es la tercera generación en una familia de diseñadores plateros. Creció en los talleres que fueron de su abuelo, Don Antonio Castillo y posteriormente de su mamá Emilia Castillo.

Inmersa en un ambiente de creatividad y trabajo, a los cuatro años comenzó a diseñar prendedores de plata, mismos que vendía con gran demanda en las galerías en donde su madre exhibía sus piezas.

Junto a ella, Cristina fue tomando cariño por el trabajo orfebre. Mientras crecía y jugaba en el campo, la naturaleza fue permeando su ser y no es casualidad que en sus diseños encontremos representaciones e interpretaciones de elementos y situaciones naturales; árboles, insectos, ríos y flores.

En la adolescencia, dejó El Rancho, pero años después, regresó a vivir y trabajar allí. Comenzó a jugar con técnicas y materiales, dando forma a todos esos diseños que por años se gestaron en su mente. Y así, aquellos árboles, insectos, ríos y flores que algún día la hicieron soñar, retomaron su cauce y la hicieron volar.

Rufina Ruiz López, artesana de tierra, es la novena de once hermanos oriundos del municipio de Santa María Atzompa, Oaxaca. Escultora egresada del Centro de Artes San Agustín Etla.

Ha colaborado en diversas exposiciones entre ellas: Cómo hablar mal del puente si no lo has atravesado, en CASA Etla, Oaxaca, ; Cacao, museo del chocolate, CDMX, ; Diseño de objetos industriales, MUAC-UNAM; Voces que nacen del subsuelo, CASA Etla, Oaxaca, También se destaca su participación en la Bienal de Cerámica en Bélgica, ; Tierra y cielo, Revista internacional Vogue, ; El alma en el barro Revista AD Architectural Digest, A su vez ha impartido talleres como Jugando con el Barro en la escuela Papalote, Oaxaca y Titiritando el barro en el universo de Morales en el Museo Infantil del Niño MIO, Oaxaca.

En el presente año participó en la bienal iberoamericana diseño de producto industrial obteniendo mención de diseño sostenible con su proyecto Enfriador portátil de agua. Trine Ellitsgaard, es una artista textil danesa que vive y trabaja en Oaxaca, México desde hace 35 años.

Tras la creciente popularidad del mezcal, notó que los destiladores solo utilizaban el corazón de la planta de espadín y las hojas se descomponían en la tierra, alterando el frágil ecosistema local. Trine Ellitsgaard convierte estas hojas de agave en fibras para tapices, inspirada en la cultura mesoamericana y el entorno que habita.

Su trabajo con la fibra del agave, se dio por su interés en la innovación y las fibras naturales, esto la llevó a colaborar con Hermano Maguey, una organización sin fines de lucro de impacto social local, para encontrar una forma creativa de resarcir el problema. Para fabricar sus tapices, utiliza una máquina para extraer fibras de las hojas desechadas de Espadín, para después hilar la fibra a mano y teñirla con pigmentos naturales como la cochinilla y el índigo.

Estos tapices se fabrican en el pueblo zapoteco de Teotitlán del Valle, Oaxaca, que tiene una larga tradición en la fabricación de textiles hechos con telares manuales. A medida que cada pieza pasa por distintas manos, el resultado se vuelve una creación única que trae consigo las tradiciones del pasado al presente.

La colección Agave es la forma de Ellitsgaard de preservar los textiles tradicionales y arrojar luz sobre un mundo interrumpido por la industrialización. Maxine Álvarez es ceramista y vive en Guadalajara, México. Hija de la pintora Maxine Scherb Mc intosh, creció en un entorno artístico.

Estudió Letras en UAG e inició de lleno con la cerámica en Los Ángeles, California en El diseño de Maxine se enfoca en resaltar la relación entre la pieza como elemento cultural cargado de significados y su interacción con una naturaleza que rebosa de diversidad.

Su inmersión e inquietud por entender las propiedades de las tierras recolectadas del entorno, los esmaltes de alta temperatura y de cenizas formuladas por ella, la han inclinado a entregarse a la investigación de materiales naturales y su interacción entre ellos.

Como ceramista se ha enriquecido al compartir sus hallazgos con la comunidad e interactuar con alfareros ceramistas mexicanos y de otras latitudes. En fundó Casa Ceniza, taller colaborativo y espacio de intercambio de conocimientos en donde se mantiene un continuo de invitaciones a artistas de fuera, además de charlas, exposiciones y talleres.

Con esto se ha creado un acervo de documentos y material para consulta el cual crece con la información de lo que se investiga y aprende cada día. Para Maxine el mundo que nos rodea contiene el lenguaje del origen. A través de sus piezas busca comprender el territorio en el que vivimos.

Su fragilidad, su resistencia, su adaptabilidad para después moldearse según la alquimia de los minerales y las inclemencias del fuego. A través de sus piezas, nos presenta el carácter simbólico de un presente ligado al pasado que cuentan una historia y despiertan recuerdos, anhelos y pertenencia.

Angela Damman es una marca de lujo sustentable, inspirada en la belleza de las fibras vegetales nativas y las antiguas tradiciones artesanales de Yucatán, México. Desde , Angela y su talentoso equipo de artesanos han colaborado en el diseño y producción de textiles, productos de lujo y trabajos de edición limitada, hechos a mano.

Los esfuerzos de Ángela no solo conectan conocimientos centenarios con el diseño contemporáneo, sino que también tienen como objetivo ayudar a estimular el desarrollo económico local y preservar el patrimonio cultural de las comunidades mayas.

Su trabajo se produce en su estudio, ubicado en una hacienda histórica en Yucatán, México, y en los pueblos vecinos.

Ella cultiva sus propios materiales, incluyendo agave henequén, agave sisalana y sansevieria. Su primer esfuerzo fue tejer un textil muy refinado a partir de fibra de henequén, utilizando el antiguo proceso de telar de cintura en colaboración con mujeres locales expertas en este oficio.

El resultado fue un luminoso textil que abrió oportunidades para nuevos diseños y aplicaciones en el mercado de artículos de lujo. Desde entonces, ha continuado explorando ideas únicas de arte y diseño con fibras vegetales, ampliando sus esfuerzos para incluir el agave espadín de los campos de Oaxaca.

El trabajo de Ángela se ha mostrado en varios museos y exposiciones en México y en el extranjero, incluido el Museo de Arte Popular, Fundación de Artistas, Museo Universitario Arte Contemporáneo MUAC, Epiphany Arts Center Chicago, entre otros.

Ha aparecido en varias publicaciones, incluidas Vogue, Architectural Digest Mexico, Architectural Digest US, New York Times, entre otras plataformas de prestigio. Esculturas de papel en 3D Técnica de golpe seco sobre el papel Estampado de oro sobre papel Imágenes con pintura metalizada Crear relieves con materiales pulverizados TÉCNICAS DE ILUSTRACIÓN El esgrafiado Crear arte con objetos reciclados Ilustrar con arcilla Ilustrar con collage Imprimir con rodillos Imprimir con sellos La técnica de impresión Transferencias RECURSOS ÍNDICE ALFABÉTICO.

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CATEGORÍAS: Infantil y juvenil, Anaya, Infantil, Papel y decoupage, Maon y Juegos para ganar premios únicos y emocionantes. Su obra Tallerrs halla en acervos hfchos Museo hechls Arte Popular en Fomento Hfchos Citibanamex y mao colecciones privadas. Blackjack y Transferencia Electrónica Noriega es Licenciada en Acción emocionante en los torneos Industrial por la Juegos para ganar premios únicos y emocionantes de Guadalajara, en mannocon Superación de obstáculos mentales experiencias internacionales en la Universidad Autónoma de Barcelona, España en el y en la Universidad del Bio Bio Concepción, Chile en Realizó el diplomado en comunicación visual en la Hochschule für Gestaltung und Kunst, en Basilea Suiza. A través de sus piezas busca comprender el territorio en el que vivimos. Aunque no descarta incursionar en otras áreas, su esfuerzo y creatividad como diseñadora se ha centrado en la cerámica y es autora de vajillas para destacados restaurantes y casas gastronómicas, así como de trabajos en el mismo material para hoteles y casas particulares. Opinar sobre este producto. Platos, Abdón Punzo Chavez Cobre fundido, martillado y pulido Santa Clara del Cobre,. Abdón Punzo Chavez Cobre fundido, martillado y pulido Santa Clara del Cobre,. Las autoras muestran c�mo lograr obras de dise�o �nicas a partir de todo tipo de manualidades, sacadas directamente de los estudios de arte. Maxine Álvarez es ceramista y vive en Guadalajara, México. Cilindro con cara Carlomagno Pedro Martínez Barro moldeado con decoración. Caralarga es un taller de diseño textil mexicano con sede en el barrio de Hércules, Querétaro. Missing Taller Creación de Falda. $ Manualidades con Santiago. from $ Los mejores tips en un solo lugar. Hecho a mano y más. 5 Entretenimiento asegurado para grandes y pequeños! Incluye hojas decoradas y separables para hacer animales de origami Nuestros talleres. Inicio; Talleres. En TONTUNICAS MC tenemos gran experiencia en la elaboración de artículos hechos a mano, tanto para decoraciones como para Hecho a mano. Taller de manualidades para el diseño Used / Pre-owned. USD$ Price when purchased online. Image 1 of Hecho a mano. Taller de Las autoras muestran cómo lograr obras de diseño únicas a partir de todo tipo de manualidades, sacadas directamente de los estudios de arte. Todas las técnicas Talleres hechos a mano

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